Sir Lord Doom Music

ELECTRIC MOON - Flaming lake

2011-10-18T07:51:00.000-07:00

(2011, Sulatron, Deutschland, 76.28 min)
01. The cosmic creator
02. Flaming lake
03. Lost and found souls
04. Burning Battenberg
So dunkelbunt wie das effektüberladene und verfremdete Livefoto im Inneren des Booklets ist auch die Musik von ELECTRIC MOON. Im Juli 2011 waren sie gerade in Battenberg / Eder beim "Teich in Flammen" Open Air, veranstaltet von den dortigen Psyche / Space Rockern DATURANA (unbedingt checken, Album "Crossroad man" gibt es von NASONI), schon steht eine CD mit Liveaufnahmen von eben jenem Fest, nun, nicht in jedem Laden, aber bei Bandkopf Dave Schmidt im SULATRON Shop. Vier Songs sind es, besser, vier ausladende, instrumentale Jams von hypnotischer Wucht, die Dich tief in einen Zeitstrudel reissen, in dem alles relativ wird. Die Welt um Dich herum bleibt einfach stehen. Das hier ist Musik, bei der Du die Augen schließt und Dich im Rhythmus wiegst, während Deine Seele auf den von den Gitarren erzeugten schwebenden Klangwellen reitet, weit fort hinaus in den Kosmos. Die Struktur der Stücke kommt eigentlich von Drummer Alex, der stoisch einen entspannten Beat klopft, ab und an aussetzt, zuweilen etwas kräftiger dreinschlägt, aber im Grunde mit seinen repetativen Strukturen bereits für den betörenden Ausdruck sorgt und von Bassistin Lulu, der Kometenfrau und Muse von Gitarrengott Sula Bassana aka Dave Schmidt. Komet Lulu spinnt ein dunkles Notengarn, das eindringliche, mystische Melodien ergibt, wobei auch sie wenige Variationen einbringt, den Hörer in seiner Trance zu halten und diese noch auszubauen. Auf gut sechsundsiebzig Minuten bringen es die vier ausgedehnten Jams, in denen sich meine Seele allmählich verliert. Um mich herum gefriert das Leben, während die brodelnde Atmosphäre der Musik gar allzu irdisch scheint. Zumindest was den extrem schweren Psychedelicdoomrock von "Lost and found souls" angeht, dem dritten Stück. Hab ich die ersten beiden Songs nun übersprungen? Ach, ich fange erst an, Euch von meiner spirituellen Reise in den flammenden See zu erzählen. "The cosmic creator" ist eine auf - und abschwellende Klangwand aus Grooves, pumpendem Bass, spacigen Effekten, die von Lulu und Dave gemeinsam aus irgendwelchen Gerätschaften getreten werden. Toll sind Daves wabernde Wahwahsounds, sein sphärisches Gesäge mit viel Nachhall und das Gluckern und Blubbern, welches seiner "elektrischen Stullenbox" entfleucht. Natürlich kann er seiner Klampfe auch ein katzenhaftes Heulen und halbwegs klassische 60er Psychedelic Jauler entlocken, wie das bereits vor vierzig und mehr Jahren die Besten getan haben. Und immer tiefer reissen Dich die drei Schöpfer kosmischer Rockmusik in ihre Musik hinein. Du als Hörer tänzelst umher, ohne Besinnung, wie im Fieberwahn. Dieser Jam hält Dich gefangen und wenn ELECTRIC MOON in eruptivere Passagen ausbrechen, dann sägt es Dich regelrecht um, Du tanzt wie ein Derwisch in wildester Ekstase. Das ist auch der Grundgedanke der Musik ELECTRIC MOONs, schiere Ekstase, das Loslösen der Seele vom Körper. Entspannter beginnt der Titelsong mit träumerisch dahinfließenden Läufen von Bass und Gitarre, tatsächlich mit kleinen Melodien und melodiehaftem Gitarrenspiel, welches allerdings immer auch wie ein Spiel mit den Effekten klingt. Die Atmosphäre ist heimelig, ich kann mir die Band hier so richtiggehend vorstellen, wie sie dort am Teich zu Fackelschein aufspielt. "Flaming lake" steigert sich langsam in seiner Intensität, rockt mehr, kocht regelrecht vor spiritueller Leidenschaft. Dave lässt die Klampfe heulen, als hätten wir 1972 und das hier wäre ein Konzert von PINK FLOYD und er hieße statt Schmidt mit Nachnamen Gilmour. Aber niemand bei ELECTRIC MOON bestreitet den Einfluss der britischen Artrock - und Psychepioniere. Ein gewaltiger Wirbel entsteht, die Gitarren, das scheppernde Schlagzeug, Lulus brummender Bass, sie tanzen um einander herum in furiosem Reigen, sie umschlingen sich förmlich und fesseln Zuhörer. Der visuelle Aspekt mag für diese CDr "nur" in der Imagination desjenigen entstehen, welcher der Musik ausgesetzt ist, aber wenn man sich komplett fallen lässt, dann löst sie die Sinne von dem, was der Mensch an sich als "Realität" empfindet, die Schatten und Schemen tanzen im Feuerschein um einen herum und man selbst kann nicht anders. Man muss einfach durch Raum und Zeit dahinwogen. Und dann kommt "Lost and found souls", der Heavysong mit dem prägnanten, düsteren Riff, dunkel - mystischen Melodien vom Bass, einer betörend schönen, dennoch scharfkantigen Leadgitarre und einem gespenstisch klackernden und scheppernden Schlagzeug. Mystifizierend, majestätisch, mit leicht orientalischem Einschlag, wie ein Ritt bei Sonnenuntergang durch das Tal der Könige, wo die schauerlichsten Sagen und Geschichten lebendig zu werden scheinen. Oh, Ekstase ist auch hier wieder ein Begriff, den ich für das Spiel in dem eigentlich zähflüssig doomigen Soundbrei benutzen möchte. Dave geht an der Gitarre vollkommen aus sich heraus, Lulu und Alex zaubern einen donnernden Rhythmusteppich, der den infernalischen Ausdruck eines vom Sturm aufgepeitschten Meeres hat, auf dem man hilflos in seiner Nussschale von Walfängerschiff treibt. Dieser Jam ist eine Urgewalt, wird aber auch irgendwann von der Band wieder in ruhige Passagen getrieben, die eine schaurige Atmosphäre mit sich bringen. Freiförmiges Zischen, Zwitschern, Blubbern, Knarren und Quietschen gibt es dann auch hier in einigen Abschnitten, obschon "Lost and found souls" am Ende durchaus sehr komponiert wirkt. Über zwanzig Minuten schwebt man in diesem Inferno umher, welches zum Ende hin sogar in reinen Spacerock abdriftet, dann aber wieder den Weg zum Heavysound der Anfangssequenz und damit zu seinen Wurzeln findet. ELECTRIC MOON rauben einem auf diese Weise einfach die Sinne. Nach solch einer Abfahrt sollte eigentlich alles aus sein, aber ein Surren und Blubbern, dazu etwas Bass, ein dezenter, formbefreiter Rhythmus, Geplänkel der Gitarre, es geht psychedelisch voran. Dave spielt nach der spacigen Einstiegssequenz auf dahinspringendem Beat und monotonem Bass schöne cleane Läufe mit bewusstseinserweiternder Melodieführung. DATURANA Trommler Philipp hat sich hier zur Band gesellt. Irgendwie hab ich das Gefühl, als läge ein dünner Synthesizerteppich auf der Musik, die sich rasch in immer ekstatischere Gefilde bewegt, schneller, treibender wird, wieder an Fahrt verliert, fast statisch wird und immer wieder schnaufend und ächzend Aktivität zeigt und durch seine versponnenen, aber entschlossen wirkenden Rhythmen dem Hörer vollen Körpereinsatz fordert. Eine Passage erklingt, wo die Band schneller und schneller wird, dann eine Art Explosion, der Song wird langsamer, aber er bleibt kraftvoll, krachend und feurig. Am Ende wird es dann komplett wirr, freiformatig, experimentell, ein Freak Out dringt an unsere Ohren, der uns in den Kosmos hinauskatapultiert, frei von Form, Rhythmus und allem was dazugehört. Schluss, ein wenig Applaus und Gejohle, weg. Wow, was für eine Scheibe, jetzt brauch ich erstmal ein wenig geschmeidige Beatmusik, um meine Sinne wieder zu besänftigen. Wer ein Exemplar der auf 250 Exemplare limitierten CDr im Jewelcase mit professionellem Cover haben möchte, wende sich an SULATRON RECORDS.

AMBER - Pearls of Amber

2011-09-26T02:15:00.000-07:00

(UK, Merlins Nose, 1971/2011, 23.55)
01. Sea Shell Rock Me
02. White Angel
03. Swan in the Evening
04. Sing on the Sunlight
05. Sea Shell Rock Me (alt. version)
06. Earlie in the Morning AMBER waren ein Duo aus dem Umfeld des schottischen Singer / Songwriter und Acidfolk Königs Donovan Leitch (u.a. "Hurdy gurdy man", "Atlantis") und somit darf man auch bereits auf die Musik der beiden damals noch jungen Herren schließen. Es ist sicher eine einfache, geradlinige Musik, melancholisch, aber lebensfroh, nachdenklich, aber voller Glück und Zufriedenheit. Akustische Gitarre, verspielte Sitarläufe, dezente Rhythmen mit perkussivem Charakter und ein sehnsuchtsvoller, sanfter Gesang bestimmen das 1971 aufgenommene, aber erst im Jahre 2000 posthum auf LP veröffentlichte Werk, welches mit sechs Songs bestückt gerade auf knapp vierundzwanzig Minuten Musik kommt. Mager, eventuell, aber es gibt ja die Repeat Taste und daher kann man sich die fünf schönen Nummern und den Alternativetake von "Sea shell rock me" den ganzen Tag über wieder und wieder anhören. Und ich muss sagen, dass ich mir das gute Stück bereits zum wiederholten Mal gebe und die wunderschöne, friedfertige Stimmung, die kleinen, einschmeichelnden Melodien und das zwar nicht ausufernd wilde, aber trotzdem gute Spiel der Musiker verpackt in zauberhafte Songs mich erst langsam in Fahrt bringt. Da sind noch ein paar Durchläufe mehr drin. Dieses Minialbum bringt einem Bilder von betört in der Abendsonne tanzenden Hippies in langen bunten Gewändern oder splitternackt in den Kopf, die Atmosphäre ist entspannt, frei und lebensbejahend. Auch wenn die Songs an sich strikt durchkomponiert sind, die instrumentalen Momente haben schon jammigen Charakter und ziehen Dich mit ihrer Lockerheit so sehr in ihren Bann, dass Du geneigt bist, mit Stiften auf Kaffeetassen, Gläsern oder den Schirmen von Bürotischlampen herumzuklopfen und mitzusingen. Wer sich auf Donovan und gerade dessen jammigere Momente beruft, der muss AMBER anchecken. Gibt es bei www.merlins-nose.com

WICKED MINDS - Visioni, deliri e illusioni

2011-09-16T07:24:00.000-07:00

(2011, Italien, Black Widow Records)
01. Caronte I
02. L’Uomo
03. Un Posto
04. Dio del Silenzio
05. La Prima Goccia Bagna il Viso
06. Figure di Cartone
07. Un’Isola / Un Illusione da Poco / Clessidra
08. Dentro Me
09. Io, La Strega
10. Zarathustra
11. Un Villaggio, un’Illusione
12. Farfalla senza Pois
13. La Carroza di Hans
14. Impressioni di Settembre
Der Nachfolger zum 2006 erschienenen „Witchflower“ Album war ja lange überfällig und die WICKED MINDS aus Italien haben sich die Zeit nehmen müssen, denn es sollte ein sehr eigensinninges Projekt werden. Nicht alleine, dass sie für den italienischen Progressivrock der 70er das sein wollten, was die Pfälzer ROXXCALIBUR für den NWoBHM Sound sind, es mussten auch der eine oder andere Musiker jener von den WICKED MINDS auf ihre ganze eigene Weise neu interpretierten Bands dabei sein, um einen Hauch des Flairs der Originale zu versprühen. Und das funktioniert, auch wenn man mit vielen Problemen, u.a. einem Wechsel auf dem Posten des Leadsängers, zu kämpfen hatte. War auf den zwei Vorgängern noch der bluesige Sänger J.C. Cinel Hauptträger der Stimmarbeit, so haben sich die Altherrenrocker nun eine junge, sehr begabte Dame ans Mikro geholt, die für die Zukunft die Alben veredeln wird. Zudem fand sich in der bezaubernden Sophya Bacchini (PRESENCE) eine mehr als passende Gastsängerin für die eine oder andere Coverversion. J.C. ist hier noch bei den meisten Stücken zu hören, offiziell aber nur noch als Gast aktiv. Wir werden sehen, was die Zukunft bringt. Was bringt uns die Scheibe denn jetzt? Der auf „From the purple skies“ und „Witchflower“ zelebrierte verspielte Acidhardrock mit tollen Keyboardeinlagen von Paolo „Apollo“ Negri wurde für die den Originalen gerechte Umsetzung der Songs weiter an den Rand geschoben, andere Stilistiken progressiver Rockmusik nahmen weitestgehend seinen Platz ein. Natürlich haben Stücke von IL BALLETTO DI BRONZO, den NEW TROLLS, NUOVA IDEA oder THE TRIP auch den Anspruch, mit hardrockigen Momenten zu glänzen, aber dies sind stets nur Farbtupfer im Gesamtbild. Hier wird weiter ausgeholt in epischem Rahmen. Dass trotz der verschiedenen Sänger ein einheitliches Album entstanden ist, verdanken wir dem grandiosen Gitarrenspiel von Lucio Calegari und dem Keyboardspiel Apollo Negris, welche beide durch ihre Technik und ihren Ausdruck den Sound des Albums prägen. Spieltechnisch sind hier natürlich nur absolute Könner am Werk. Der Klang des Meisterwerkes ist natürlich recht frisch, aber doch erstaunlich natürlich und den Originalen angemessen. Einigen Originalen bin ich schon begegnet, so „Figure di cartone“ von meiner Italoprogpolepositionplatte „Uomo di pezza“ von LE ORME, bei der sogar der Originalsänger Aldo Tagliapietra das Mikro schwingt oder dem dunklen und geheimnisvollen „Zarathustra“ von MUSEO ROSENBACH, ebenfalls vom Originalsänger Stefano „Lupo“ Galifi (heuer bei den grandiosen Italoproggern IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE aktiv) intoniert. Ein paar Stücke sind mir neu, viele hab ich aber bereits wahrgenommen. Und selbst für mich als eingefleischten 70s Proghasen ist das hier eine wahre Fundgrube, obschon ich die Bands oft kenne. Wer sich bisher noch gar nicht mit der Materia Italoprog beschäftigt hat, wird Bauklötze staunen, welch famose Kompositionen es aus diesem Bereich gegeben hat. Und glaubt mir, das hier ist nur die Spitze eines gigantischen Eisbergs. Insgesamt ein wirklich tolles neues Album für die WICKED MINDS und eine ehrenhafte Würdigung der italienischen Progbands der 70er, ein Appetizer für zukünftige Fans, die gerne auf Entdeckungsreise gehen. Es lohnt sich.

LINUS RIP 1999 - 07.09.2011

2011-09-07T04:11:00.000-07:00

Für den besten Mäusebären und tollsten Schnurrsack, den es je gegeben hat. Ich warte auf Dich! Finde schnell eine neue physische Existenz und komm zu mir zurück!

RITUAL - Valley of the kings

2011-08-31T08:33:00.000-07:00

(UK, 1993, Shadow Kingdom / High Roller, ca. 55 min)
01. Naisha
02. Kiss Of The Nile
03. Come To The Ritual
04. Gypsy
05. The Enchanted Princess
06. Burning
07. Winds Of Fire
08. Lady Night
09. Morning Star
10. Possessed
11. Never Look Back
12. Children Of The Night
Zehn Jahre ungefähr hat es von der Bandgründung bis zum ersten Album gedauert, zehn Jahre dann bis zum zweiten Album. RITUAL, da kann man sagen was man will, sind definitiv echt entspannte Typen, die für sich selbst und ihre Liebe zum Heavy Rock musizieren und nicht für den Kommerz und die Charts. Das spürt man auch am 1993 innerhalb der Grunge -, Crossover -, Hardcore -, Groovethrash –, Death – und Blackmetalwellen absolut anachronistisch klingenden Stil der Briten, welcher eher in die Jahre 1978 bis 1981 gepasst hätte. Ach, wie schön wäre es gewesen, wenn man sich inmitten all der tumben Trends noch echte Perlen hätte einverleiben können, aber wer kannte damals RITUAL? Die große Retrowelle kam ja erst Jahre später, so fristete dieses Juwel ein Schattendasein sondergleichen, wahrscheinlich von jedem geschmäht, der sich 1993 im Metal auszukennen meinte. Auch sechzehn Jahre später weiß dieser ausgestreckte Mittelfinger ins Gesicht der verlausten Musikindustrie noch vollends zu faszinieren. Da sind diese hochemotionalen Melodien des Gesangs, da sind gefühlvoll interpretierte Gitarrensoli, alles eingebettet in einen erdigen, soliden Metalrock, der nicht auf Extreme zielt, sondern eine eigenwillige, jedoch sehr eindringliche Stimmung verbreitet. Magisch möchte man diese Atmosphäre nennen. RITUAL betören, beschwören und berühren Dich, versetzen Dich in einen spirituellen Zustand absoluter Feierlichkeit. Musikalische Urgewalt ist dabei sicher fehl am Platze. Gespielt wird sehr professionell, wobei der Sound immer noch das lebendig warme Feeling des ursprünglichen Hardrocks verbreitet. Hier ist eine Truppe von Könnern am Werk. Über dem Album liegt ein intensiv epischer Ausdruck, eine tiefsinnige Geschichte wird statt mit großen Worten mit urigen Melodien erzählt, wobei diese eher stimmungsvoll denn pathosüberladen sind. Die Briten waren halt immer etwas bodenständiger als die Amis, nicht weniger intensiv jedoch. Dich beschleicht ein nebelverhangenes Gefühl, wenn Du Dir diese Scheibe bei gedämmtem Licht tieftust. Großartig!

RITUAL - WIDOW

2011-08-30T07:23:00.000-07:00

(UK, 1983, Shadow Kingdom / High Roller, ca. 50 min)
01. Widow
02. Come to the Ritual
03. Rebecca
04. Never for Evil
05. Morning Star
06. Journey
07. Burning
08. Temptation
09. Forever
10. House Of Secrets
11. Into The Night*
Ganz im Schatten sämtlicher großer Bands ist diese recht eigenwillige Formation 1983 mit ihrem Debütalbum, dem ersten nach elf Jahren Bandexistenz, in die schattigen Tiefen der Musikgeschichte hineinmarschiert, ohne dass sie großartige Erfolge hätte verbuchen können. Leider, wie ich sagen muss, denn auch wenn der zwischen Doom, Heavyrock und Spät 70er Protometal angelegte Sound eine Weile braucht, bis er seine volle Pracht entfaltet, so ist gerade das der Garant für einen All Time Favouriten. Die Atmosphäre ist meist dunkel, zuweilen entspannt, oft melancholisch. Da 1972 gegründet, kann man davon ausgehen, dass RITUAL keine wilden Kids mehr waren, die auf Teufel komm raus der Punkpower progressive Strukturen zu verpassen gedachten, so wie JAGUAR oder IRON MAIDEN, vielmehr orientierten sie sich an klassischem Downerrock und epischeren Aspekten der 70er Szene, allerdings mit einem markant morbiden Unterton, der sie zumindest in die Nähe von Doom und Gloom brachte, auch ohne dass sie sich bis zur Selbstaufgabe dem Lavasound verschrieben hätten. Was sie trotzdem niemals davon abhielt, auch einfach nur flotten Heavy Metal zu zelebrieren, der sich ganz locker und entspannt zeigte. Obskur, fürwahr, aber sehr eindringlich, charismatisch, gesegnet mit kleinen Hymnen. Die Stücke haben einen sehr erdigen Charakter, sehr ehrlich und sympathisch, klingen beseelt und stecken voller Leidenschaft, auch ohne ständig Dauerfeuer zu geben. Man variiert geschickt die Stimmungen und Tempi, zeigt gerade bei der Gitarrenarbeit sehr viel Musikalität und technisches Können, auch wenn hier alles Talent ganz im Dienste des Songs an sich steht. Kein Musiker an sich ist größer als die Komposition, an der er sich beteiligt hat. So sind RITUAL eine jener erzählenden Heavyrockbands, die Dir fantastische Bilder in den Kopf projezieren und Dich aus der tristgrauen Realität herausreißen. Der Band haben die letzten 39 Jahre keinen Kratzer in den Lack gemacht und der LP die letzten 28 Jahre nicht geschadet und gerade jetzt, wo sich Gruppen wie REALMBUILDER mit einem ähnlich episch – mystischen Konzept sehr spirituellen Hardrocks und Metals ohne Blick auf die Charts in die Herzen der Auserwählten spielen, sind RITUAL als Altvordere des Sounds dichter am Puls der Zeit als je zuvor.

LIES OF SMILES - Cross & claw

2011-08-27T04:05:00.000-07:00

(2010, Privatpressung, England, 41.09)
01. Something wicked (this way comes)
02. Fallen
03. Dream a dream
04. Torre de ángeles (tower of angels)
05. Death from above (divine wind)
06. Stone cold
07. ...of time & stars
08. Just a man
09. Warhound & the worlds pain
Der kräftige Opener soll einen nicht täuschen, denn er ist der einzige Song im treibend flotten Stil und das metallischste Stück Musik auf dem vorliegenden Album. LIES OF SMILES, meine Damen und Herren, sind das Baby vom ehemaligen AXIS (eine 7“ auf Neat Records, „Lady / Messiah“, 1980, dazu einen Samplerbeitrag „Flame burns on“ auf der „60 minutes plus“ Compilation 1981 und 2011 eine Anthology LP auf HIGH ROLLER, auch „Flame burns on“ betitelt) Gitarristen Davy Little, dem von seinem alten AXIS Sidekick und momentanen TANK Axtschwinger Mick Tucker auf der Beerdigung ihres Freundes Graeme Crallan (ex WHITE SPIRIT) nahegelegt worden ist, es doch noch einmal zu versuchen. Rock`n`Roll soll ja bekanntlich jung halten oder es macht einen ganz früh ganz tot. Aber egal, in diesem Fall hält er den guten Davy und seine Mannschaft jung und frisch, daneben halten sie den klassischen Hardrock auf großer Flamme am Kochen. Wie klassisch ist nun das Album ausgefallen? Also, der treibende Opener hätte wohl auf jeder Platte der frühen WHITESNAKE zu den härtesten Momenten gehört und wäre auf einer aktuellen ASTRAL DOORS LP definitiv ein Highlight. Hiernach geht es eher mittelschnell weiter mit einigen schön packenden, urtraditionellen Heavyrocksongs, die natürlich trotz Ecken und Kanten eine nicht unerhebliche Geschmeidigkeit aufweisen und somit gutes Ohrenfutter nicht allein für beinharte Hardrocker sind, obschon diese die Hauptzielgruppe darstellen dürften. Mir kommt immer wieder David Coverdale in den Sinn, der ja seine Truppe nach einigen mageren Jahren mit dem aktuellen Album wieder zum Rockolymp zurückgeführt hat. Ihm dicht auf den Fersen sitzt David „Davy“ Little mit einer Band, die genau weiss, wie man extrem coole, schön kräftige Powerrocker schreibt, vorbei an allen Trends und Innovationen, direkt ins Ziel, die Seele des Liebhabers grandioser Rockmusik. Wo immer man auch hinhört, da sind Leadgitarren am Werk, die alles mit gnadenloser Macht in Stücke säbeln. Die Soli sind heiss, brodelnd, wild und stecken voller Leidenschaft. Nicht umsonst hat TANK Gitarrist Mick Tucker dem guten Davy seinen Neffen Pat O`Neill als Sidekick empfohlen. Die vorliegendehttp://www.blogger.com/img/blank.gif „Cross & claw“ CD ist bereits das zweite Album der Briten und sie macht eine Menge her, wie oben bereits mit vielen Worten beschrieben. Man wundert sich, dass solch ein packender Hardrockbrocken einfach an einem vorbeimarschieren kann, gerade wenn diese Musik doch nach wie vor bei den Fans hoch im Kurs steht und die Ausführung mehr als furios und leidenschaftlich ist. Vom guten, wenn auch wirklich absolut traditionellen Songwriting ganz zu schweigen. Nicht nur WHITESNAKE Fanatiker sollten mal beide Ohren riskieren, eigentlich jeder Liebhaber von klassischem Hardrock ist gefragt, wenn er das Feeling der späten 70er und frühen bis mittleren 80er noch mal in sich hochkochen spüren möchte. Und einmal muss ich es noch erwähnen, diese Leadgitarren, das ist der Irrsinn. Zu beziehen u.a. bei Hellion Records.

ELECTRIC MOON - Inferno

2011-08-24T03:54:00.000-07:00

(2011, Deutschland, Sulatron Records, 66.16 min.)
01. Mental record
02. Inferno
Zwei Songs auf etwas über einer Stunde Spielzeit, nach geschmeidiger Popularmusik zum Tanzen klingt das nicht, ebenso wenig nach straightem Riffrock’n’Roll der Marke AC/DC. Und fürwahr, hier haben wir die neueste CD der deutschen Jamrockband ELECTRIC MOON, bei welcher WELTRAUMSTAUNEN / ZONE SIX / SULA BASSANA – Kreativkopf Dave Schmidt alias Suna Bassana als einer der drei spirituellen Pole mitmischt. Die Hauptinitiatorin dieser Jamgruppe nennt sich Komet Lulu, spielt den zuweilen sehr diszipliniert monoton gehaltenen Bass und sorgt mit Drummer Alex (dem wohl einzig Erdgeborenen hier) für ein hypnotisches Rhythmusfundament. Und was kann man von solchen Haudegen der aktuellen Spacerock / Psyche Szene in Deutschland anderes erwarten, als herrlich abgeflogenen Sound. Und da sind wir dann auch schon mittendrin im Inferno, allerdings noch nicht im Titelstück, sondern einem knapp vierzehneinhalb Minuten andauernden Jamrocker mit Namen "Mental record". Versucht gar nicht erst nach eingängigen Melodien zu suchen, genießt das ekstatische Spiel Daves auf den pulsierenden Rhythmen. Über längere Abschnitte hinweg, gerade beim Titelstück, halten ELECTRIC MOON rhythmisch unbeirrt den Kurs, nur selten wird dieser Jam von kurzen Taktwechseln in andere Bahnen gelenkt. Grundlagen ihrer Monsterimprovisation sind Bluesrock und Hardrock zwischen den späten 60ern und frühen 70ern, was gerade die feurige Gitarrenarbeit immer wieder durchscheinen lässt. Diese Grundlagen werden allerdings in einem Acidbad komplett aufgelöst, dann im brodelnden Psychedlichexenkessel verdampft und hinterher als feines Stilpulver mit dem Bindestoff Krautrock wieder zu etwas zusammengesetzt, das dann eben der Weltallmusik ELEKTRIC MOONs entspricht. Man hat auch leisere, sachtere Töne angeschlagen, die immer wieder ein willkommenes Atemholen für den Zuhörer darstellen, sofern er nicht schon längst vollständig weggetreten ist. ELECTRIC MOON fördern übrigens auch das imagintive Zuhören, eben das Zuhören mit dem Herzen, mit der Seele, das Wahrnehmen dessen, was oberflächlich gar nicht da zu sein scheint. Die perfekte Musik zur spirituellen Befreiung. Ich persönlich habe bereits von eigentlich Freakmusik nicht abgeneigten Freunden schmähende Kommentare für diese Scheibe geerntet, darauf klarzukommen ist nicht jedem in die Wiege gelegt. Aber wer sich erstmal mit ELECTRIC MOON einlässt, der wird Gefangener seiner Sucht sein. Das kann ich beschwören.

SULA BASSANA - Kosmonauts

2011-08-21T04:41:00.000-07:00

(2010, D, Sulatron Records, 59.30)
01. Barbarella
02. Thora
03. Stella Star
04. Trillian
05. Pugar
Jo, fünf Songs in knapp sechzig Minuten, ein Album, welches "Kosmonauts" betitelt ist, das spricht für Musik abseits gängiger Popschemata und kommerzieller Plattitüden. Projektleiter Dave Schmidt, der hier unter SULA BASSANA auftritt, ist schon ein Meister der kosmischen Klänge, ob nun in die Rockecke tendierend oder eher dem elektronischen Musikbereich zuzuordnen. Er macht seine Sache auf diesem bereits 2009 als "Sulatronics 2" CDr erschienenen, dann 2010 im regulären CD Format mit neuem Coverartwork und leicht überarbeiteter Musik neu veröffentlichten Werk wahrlich gut. Auch wenn ich das mit der Popuntauglichkeit gar nicht so unterschreiben möchte. Gerade der Opener "Barbarella" trägt eine eigenwillige Eingängigkeit mit sich, wo passagenweise die helleren Synthesizer über dem natürlich spacig hypnotischen, repetativen Grundmuster beinahe den Charakter von Gesangsstimmen besitzen. So bekommt dieser Song einen sehr eingängigen Ausdruck, obschon man all der kleinen Details erstmal gewahr werden. Ein hübsches Details ist übrigens die eingesetzte Maultrommel, nicht nur auf "Barbarella" übrigens. Dave greift zu seltsamen Klangeffekten und das Ende des "Popsongs" ist auch fürwahr merkwürdig, so ein Durcheinander von Synthesizergeräuschen, die wie eine R2D2 Stampede klingen. Kult! Insgesamt ist dieses Album hier mehr elektronische Musik, denn straighter Rock. Der Spacerockansatz ist nach wie vor gegeben, aber fast sämtliche Instrumente, die mir so zu Ohren kommen, von der Maultrommel mal abgesehen, sind eben elektronisch, synthetisch. Sequenzer statt Schlagzeug, ein Synthiebass, Rauschen, Zischen, Zirpen und Blubbern, alles kommt aus der Maschine. Aber der Klang der Musik ist warm und insgesamt werden hier wunderschöne, gefühlvoll inszenierte Melodien in die hypnotischen Spacestrukturen eingewoben. Der Musik an sich ist eine tiefe Sanftmut mit auf den Weg gegeben worden. Man hört nicht einfach mit den Ohren zu, man lauscht mit allen Sinnen. Ich finde, dass trotz aller Elektronik ein jeder Song sehr handgemacht klingt. Im Gegensatz zu vielen Produktionen der neuen Rock - und Metalszene, wo man ursprünglich handgemachte Musik steril kalt und leblos präsentiert, hat Meister Schmidt hier den Weg in die andere Richtung eingeschlagen, lebendige Musik auf Synthesizerbasis zu erschaffen. Die 70er sind natürlich auch hierfür Quell der Inspiration, die elektronische Musik jener Pioniertage ein Vorbild, dem es nachzueifern und das es zu überflügeln gilt. Nun will ich mal behaupten, dass SULA BASSANA hier die besten Momente eingängigerer TANGERINE DREAM -, KRAFTWERK - oder CLUSTER Nummern weiterführt, wobei mich die Wärme der Sounds an NEU und LA DÜSSELDORF erinnert. Ich mag mich irren, aber ich denke, dass ich den Kern der Sache schon erfasst habe. Die Musik hier pulsiert in den weniger direkt melodischen Augenblicken gleich einem gewaltigen Lebensstrom durch Deine Sinne. Gesang gibt es auf der Scheibe nicht oder ich habe ihn in dem Trancezustand, in den mich die Stücke versetzen, nicht bewusst wahrgenommen. "Kosmonauts" ist eine Platte, die sehr auf das Unterbewusste zielt. Trotz der Tanzbarkeit aufgrund der unwiderstehlichen Sequenzergrooves ist da noch mehr, ein meditativer Aspekt. Aufwühlende Momente sind eher selten, wobei zuweilen verstörende Maschinenklänge vorkommen. Zutiefst emotional allerdings ist diese Scheibe und gewissermaßen sinnlich. Ich für meinen Teil hab die CD allein vor diesem Review dreimal gehört und ich komme davon nicht weg. Sehr auf den Rhythmus aus ist die Nummer "Trillian", wobei ich mich nicht mit den Stilen auskenne, die Dave hier als Inspiration rangezogen hat. Das Stück braucht Zeit zur Entfaltung, wie halt die gesamte CD vom Hörer die Zeit fordert, sie in ihrer vollen Pracht zu erfassen. Das Leben ist eben ein Entfalten und kein Anhäufen. Das ruhige, flächige "Pugar" als Abschluss ist sogar einer meiner Favouriten auf diesem Album, nicht allein wegen der schönen melodischen PINK FLOYD Gitarre. Dies könnte auch ein "verlorener" Song aus den "Rubycon" Sessions von TANGERINE DREAM sein, obschon ich SULA BASSANA für elektronische Musik ohne Gesang eine Menge Charisma attestieren möchte. Dave hat es schon geschafft, nicht nur durch ein Gitarrenspiel wie das seines Namensvetters, sondern durch packende, sanft und unaufdringlich mitreißende Kompositionen, meine Seele in Brand zu stecken. Ich könnte mir "Pugar" übrigens als wunderbare Musik zum alljährlichen Lichterspektakel bei der Künstlerkommune Glückstadts während unserer "Kulturnacht" vorstellen. Kopfkino, größtes Kopfkino! Gratuliere, Meister Schmidt, wiederum eine tolle Platte gezaubert. Wer sich HAWKWIND, KRAFTWERK, CLUSTER, NEU, TANGERINE DREAM und andere Space / Elektro Helden mit sehr großer Leidenschaft reintun kann, der soll gerne bei diesem Album zuschlagen. Es gibt eine Menge elektronischer Musik, aber selten ist eine so lebensnahe CD gelungen.

SULA BASSANA - The night

2011-08-20T09:19:00.000-07:00

(2009, Sulatron Records, Deutschland, 51.47 min)
01. In Space
02. Lost in Space
03. The Night
1. Part 1
2. Part 2
3. Part 3
4. Part 4
04. Meteorritt
05. Kosmokrator
Ein blubberndes Geräusch am Anfang, schon stößt man auf eine geheimnisumwitterte Melodie, welche sich eindringlich durch den gesamten Song zieht. Willkommen im Spacerockkosmos des Dave Schmidt aka SULA BASSANA. "In space" nennt sich der Opener mit der betörend mystischen Hauptmelodie, dem noch eine Acidelicvariante mediterraner Musik als Mittelpart zugefügt wird. Es ist reichlich melodisch für Spacerock, aber hier greifen auch die Attribute Psychedelic und Acidrock. "Lost in space" ist auf jeden Fall eine Spacerocknummer mit diesem Zirpen eines startenden Raumschiffs im Hintergrund, dünnem, aber packendem, vor allem stets monotonen Sequenzerrhythmus, einer hypnotischen Grundstruktur und darüber einer bedrohlich dunklen Melodie, das Instrument klingt wie eine rückwärts aufgenommene Orgel. Gesang gibt es auch, nun, eher mit halbwegs heiserer, komplett verhallter Stimme geflüsterte Satzbrocken. Die instrumentalen Passagen überwiegen und reißen Dich regelrecht mit sich. Du fängst an, Dir zu diesem betörenden Beat die Seele wegzutanzen, selbst wenn er für wenige Sekunden aussetzt. Dave bewegt sich hier mit seiner Musik sehr dicht an den frühen Elektrokrautrock der 70er heran, hat aber durchaus auch eine Affinität zu britischem Spacerock derselben Zeitphase. Der mehrteilige Titelsong steht als nächstes auf dem Plan und das dunkle Synthesizergrollen mit ein paar darin begrabenen hellen Klängen und einer netten Leadgitarre, die ab und an etwas spielt ist ein schöner Anfang. Melancholisch und durchaus songorientiert mit melodischem Gesang geht es weiter und hat was von psychedelischem Spät 60er Singer / Songwriter Psych und gemässigteren Krautrockmomenten. AMON DÜÜL II hatten solche urigen Balladen, wie ich es mal nennen möchte. Die singende, verzerrte Leadgitarre bringt noch mehr 60er Flair hinein und vernebelt die Sinne ordentlich. In weiteren Unterabschnitten tänzelt das Stück leichtfüssig mit wundervoller Gitarrenmelodie umher, nimmt Fahrt auf und gewinnt an Intensität, verharrt jedoch kurz vor der Grenze zum Spacerock. Tolle Melodien sind das, die ich gerne einem ursprünglichen Genre zuordnen würde. Aber guter Psychedelicsound lässt sich nicht in die Karten schauen. Die Melodien sind einfach schön, beflügeln Dich, zaubern Dir ein sanftes Lächeln auf die Lippen und wieder beginnst Du zu tanzen, tief hinein in die Vergessenheit, fort von allem Grauen und Farblosen, weg vom Regen. Zum Ende hin kommen große Gefühle ins Spiel, es wird relativ wild, obschon Melodien und eher gemässigtere Ausrichtung bleiben. Großes Kopfkino entsteht. Dies wird vom kurzen "Meteorritt" Spacerock wieder in die ursprünglichen Spacerockkanäle gelenkt und allen Emotionen zum Trotz, aller Wehmut, aller Liebe, taucht man mit Lichtgeschwindigkeit durch die Galaxien, immer begleitet von freundlich zirpenden und zischenden Blubbersynthies und kleinen Weltraummelodien. "Kosmokrator" ist dann zum Abschluss noch eine tolle, an - und abschwellende Spacerocknummer, die Dich bis an den Rand des Universums und darüber hinaus treibt. Neben den treibenden Passagen finden sich auch schöne groovige Momente, die an 70er Hardrock der Marke BLACK SABBATH mit einer Unzahl an Effekten aufgepeppt erinnern. Tolle Leadgitarre, die Amis würden sagen "bloopy" oder "ambulance guitar", weil sie wie die Sirene eines US Krankenwagens klingt. Es ist ein voluminöses Singen und ihre Melodien sind kraftvoll, erhaben und wunderschön. Auch toll ist dieser verzerrte Bass, welcher nicht selten der Grundmelodie entscheidende Impulse gibt. Irgendwo kommt dann der Bruch kurz vor Schluss und der Song wird zu reiner kosmischer Musik, bei der nur noch wenig Melodie auftaucht, die dann aber umso geheimnisvoller wirkt. Schön ist die Sequenz am Schluss mit dem Gong, der mächtig scheppernd in die Weiten des Alls hinausdröhnt und dann quasi von einem schwarzen Loch angezogen rückwärts im Nichts verschwindet. Wow. Ein großes Stück Spacerock der Neuzeit und allein vom tollen Cover her schon ein Muss auf schwarzer Langrille, wenn man sie denn noch bekommt. Versucht es mal beim Meister persönlich, www.sulatron.com . Für mich eine der Entdeckungen diesen Jahres, wenn auch schon von 2009.

AXIS - Flame burns on

2011-08-17T04:14:00.000-07:00

(2011, High Roller Records, England, ca. 40 Min.)
01Lady
02. Messiah
03. One Step Ahead
04. Flame Burns On
05. You Got It
06. Dream After Dream
07. Nightwinds (live rehearsal)
08. Into The Sun (live)
09. You Got It (live)
10. One Step Ahead (live)
Wow, yeah, AXIS, von denen hab ich die alte 7" von 1980, kam damals über Neat Records raus. Geboten wurden zwei schöne, einprägsame Songs zwischen Protometal und 70er inspiriertem Hardrock, das freundliche "Lady" und das mit sphärischen Passagen durchzogene, treibend harte "Messiah". Den dieser LP titelgebenden Song, einen verspielten, epischen Heavy Metal Kracher mit packender Melodie und wahrlich leidenschaftlichem Gesang, habe ich auf einem alten NWoBHM Sampler namens "All hell let loose" (vormals "60 minutes plus", nur als MC erschienen). Tja, mehr hat man lange Zeit nicht bekommen, aber da haben sich High Roller Records wieder für den NWoBHM Underground in die Bresche geworfen und pflastern uns nun eine satte AXIS LP hin. Leider hat die Band an sich nie wirklich was berissen, trotz geiler Mucke, ähnlich wie soviele andere Bands damals, aber immerhin wurde ihr Gitarrist Mick Tucker später als Mitglied von TANK etwas bekannter und ist heute noch bei den britischen Kultrecken zugange, ihr Basser John Cunningham, quasi der kompositorische Sidekick von Herrn Tucker, verstarb leider bereits 1994 in viel zu jungen Jahren, wie es leider öfter vorgekommen ist. Songs wie "You got it" und "One step ahead", welche die drei bisher veröffentlichten Stücke flankieren, stellen dann klar, warum AXIS nicht so riesig geworden sind. Sie stellen einen schönen, liebenswert erdigen Hardrock dar, der mit beiden Beinen noch in den 70ern festhängt, obschon zumindest kein Georgele zu hören ist. Es sind schöne Songs, durchaus, nur eben für die damalige Zeit sehr traditionell und abseits der Bestrebungen, kraftvollere, feurigere Songs zu schreiben. Das kommt auf dem rasant wuchtigen Instrumental "Dream after dream" mit seinen aufwühlenden Riffs, leidenschaftlichen Soli und donnernden Rhythmen ganz anders. Hier zeigt sich, wie Dich AXIS bereits zu Bands wie IRON MAIDEN aufgeschlossen waren, hätte man sie nur gelassen. Die A Seite der herrlichen Retrospektiv LP ist nun durchgehört, wir drehen das Vinyl um und bekommen eine Proberaumaufnahme zu hören, der Song heisst "Nightwinds", der Sound ist fantastisch, die Musik ein episches Heavymeisterwerk mit vielen verspielten Passagen, sanften Momenten, treibenden, kräftigen Abschnitten und beinahe besessen anmutendender Leadgitarre an der richtigen Stelle. Der Gesang versprüht eine art nachdenklicher Melancholie in den ruhigeren Momenten, wird umso kräftiger und entschlossener bei den harten Parts. Geil, supergeil. Das in astreiner Studioqualität als Schlussnummer einer LP, AXIS wären die Götter im Underground geworden. Nun, die wirklich fantastische Aufnahme aus dem Übungsraum zeigt uns alles, ihre ganze Schönheit, Eleganz. Stolze Nummer, Freunde, ehrlich. Umso überraschender, dass es nie eine Studiofassung gegeben hat. "Into the sun" wurde dann sogar nur als Konzertmitschnitt für die Ewigkeit festgehalten,ja, spinn` ich denn? Oder die Briten? Wer weiss das schon! Auch hier ist es verdammt schade, denn schon die markante, mystisch klingende Eröffnung mit zwei Leadgitarren und scheppernden, tosenden Becken, der ein treibender Abritt im besten JUDAS PRIEST / UFO Stil der späten 70er folgt, macht den Song bereits unsterblich. Nun, da diese Liveaufnahme alles ist, was uns von "Into the sun" bleibt, genießen wir den Moment und die unermessliche Kraft, welche diese Nummer ausstrahlt. Dann folgen noch weitere Liveaufnahmen, die bereits bekannten "You got it" und "One step ahead", astrein dargeboten, durchweg kräftiger als in der Studiofassung. So bekommen auch solche potentiellen B Seiten den ihnen gebührenden Biss. Für NWoBHM Fanatiker ist das hier natürlich ein absoluter Hit.

SOULHEALER - The kings of bullet alley

2011-08-05T02:01:00.000-07:00

(Eigenproduktion, Finnland, 2011, 51.52)
01. Kings of Bullet Alley
02. Wheels of Fire
03. Zoned Out
04. Nightfall
05. Dirty Little Wars
06. The Die is Cast
07. My Last Day
08. Nowhere Man
09. Heading for Tomorrow
10. Blind Faith
11. The Real Me
Hallo? Ist das eine bisher unveröffentlichte SWORD Scheibe von 1987? Ja, ich meine die kanadischen Kultmetaller mit "Metalized". Aber würden sich dann schwedisch klingende, an Bands wie 220 VOLT oder OVERDRIVE erinnernde Elemente auf dem Album befinden? Wer zum Geier sind denn SOULHEALER überhaupt? Nun, diese junge Band kommt aus Finnland und spielt entgegen der Gewohnheiten ihrer Landsleute einen klassischen 80er Heavy Metal, elegant ohne Kauzfaktor, melodisch und zugleich kantig hart mit treibenden Rhythmen, grandioser Gitarrenarbeit und aufwühlenden, hymnenhaften Melodien, bei denen echte Gefühle das Bild bestimmen und den geneigten Headbanger von einem Rausch in den nächsten treiben. Wow, das hat gesessen. Hier scheint die Zeit irgendwann Mitte der 80er stehengeblieben zu sein, denn die Art der Melodien, der direkte und doch natürliche Klang, die leidenschaftliche Performance, das hat mit aktuellem Digitalgleichklang und handzahmen Computerproduktionen doch nichts zu tun. Glaubt mir, die Gitarristen von SOULHEALER spielen ihre Instrumente und piesacken sie zuweilen auch, hier wird nur im hinteren Teil der Abschlussballade ein wenig gestreichelt, ansonsten zwicken und boxen SOULHEALERs Axtmänner ihre Klampfen gerne. Entsprechend brodelnd sind die Riffs, entsprechend dampfen die feurigen Soli. Diese Mischung aus entschlossener Hingabe und geschmeidiger Eleganz sollte genau das Herz des geneigten 80er Metalheads treffen, der seit Jahren wohl schon auf solche Musik wartet. Nichts gegen den kauzig obskuren Undergroundstoff, aber den auf klassischem Powerhardrock aufbauenden Heavy Metal, der ab 1976 die Stadien gefüllt und unsere Seelen in Brand gesteckt hat, gibt es heuer kaum mehr in solcher Qualität. Und diese Finnen sind einfach grundehrliche, bodenständige und sympathische Vögel, die sehr viel Freude an der Musik an sich haben. Ich kann für SOULHEALER nurmehr eine absolute Empfehlung aussprechen. Ein Gnadenhammer! Im Vertrieb von www.hellionrecords.de

Forgotten North - Forgotten north Live 27.05.2011

2011-05-30T15:04:00.000-07:00

Und so haben wir gerockt...

Forgotten North - Störtebeker

2011-05-22T08:50:00.000-07:00

Wir sind auf Youtube...vielleicht werden wir jetzt weltberühmte Rockstars...was ich begrüßen würde, hehehe.

Ansonsten. 27.05. in Itzehoe beim ALSEN ROCKT! Gg. 23.00 Uhr geht es los!

CULPEPER'S ORCHARD - Culpeper's orchard

2011-04-24T01:54:00.000-07:00

(1971, Dänemark, Polydor, 41.43)
01. Banjocul
02. Mountain Music Part 1
03. Hey You People
04. Teaparty For An Orchard
05. Ode To Resistance
06. Your Song & Mine
07. Gideon's Trap
08. Blue Day's Morning
09. Mountain Music Part 2

Das kurze "Banjocul" ist eine niedliche Folknummer, nur mit Gesang und Banjo halt, die aber vollkommen falsche Eindrücke erweckt. Die Dänen CULPEPER'S ORCHARD waren mitnichten eine Folkband, auch wenn sie derlei Elemente ganz im Einklang mit dem Progressiverockkodex der 70er gerne verbraten haben. Aber schon in "Mountain music Pt. 1" wird es intensiv und hardrockig, da brodeln die Riffs und wirbeln die Rhythmen umher. Der charismatische Sänger Cy Nicklin erinnert mich an Mike Harrison, angeraut, etwas tiefer, aber die mittleren Lagen nicht unterschreitend, sehr emotionsgeladen. Vom knalligen Powerrock mit verspielten Strukturen können sie, so in "Mountain music Pt. 1" eindrucksvoll bewiesen, auch rasch auf sanfte, verträumte Stimmungen umschalten, werfen hiernach mit "Hey you people" eine kurze Nummer ein, die ihre Liebe zu US Westcoast und Folkrock Sounds a la BYRDS und Crosby, Stills, Nash & Young zeigt, am Ende dann aber einen leichten Progrockschub mittels einer verwinkelten Passage erhält. Genau, Progrock. "Teaparty for an orchard" ist nun auch kein reiner Prog, sondern hat zauberhafte, entspannt dahinfließende Abschnitte, mehrstimmig gesungene Folkpassagen und treibenden, nie zu harten Rock, gerne auch mit schönen Orgelmelodien veredelt im Programm. In der Songmitte wird es ein wenig abgedreht spacig. Naja, doch, zumindest einige wenige verspieltere Momente sind Prog. CULPEPER'S ORCHARD schreiben sehr geile Songs, wenngleich sie stilistisch das Genre nicht neu definieren und wohl dem Terminus "Progressiv" gar nicht so wirklich gerecht werden. Oder? Ist aber egal, denn die Musik hat es in sich und betört, verschlingt Dich und erfüllt Dich mit Bildern von mystischer Schönheit. Ich bin zufällig auf das Album und die Band gestossen, hab mich durch Reviews und Berichte über Plattensammler anregen lassen und mir die CD (ich Poser, jajaja) dann in einem lokalen Second Hand Laden bei der nächsten Gelegenheit mitgenommen. Ich freue mich noch immer über diesen glücklichen Griff. Vielleicht ist es statt Progrock "nur" anspruchsvoller Rock, der Freunde von SPOOKY TOOTH über JETHRO TULL, WILD TURKEY bishin zu straighteren GENESIS begeistern sollte. Ich bin hin und weg davon. Spielen konnten die Vögel auf jeden Fall. Der Sound war typisch für die 70er, sehr lebendig, dem Song an sich viel Raum gebend, seine Seele zu entfalten. Und als Krönung für Freunde fantasievoller Musik (nun haben wir den passenden Terminus zur Umschreibung des CULPEPER'S ORCHARD Sounds gefunden) gibt es noch den optischen Schlüsselreiz in Form eines bunten, comichaften und doch irgendwie anmutig schönen Covers. Eine perfekte Platte für den nun vollends erblühten Frühling und definitiv zum gemeinsamen Träumen und Visualisieren.

ARCHENEMY - Violent harm

2011-03-07T03:30:00.000-08:00

2010, X Music League, USA, 35.00)
01. Brains
02. Insomnia
03. Bodily Harm
04. Victims of My Axe
05. Mortuary
06. Violent Abuse
07. Bodily Harm
08. Victims of My Axe
09. Mortuary
10. Brains
Ja, stimmt, da gab es doch eine schwedische Band, die genauso hieß. Nein, nicht ganz, die in Mainstreammetalkreisen angesagten Langweiler um Kreischelse Angie Gossip (oder so) tragen ihren Bandnamen in zwei Hälften mit sich rum. Wahrscheinlich auch als Muttermal auf dem Arsch. Wie TENAC und IOUS D. Fuck, egal, das untrue neumodische 08/15 Trendmetalgepose geht mir am Arsch reichlich vorbei. Hier spielt die wahre Musik. Obschon ich "Violent harm", worauf die Proberaumtapes der kalifornischen Knüppelbrüder von 1985 und 1986 endlich zusammengefunden haben, nur noch am Rande dessen einsortieren möchte, was angenehm zu hörende Musik ist. Rasender Ultrathrash / Deathmetal war angesagt, irgendwo zwischen den zeitgleich entstandenen Demos und Livetapes von MANTAS / DEATH, SLAUGHTER (Kanada) und REPULSION. Wer will denn auf die Bremse treten, hier gibt es Vollgas bis zum Anschlag, hier überschlagen sich die ebenso infernalischen wie mitreißenden Riffs und das alles zertrümmernde Schlagzeug förmlich. Das gröhlende und schimpfende Biest am Mikro ist ebenfalls alles andere als freundlich. Der Sound der im Grunde live mitgeschnittenen Stücke ist räudig und extrem, einfach nur extrem. Irgendwie gehören ARCHENEMY zum derbsten Stoff, der mir je untergekommen ist und ich habe viel aus der Blackmetalecke hören müssen. Alles Pussykram. Das hier ist die ultimative Speedkeule, danach gab es nur noch Krach. Eine wuchtige Studioproduktion wie bei POSSESSED "Seven churches" hätte sicherlich aus diesen Nummern absolute Hits des Genres gemacht und die damalige Plattenelite im Thrash - und Deathmetal komplett weggeputzt, aber die Zeit war wohl nicht reif. Spielerisch scheinen die Burschen echt fit, denn trotz der Höllengeschwindigkeit erkennt man keine offensichtlichen Haker und Timingschwankungen. Die wuchtig derben Breaks bei einigen Songs kommen verdammt präzise, die melodiöseren Leadgitarrenparts haben Stil. Für die aktuelle Glattarschposermetalcoreliga ist das hier nichts, das würde deren verplüschte Ohren und Hörkanäle in Fetzen reissen. Der ultimative Soundtrack zu Massakern, sexuellen Ausschweifungen derbster Kaliber und zum Atomkrieg. Hammer!

QUICKSAND DREAM - Aelin: a story about destiny

2011-01-26T22:56:00.000-08:00

(2010, Professor Black / High Roller Records, Schweden, 51.15)
01. Prologue
02. A Child Was Born
03. House of Wisdom
04. Caress of the Breeze
05. Road Goes Ever On
06. The Lighthouse Dream
a) Fading Away
b) On The Shore
c) A Sunny Day
d) Over The Sea
e) Awakening
f) Home Again
07. Aelin's Oath
a) The Light Appeared
b) Epilogue
1996 bis 1999 entstand die Musik für dieses von Patrick Backlund, der auch bei der Doomband MORTALICUM (großartiges Album auf METAL ON METAL RECORDS, stilistisch ähnlich zu MEMORY GARDEN)aktiv ist, initiierte Projekt, sein Sidekick am Gesang war Göran Jacobson, ein alter Freund aus EPIC IRAE Tagen, der ursprünglichen Band beider Musiker. Dazu gesellte sich für einige Keyboardpassagen Henrik Flyman der RAINBOW artigen Hardrocker MOAHNI MOANA (auch von ihnen hab ich ein saugutes Album in der Sammlung stehen, Empfehlung für alle Fans von pompösem, aber doch kräftigem Hardrock). Nun, genug des Namedroppings, weiter im Text. 2000 erschien dann die "Aelin - a story about destiny" CDr in 50er Auflage. Hölle, Tod und Teufel, solch ein Kunstwerk sollte sowas von einzigartig bleiben? Naja, nach zehn Jahren abseits der Wahrnehmung vieler Freunde epischeren, schwedischen Metals und Hardrocks der späten 70er und frühen 80er, von Klang und Spielgefühl her ist diese Bezeichnung tatsächlich angebracht, sowie epischer Heavysounds allgemein sind dann der findige Kultmetalvinylguru Steffen Böhm vom recht umtriebigen HIGH ROLLER RECORDS Label (für alle Vinylfans mit Undergroundleidenschaft, das hier ist Euer Paradies) auf die Band aufmerksam geworden und bringt uns endlich die "Aelin" Story als Gesamtwerk auf wuchtigem Vinyl mit grandiosem Coverartwork. Zeitgleich erscheint auf dem amerikanischen Label PROFESSOR BLACK (u.a. CD Versionen von HIGH SPIRITS und ZÜÜL) der Silberling. Deswegen werte ich "Aelin" auch als 2010er Veröffentlichung, trotz der zehnjährigen Reifephase der Musik. Für mich ist das Werk nun komplett. Eine Anekdote am Rande. 2000 bereits bekam ich diese Musik vor die Ohren, hab dann pflichtbewusst von der Arbeit aus bei Herrn Jacobson angefragt, ob und wie man das gute Stück händlertechnisch vertreiben kann und bekam später, Göran Jacobson ist auch ein Kunde bei uns im Plattenversand, bei einer Bestellung des Herrn eine CDr von ihm, handgemacht, handsigniert, mit einer Widmung für mich. Was war ich stolz und bin es bis heute. Kommen wir aber zur Musik. Ich höre durchgehend einen Protometalsound, der 1978/79 bereits hätte entstanden sein können. Die Gitarre ist verzerrt und heavy, kommt aber sehr natürlich vom Klang her und hat diese Herzenswärme, gerade bei den wunderschönen melodischen Soli, die den Heavymetal für mich stets so besonders machte. Der Bass ist im Mix sehr laut und durchdringend, gibt dem Klangbild eine sehr wuchtige, feste Basis, auf der sich die Melodien schön entfalten können. Das Schlagzeug gerät etwas in den Hintergrund, kommt im Endmix aber stets klar durch. Patrick Backlund spielt hier ja wirklich alle Instrumente und er macht das technisch solide. Gerade das Drumming ist auf die nötigsten Läufe beschränkt und doch sehr stark, sehr emotionsgeladen. Für NWoBHM oder frühe Schwedenmetal Verhältnisse wäre das hier absolut solide. Eher entspannt und gemächlich fängt die Platte mit "Prologue" an, gerät in mittelschnellen Uraltheavymetal wenn "A child was born" von der Geburt des Magiers Aelin kündet, hat einen dunklen, majestätischen Ausdruck beim stampfend epischen "House of wisdom" und treibt in bester 80er Manier den melodisch harten Heavy Metal auf die Spitze in "Caress of the breeze", wobei es hier auch ein paar verträumt dahinschwebende Passagen gibt, wie sich das in den 80ern so manche Band, gerade bei den Briten, zu erlauben gedachte. Wunderschön! Die Musik von QUICKSAND DREAM tanzt durchgehend aus allen Reihen. Der Bass spielt neben den Unterstützungsläufen für das Schlagzeug auch eigenständige Harmonielinien, der Gesang von Göran Jacobson, mittelhoch, etwas heller und sehr gefühlsintensiv inszeniert könnte durchaus urbritische, selbstgepresste Singles von 1980 geziert oder bereits 1981 eine HEAVY LOAD LP veredelt haben, soviel Magie steckt in seinen oft recht straighten, aber zuweilen auch trickreich um die Ecke gesungenen und dabei sprunghaften Melodien. Wo sind wir gerade auf der LP? "Road goes ever on", treibender Heavy Metal, gemächlich dahinmarschierender Heavyrock mit sehnsuchtsvollen Leitharmonien der Gitarre, die nie enden wollen, knackige stapfende Hardrockeinlagen und Gesangsmelodien voller Mystik, die trotzdem sehr eingängig wirken und sich rasch in der Seele festsetzen. Hatten wir schon bei den vorherigen vier Stücken erlebt und es geht hier munter weiter. Jetzt sind zwei Longtracks am Zuge, in mehrere Untertitel aufgeteilt. Alle Register des Könnens eines Herrn Backlunds werden kompositorisch gezogen, "Chapeau! Chapeau!" schreie ich von meinem Platz aus ganz laut. Es ist betörende Musik, geschrieben aus der reinen Liebe zu eben solchen Klängen heraus, Transportmittel für ein magisches Kopfkino über das Leben des Jungen und späteren Zauberers Aelin. Sicher ist Herr Backlund irgendwo in den späten 70ern und frühen 80ern stehengeblieben, was seine Ausrichtung angeht. Wirkliche Balladen gibt es natürlich nicht, sondern eher melancholisch ruhige Momente, die fast schon einen progressivrockigen Einschlag mit sich bringen. Romantisch hingegen ist die gesamte Scheibe, nur auch mal richtig knackig. Schmähkritiken verschiedener Webzinetipperlinge sprachen den Sound an, der sicher nicht aktuellen Plastikstandards entspricht, sondern ganz eigen, aber so unheimlich warm und liebevoll wirkt. Sie sprachen die Kompositionen an und das komplett handgemachte Feeling. Nein, der Mainstream kann und wird solche Musik nach über dreissig Jahren konsequenter Verdummungspolitik der Musikindustrie nicht verstehen, er will es nicht. Nun, kümmern wir uns um unsere persönlichen Gefühle. "The lighthouse dream" ist einer der beiden Longtracks und weist gewisse Affinitäten zu brodelndem Hardrock in gemässigtem Tempo mit erhaben mystischer Gesangslinie auf. Hier nun "DOOM" zu rufen wäre wohl eine Verkennung des Gesamtkunstwerks. Wie gesagt, die eröffnende Passage war melancholischer, progressiver Rock, weiter voran wird es treibender Uraltheavymetal mit unermesslich packendem Gesang, dazu der prägnant durchscheinende Bass, die Leadgitarre furios auf Dauerfeuer eingestellt und die Rückkehr zu den ruhig dahinfließenden Klängen, das spricht von überdimensionaler Musik, von einem Meisterwerk, wie es trotz vieler sehr geiler Platten auf der Welt nur einige wenige gibt. Popmusik ist in der Tat anders. Die vielschichtigen Arrangements der Stücke brauchen zur Entfaltung auch ihre Zeit und diese Zeit nimmt sich der fasziniert lauschende Fanatiker grandioser Musik gerne. Irgendwie erinnert mich "The lighthouse dream" übrigens von der verzaubernden Stimmung an die kanadische Band HEMLOCK von 1994 und ihren Longtrack auf dem "Exordium" Album (wer diese Rarität in die Finger kriegen sollte, sofort zugreifen, kaum schönere Musik mag es geben). Aber Referenzen sind eher sinnlos, Querverweise zünden nicht. Hier ist ein Kunstwerk entstanden, welches in der Musikszene der 90er und der ersten Dekade des 21. Jahrhunderts Seltenheitswert besitzt. Für Freunde solcher, nicht zu fassender Musik, ist das hier die Aufforderung zu Kaufrausch.

VERGESSENE JUWELEN: ROSE BAYONET - Leather & Chains

2011-01-18T23:09:00.000-08:00

(1984, Neuseeland, N.Z. Metal Records, 41.02)
01. Death Rattle
02. Let It Die
03. Blow Me Away
04. Demon Rider
05. Leather And Chains
06. Out Of The Tower
07. Hell On Earth
08. Night Fighters
09. Preditor
Schwere Beatmusik aus Neuseeland ist mir im Grunde nicht so bekannt. Hab da ein oder zwei Bands aus Australien, die ich kenne, naja, ein paar mehr, aber die 80er Metalfraktion von der Nachbarinsel gehört bei mir noch zu den eher jungfräulichen Territorien. Umso positiver überrascht bin ich von ROSE BAYONET aus Wellington, denn deren dreckiger, wilder NWoBHM Sound, leicht unterproduziert, dafür umso feuriger gespielt mit irrsinnigen Leadgitarren und einer gehörigen Portion fast punkiger Wut selbst in den verspielteren Passagen ist schon grandios. Das donnernde und treibende "Death rattle" ist ein perfekter Einstieg, eher straight angelegt, im Mittelteil mit herrlich entfesselten Soli und schön zornigem Gesang. "Let it die" ist gesanglich ein wenig melodischer, wenngleich vom Energielevel gleichsam zornig, der Mittelteil ist ein komplett wie ein wilder Hengst abgehendes Solo über treibender, straighter Metalstruktur aus Bass und Schlagzeug. NWoBHM durch und durch, ich könnte verschiedene Namen in den Raum werfen, aber ich lass es mal. Schöne stampfende Hardrockparts sind ebenfalls in diesem Song vertreten und lockern ihn gut auf. Flotte, treibende Stücke scheinen ROSE BAYONET besonders zu liegen. "Blow me away" ist ein weiterer NWoBHM Abgeher. Auch hier treibende Rhythmen, viel Doublebass, eine herrlich intensive Leadgitarre, die natürlich den Umstand überbrücken muss, dass ROSE BAYONET nur einen Gitarristen haben. Dieser kann dafür sehr lockere, offene Läufe spielen, die sich dem hohen Energiestandard der Stücke entsprechend anpassen und wie irrsinnig abfetzen. Düster und stampfend dann "Demon rider" mit viel Horroratmosphäre, Gewittersamples, doomig brodelnden Soli. Ich merke, wie einprägsam und wirklich herausstechend diese Songs sind, selbst für einen Stil, dem sehr viele Bands zur gleichen Zeit nachgingen. Großer Pluspunkt für die Band. Und dieses unsagbar geile Abfetzen, die Unbekümmertheit und positive Wut, sie machen "Leather and chains" zu einem der besten Vergessenen Alben der 80er. So obskur scheint die Kapelle, dass sich nicht einmal unsere griechischen Lieblinge zwecks Bootleg rangetraut haben und die haben sich nun wirklich allen möglichen Scheisses angenommen. Der Titelsong kommt reingedonnert, überrollt uns alle mit seiner Triolendoublebassdrum und knattert mittelschnell, wiederum einprägsam und aufputschend wie eine Nase Amphetamine tief in unsere Seele hinein. Zeit für Erholung, eine Ballade, ein Traum von einer Ballade. Schon eher späte 60er oder frühe 70er, schön, einfach mystisch, fast ein Folksong, sogar mit dezenter Geige unter der akustischen Gitarre. Die Gesangslinie ist ergreifend schön, verträumt, ich könnte fast anfangen zu weinen. Es kommen mehr Instrumente hinzu, wobei der verspielt epische Part trotz Bass und Schlagzeug noch immer von der akustischen Gitarre getragen wird. Die Ballade an sich bleibt also, wird nur etwas energetischer. Ein paar klar gespielte Soli der elektrischen Gitarre verzieren die wundervollen Läufe, dann wird der Song leiser und leiser, versickert langsam im Nichts. Das waren die Studioaufnahmen. Jetzt geht es mit einem epischen Heavysong weiter, der, das sagt uns der räudige Sound, von der Bühne aus mitgeschnitten wurde. Wie immer sind ergreifende Melodien angesagt, eine geradlinige Struktur und ein hohes Maß an Energie. "Hell on earth" nennt sich das gute Stück, erschafft trotz des abenteuerlichen Klangs eine magische Atmosphäre und bricht aus dem Stampfpart schnell aus in einen treibenden, sehr englisch klingenden Heavy Metal. Alle Fans von Bands wie MYTHRA, BLITZKRIEG und CRUCIFIXION wären hier sicher begeistert und ich weiß, wieviele es davon gibt. "Night Fighters" ist eine eher erdige Mid Tempo Nummer, die gerade im jammigen Mittelteil aufblüht und schön bissig wirkt. Das Gitarrenspiel steht immer kurz vor der Explosion, auch wenn sich der Mann im Dienste des Songs an sich hält. Ich finde das extremst geil, trotz des rotzigen Klangs. Die Liveatmosphäre hier wurde perfekt eingefangen. "Preditor" ist dann der Schlusspunkt, ein weiterer nach britischem Metal der frühen 80er klingender Smasher. Kann man wohl der Hochglanzsoundfraktion heuer nicht mehr anbieten, das würde in den einschlägigen Gazetten und Onlinepublikationen eine Menge Schmähworte hageln, aber ihnen sei ihre Ignoranz ebenso vergönnt, wie einem Undergroundmetalfanatiker seine blasphemische Liebe zu ROSE BAYONET und gerade zu den vollkommen losgelassen wirkenden Livetracks. Es ist mehr als nur Kult. Insgesamt ist diese Scheibe Sammlern natürlich, aber ihre Musik generell allen Schwestern und Brüdern zu empfehlen, die ihre Seele gerne mit NWoBHM Sounds zum Phosphorisieren bringen. Wenn man das Original nicht finden kann, es gibt sicher irgendeinen Blog mit Downloadlink. Ja, Pflichtübung!

STUFF FOR SALE

2010-12-18T06:55:00.000-08:00

CD The Prowlers - Re evolution 6,00

Progressive / Melodic Metal, symphonic Elements, Italian Band, very heavy guitar dominated though.

CD Briar Rose - Roses are rare, violence is true (noch eingeschweißt) 9,00

New US Metal, early Savatage style

CD Destiny - Future of the past 5,00

CD Tearabyte - Gloom factory 5,00

Speed and thrashmetal, early Overkill / Bay area style

CD Wiszdom Stone - Rise 6,00

US Metal private pressing, like a more earthy Gamma Ray, early Helloween

CD Magdallan - Big bang (US White Metal / Christian, 1992, Intense Records) 6,00

Influenced by Led Zeppelin, Stryper, Bon Jovi, House Of Lords, Fifth Angel

CD Stryper - To hell with the devil 5,00

CD Seven Gates - The good and the evil 5,00

Melodic power metal, Gamma Ray, Helloween inspired

CD Trinakrius - The black hole mind 5,00

Doommetal from Sicily, like Solitude Aeturnus, Candlemass, Nomad Son

CD Total Eclipse - Spellcaster 6,00

US powermetal, a bit like later Gothic Knights, Steel Prophet

CD Dark Angel - Time does not heal 6,00

CD Ironwood - Fire water ash (EPicmetal, Australien, 2009, a la Bathory) 7,00

Epic metal with black metal, Bathory, In The Woods, Borknagar, Vintersorg

CD Veritate - Straight to hell 5,00

Dark metal with a horror touch from Sweden, Death SS meets Tad Morose

CD Trouble - Demos & Rareties 1980 - 95 = gegen Gebot

CD Antithesis - Dying for life 6,00

Power / Progressive Metal, US Pressing, like early Helstar, Oracle (Ohio), Fates Warning

CD Insania - Set them free 5,00

German metal, like Noisehunter, Vampyr, a bit like Belgian stuff in the Crossfire vein

CD Ignitor - The spider queen 5,00

US Metal, Helstar, Vicious Rumors, Omen, Lizzy Borden style

CD Znöwhite - Act of God Digi 7,00

CD Sardonyx - Majestic serenity rerelease 6,00

US metal, bit like early Lizzy Borden, just darker, early Savatage, even Cirith Ungol, Manilla Road elements. All mixed up. Very unique

CD Forever Winter - Revenge 5,00

Raw metal from Finland, like early Morningstar, Sabbat (JP), Venom

CD Takara - Invitation to forever 3,00

US Hardrock, Led Zeppelin, Guns’n’Roses, Aerosmith influenced

CD Pandea - Soylent green 4,00

German metal, Helloween, Gamma Ray, that type of stuff

CD Mortuary Oath - Once upon a dreary 5,00

US band, like Mercyful Fate with black metal styled vocals

MCD Trench Hell - Southern cross ripper 4,00

New australian band, thrashmetal like Razor,

CD Megattack - Save the nations 7,00

Very much similar to early Savatage and Armored Saint, great US metal

DLP Villain - Time machine (Black Vinyl, Hellion Records 2004, Fehlpressung, 70 copies) gegen Gebot

CD Chimaera - Myths and legends Digi, 4,00

German heroic metal, Manowar, Majesty influences

DCD Nocturnal Rites – In a time of blood and fire / Tales of mystery and imagination 7,00

Like a more earthy version of Hammerfall, 220 Volt, typical Swedish metal

CD Nile - Ithyphallic Digi 8,00

New, so this is actually cheap, oriental influenced deathmetal, bit like Morbid Angel

CD Abattoir - Vicious attack 9,00

CD Tyrant - Too late to pray 8,00

Both are still as good as new for I have the vinyl for both, so, in this case I can even get rid of the CDs.

CD Final Axe - The axe of the apostles 8,00

US Powermetal a la Judas Priest, Jag Panzer

CD Faith & Fire - Accelerator 5,00

US Melodicmetal, a la RIOT, Rainbow, etc.

CD Taake - Over bjoergvin graater himmelrik 6,00

Blackmetal from Norway, Peaceville Reissue

Hemlock Exordium - ein Review aus den 90ern

2010-11-18T07:23:00.000-08:00

Hemlock: Exordium

Bittere Tränen habe ich geweint ob der süßen Vergänglichkeit aller irdischer Schönheit. Sie erschien mir in meinen dunkelsten Stunden und brachte mir Augenblicke der höchsten Glückseligkeit, bevor sie erlosch wie eine kleine Flamme im Sturm. Sie, die sie die Schönste und Anmutigste war, der ich je gewahr wurde, sie verstarb in meinen Armen. HEMLOCK ist tot.

Diese Band schickte sich an, das Erbe Rushs anzutreten. Sie verfeinerte den von Kanadas fast einzigartigstem Trio Sound, zerbrach die verkrusteten Struckturen des Progressivrocks und trieb diese Musik zu neuen Ufern der Intensität und emotionalen Tiefe. Grob umrissen könnte der Stil als eine Songwritingsession von Mitgliedern der Bands Adramelch, Rush, My Dying Bride, Saviour Machine, Skyclad und ELP beschrieben werden. Von jedem der genannten Acts haben sich HEMLOCK vielleicht (niemand wird es nun je erfahren) eine Inspiration geben lassen, wie denn nun originelle und gut durchstrukturierte Songs mit viel Seele zu klingen haben. Niemals haben sie aber auch nur eine Sekunde bei o.g. Rockheroen abgekupfert, sondern sind immer ihrer Richtung treu geblieben. Einzigartig auf dieser Welt war diese Band.

Man nehme da nur die von einer eigenartigen Melancholie geprägte Ballade „An Acacia in September“, ein Requiem für ein geliebtes Wesen, das von ihnen ging. Sie beschreibt die Gefühle, die in solchen Augenblicken entstehen, zeigt aber auch, daß es einen Weg gibt, neuen Lebensmut zu fassen und seiner Trauer Herr zu werden. Diese Ballade wird nur noch von Greg Lake mit „C’est la vie“ getoppt und wer letzteren Song kennt, weiß, was das bedeutet.

Am Schluß des Albums erwartet den Hörer ein Trip in eine gewaltige Märchenwelt. „The Immortal Legacy“, eine über fast 20 Minuten laufende Reise durch die Träume, die ein jedes menschliches Wesen in sich birgt. Musikalisch ist der Song eine Berg - und Talfahrt, ruhige, traumwandlerische Passagen werden von bedrohlich grollenden Heavyriffs abgelöst, die kurz darauf in sich zusammenfallen und wieder in schwebende, sanfte Momente übergleiten. Dieser Song wäre wunderbar zur musikalischen Untermalung des Filmes zu „Ronja Räubertochter“ geeignet gewesen, kam dazu aber leider 10 Jahre zu spät. Nevermind. Wer von euch ein Buch mit ähnlicher Story zur Hand hat und sich den Lesespaß mit passender Musik versüßen möchte, der sollte sich HEMLOCKS „Exordium“ CD zulegen. Alle anderen Metalheads mit Niveau und Progrocker haben die Pflicht dieser begnadeten Kombo wenigstens posthum die ihr zustehende Ehre zuteil werden zu lassen und somit die Jungs dazu zu bringen, sich zu reformieren (wieviele „ZU’S“ habe ich eigentlich im letzten Satz verbraten?).

SANCTA SANCTORUM - The shining darkness

2010-10-09T02:21:00.000-07:00

(2010, Black Widow Records, Italien, 53.31)
01. The end is near
02. Black sun
03. Nothing left at all
04. Master of destruction
05. Desperate ways
06. When hopes are all gone
07. The soul of truth
08. Bread of tears
09. No expectations
10. When you die
Stefano Silvestri aka Steve Sylvester, einstmals Oberhaupt der esoterischen Heavy Metal -, später dann Elektrogoth meets Glamhardrock Kultband DEATH SS und großer 70s Progfanatiker, ist wieder dort angekommen, wo vor etwas über dreissig Jahren die Reise für ihn losging. Befreit vom engen okkult - esoterischen Korsett der (ehemaligen?) Hauptband spielen er und seine Mitstreiter, darunter Danny Hughes (Bass) und Thomas Hand Chaste (PAUL CHAIN, WITCHFIELD, Schlagzeug), zwei Recken der ersten DEATH SS Besetzung, einen ätherischen, bleischweren Doom, welcher rein klanglich die sinistere Horrorattitüde frühester DEATH SS aufgegriffen hat, aber durch psychedelische und verspieltere, am 70s Heavyprog orientierte Passagen auch Grenzen überschreitet. Der Sound ist natürlich heuer perfekt, brodelt und kocht förmlich aus den Boxen, wabert wie eine schwarzviolette Wolke in Deine Welt hinein. Diese Musik ist durchaus frisch und aktuell, auch mit dem über vierzig Jahre währenden Erbe, das sie mit sich herumschleppt. Nach dem recht futuristisch knarzenden und von der Melodie etwas modern – schrägen Einlauf gibt es mit „The end is near“ einen monströsen Doombrecher, der einerseits herrlich schwerfällig und monolithisch über Dich hinwegmarschiert, andererseits aber eine gewissen Grundeingängigkeit und sogar Hitqualitäten nicht verleugnen kann. DEATH SS lugen hier aus jeder Note hervor, nur eben in der Doomvariante. „Black sun“ könnte dann eher von Steve Sylvesters „Mad messiah“ Soloalbum sein. Eine fröhlich bunte Zaubermelodie, betörende Orgelsounds, fertig ist ein wunderbarer Popsong der späten 60er, aber mit aktueller Frische und Power zelebriert. Ein weiteres Kleinod in einer gewaltigen Sammlung grandioser Stücke. Mit dem folgenden „Nothing left at all“ wird es wieder heavy und verdammt wütend. Es ist weniger Doom im Spiel, sondern sehr wuchtiger, grooviger Hardrock mit tollen, aggressiven Orgeln und eben dem dämonischen Gesang des Meisters. Die ruppigen Melodien ergeben auch hier bald schon wieder ein sehr stimmiges, mitreißendes Gesamtbild und schenken dem Stück Hitcharakter. DEATH SS sind auch hier nicht fern, aber man merkt, dass da andere Musiker noch Mitspracherecht hatten, u.a. Thomas Hand Chaste, dessen düster – doomiges WITCHFIELD Projekt ebenfalls einen kompositorischen Einfluss hatte. Weiter geht es mit schwungvoll stampfenden und tänzelnden Rhythmen, monotonen Rhythmusgitarren, spacigen Keyboards und mächtigen Leadgitarren. Dazu kommt die rostige Stimme von Steve Sylvester, die eher erdige Melodielinien einbringt. Hier regiert für meinen Geschmack eher der Spacerock als der Doom, heavy ohne Ende reißt er Dir die Seele aus dem Leib. Gerade der Klangfreakout über den regulären Songstrukturen zum Ende des Stückes hin ist komplett wahnsinnig. „Master of destruction“ ist der Titel des Stückes. Mysteriös wird es bei „Desperate ways“, einer brodelnden Mischung aus 70er Heavypsyche, Urdoom und Horrormusik, vertreten durch die dieses Mal nicht ständig auftretende Orgel. Die Strophe ist noch zurückhaltend. Man spürt allerdings diese fast unerträgliche Spannung, als würden sich sogleich die Ereignisse überschlagen. Der Refrain dröhnt wuchtig, obschon er nicht die ganze Spannung löst, was aber durchaus so gewollt scheint. Erlösend ist der Abschnitt zum Ende hin, wo sich die Leadgitarren austoben, wo Sylvester auf den Strukturen sehr intensiv emotional abgeht, die Instrumentierung einen kochenden und dampfenden Klangmatsch ergibt. Einmal noch der Strophenteil angespielt, dann ist es vorbei. Spielen können die Jungs ja wahrlich, es ist ein Genuss, den Musikern zuzuhören, immer wieder schöne Feinheiten zu entdecken, obgleich es ja wirklich donnernder Hardrock ist, der uns hier serviert wird. Aber sie können ja auch sanft. „When hopes are all gone“ suggeriert in seiner Einleitung, dass hier eine schmerzerfüllte Verzweiflungsballade folgt, aber die Wahrheit ist noch irrsinniger. Steve Sylvester schreit mit einer Inbrunst seine Pein hinaus, wie man es gar nicht gewohnt ist, die Rhythmen torkeln eher umher wie ein waidwund geschossenes Tier, die Orgel könnte auch auf einem Begräbnis gespielt worden sein und die verzerrte und effektüberladene Gitarre dröhnt abgeflogen ihre Akkorde. Es folgt eine Passage mit gesprochenem Text auf spacigen Synthieeffekten und Gitarrendröhnen, dann geht es wieder in diesen emotional exaltierten Begräbnisdoom hinein, wobei Steve hier sehr traurig klingt und die Leadgitarre psychedelische Läufe über der schleppenden Grundstruktur ausspuckt. Es folgt ein Bruch, eine stampfende Rhythmik, der Bass wummernd wie eine Maschine, die Gitarre knarzend im Hintergrund, ein wütender Steve Sylvester darüber seinen Zorn hinausschreiend, im Hintergrund noch spacige Synties. Mit anderem Gesang hätte das hier auch von den Altmeistern HAWKWIND sein können. Die Gesangslinie bleibt kurz, es die Instrumente wabern nurmehr, dann ist es aus. Bei „The soul of truth“ erschafft zunächst die Orgel ein gewaltiges Klangbild, nicht düster, sondern eher majestätisch. Im Hintergrund sind wortlose Männerchöre zu hören. Bruch. Es groovt und rockt mit einer Schwere aus den Boxen, dass es kein Halten gibt. Verzerrte Bassläufe unterstützen als grandiose Melodien die Gitarren. Das sind durchaus moderne Anklänge, die dem Hörer zeigen sollen in welcher Zeit sich SANCTA SANCTORUM befinden. Dieser Song ist moderner Stonerhardrock mit steinalter Seele und saugt Dich regelrecht in sich auf. Ruppig und doch zugleich betörend gibt sich die Band hier. Zum Ende hin gibt es sogar wieder eine versöhnlichere, verträumt dahinfließende Passage. Fantastisch. „Bread of tears“ ist ein kurzer, grooviger Acidrocker mit übelst verzerrter Gitarre, mystischer Gesangslinie und pumpenden, hypnotischen Grooves, die sich für den Solopart etwas begradigen. Hier wird ein begnadeter Popsong geboren, der allein durch die donnernden Sounds, welche aus den Arrangements hervorquellen, die Charts verfehlen dürfte. 70er Einflüsse finden sich hier ganz offensichtlich, das fängt bei der packend gefühlvollen Gesangsmelodie an. Und so langsam komme ich drauf. Steve Sylvester mag zurück zu seinen Wurzeln geschielt haben, doch er ist noch einen Schritt weiter nach vorne gegangen, sprich, er hat sie alle irgendwie gelinkt und das auf unheimlich geniale, sehr ehrlich sympathische Weise. Doomfanatiker und Altfans der DEATH SS Band werden sich mit viel Geduld diesem Album annehmen müssen. Die Liebhaber der Elektroheavyglamrockphase von DEATH SS zum Ende hin könnten sich ebenso schwer tun, vielleicht noch schwerer, weil die Band hier wieder organische Klänge auffährt und eben mit dem alten Spirit spielt. Fakt ist, dass ein jeder freidenkende Heavyrocker mit Hang zu psychedelischen und spacigen Klängen hierauf abgehen wird. „No expectations“ ist stampfender Heavyrock, natürlich psychedelisch, hypnotisch, monolithisch und für diesen Musikerhaufen typisch ein absoluter Hit. Ich würde das Stück fast eher der WITCHFIELD Band zuordnen, aber das ist eigentlich egal, diese Zusammenkunft erleuchteter Geister schafft hier einen straighten, erhabenen Song, der Dir direkt ins Blut geht, tief in Deiner einen Flächenbrand entfacht. Die räudige Wolfsstimme von Steve Sylvester und die süßlich nach Verwesung duftenden Keyboards und Orgeln sind fantastisch. Hier wird großer Pomp aufgefahren, eigentlich, aber die erdige Produktion und diese dreckeligen Doomrockriffs wirken wie Bleigewichte, halten den Song am Boden. Und einer geht doch noch rein, oder? Ein majestätisch düsterer Stampfer, wer hätte das gedacht? BLACK SABBATH beeinflusst, also steinalter Bluesrock auf unheimlich dunkel getrimmt, gerade bei der Gesangslinie. Das ist absolut 70er tauglich. Die Orgel heult beschwörend und morbide, als wären wir auf einer Beerdigung. Steve singt mit etwas tieferer, aber weniger rostiger Stimme. Bass und Gitarren röhren infernalisch. Der Song gräbt sich Dir förmlich in alle Sinne ein. SANCTA SANCTORUM sind, wie DEATH SS schon, bohrend eingängig, dabei aber herrlich schräg und nihilistisch. Bei „When you die“ gibt es alle Trademarks beider Bands noch mal vereint. Die Leadgitarre ist grandios, brennt ein Feuerwerk ab, das sich gewaschen hat. Tolle, vom Irrsinn zerfressene Soli auf brodelnder Klanglava. Spacerock und Doom werden eins. Ich heiße Steve Sylvester und seine neue Band willkommen. Die alten und jungen Recken der italienischen Metalszene haben uns bewiesen, welche Kreativität tatsächlich noch in diesem Land steckt, abseits von der ganzen neoklassischen Bombastschiene. Tolle, auf surrealistische Weise knallbunte und doch zutiefst düstere Platte und ein Highlight für 2010 abseits der gängigen Genredogmen. Und BLACK WIDOW RECORDS haben sich zudem noch bei der Scheibe mächtig ins Zeug gelegt, die CD im superben "Magipack" (Digi halt) und die LP in zwei verschiedenen Vinylfarben rausgehauen. Grossartig!

ABYSMAL GRIEF - Misfortune

2010-10-03T02:22:00.001-07:00

(2010, Black Widow Records, Italien, 48.05)
01. Ignis Fatuus
02. Cadaver Devotion
03. Crypt of Horror
04. The Arrival of the Worm
05. The Knells Accurse
06. Resurrecturis
Dunkel sind die Hüllen des Todes. Und da der Tod eine Hauptrolle in der spirituellen Welt des Regen Graves aus der italienischen Hafenstadt Genua spielt, ist wohl klar, dass auch seine Musik entsprechend von Dunkelheit geprägt ist. Nachzuhören auf den älteren EPs der Band ABYSMAL GRIEF und ihrem grandiosen Debütalbum von 2007.

Nach drei langen Jahren schmieden die Horrordoomer, welche sich nunmehr als echte Band präsentieren, ein neues, sehr morbides Langeisen, gelegen zwischen den musikalischen Polen Gruftrock und Doom, von letzterem die erdig brodelnde Variante. Gleich der Opener „Ignis fatuus“ saugt den geneigten Fanatiker dunkelster Musik tief in die Abgründe der Verdammnis mit einem Gesang, der wegen seiner tiefen und dämonischen Lagen direkt aus einer feuchten, verwurmten Gruft zu stammen scheint. Dabei aber sind nach wie vor Harmonien in der kehlig knurrenden Stimme auszumachen. Der Einfluss des beschwörenden Gothicrocks der 80er ist hier deutlich spürbar. Die alten FIELDS OF THE NEPHILIM lassen grüßen, obschon ABYSMAL GRIEF einen anderen Ansatz einbringen und wesentlich minimalistischer als die verspielten, beinahe progressiven Briten zuwerke gehen und genüsslich auf simplen, aber effektiven Läufen verbringen herumschwanken können, als wären sie gerade frisch dem Grab entstiegen.

Der Opener hat einen entspannten, aber doch treibenden Groove und im Solopart eine aufgewühlte, kochende Leadgitarre zu bieten. Das zweitplatzierte „Cadaver devotion“ legt noch gut anderthalb Minuten an Länge drauf und stapft rhythmisch gesehen hypnotisierend daher, wie bei einem rituellen Urvolktanz, abgesehen von den kriecherischen Passagen reinen Dooms. Stets omnipräsent sind Keyboards respektive Orgeln. Gespielt vom passionierten Zylinderträger Labes C. Necrothytus, der auch für die schaurige Stimme die Verantwortung trägt und seit jeher das charismatische Antlitz dieser Band prägte.

Ein paar Schritte auf einem Weg aus Sand und Kieseln, das Klappern eines Eisentores, dann ist man in der „Crypt of horror“. Eine herrlich schmierige Orgel wie aus Horrorstummfilmen der 20er Jahre spinnt eine süßlich nach Verwesung duftende Melodie über brachiale, straight groovende Riffs. Auf allem thront wieder Necrothytus mit seinem faszinierend bösartigen Gesang. Abwechslungsreichtum? Hört mir auf. ABYSMAL GRIEF wollen Euch einspinnen, wollen Euch hypnotisieren und Eure Seele aussaugen, das schaffen sie mit der gekonnt monotonen Inszenierung ihrer Stücke, welche auf gewisse Weise eine nicht unerhebliche Eingängigkeit mit sich bringt. Die Chembaloklänge im hinteren Abschnitt des Songs, welche wohl statt eines Gitarrensolos als Zierde dienen, haben schon einen Ausdruck von Besessenheit. Gespielt werden sie virtuos, gemahnen an die Abritte alter Progrockhelden und gerade an denen mangelte es im Italien der 70er gewiss nicht.

Eine sehr düstere, sakrale Orgelmelodie und ein Horrorfilmsynthesizerlauf vereinen sich zur Einleitung von „The arrival of the worm“, einem der kürzeren Tracks hier. Diese Melodie walzt voran, ab und an von eintönig klingenden Glocken durchzogen. Darüber fängt Necrothytus nach einer Weile an, beschwörende Formeln zu murmeln. Wen er da nun heraufbeschwören möchte, wer dieser Wurm sein soll, das möchte man gar nicht wirklich wissen. Dieser nicht ganz Viereinhalbminüter verharrt auf den komplett dementen Orgel – und Synthesizerläufen, die im weiteren Verlauf immer mehr an Irrsinn zulegen, ohne ihren monotonen Gang aufzugeben.

Eine Kirchenglocke läutet mit einem dumpfen Schlag „The knells accurse“ ein, wieder sägt sich brodelnd die ultimativ verzerrte Doomgitarre durch ständig wiederkehrende Akkordfolgen, wiederum setzen sich mysteriöse Keyboards wie die Patina vieler Jahrzehnte auf ihren Strukturen ab. Gewisse Passagenwechsel halten das Lied spannend. Es ist und bleibt jedoch ein absolut sinisterer Kultdoom und durchgehend, bis auf wortloses Grollen und Ächzen im Hintergrund, instrumental. Die schweren Riffs und die makabren Orgelmelodien führen diesen Song. Ein prototypisches Doomsolo mit rollenden Noten, einer klagend jaulenden Gitarre entrissen, brennt und schneidet Dir die Sinne frei. Fahrt wird aufgenommen zum Ende des Stückes hin, die letzten anderthalb Minuten gibt es sogar rollende Doublebass Drums. Verwirrendes Glockenspiel lässt nicht nur meine Gesichtszüge, sondern gleich all meine Sinne entgleisen. Wow…

Höhepunkt dieser Horror Musik Orgie ist dann mit dreizehn Minuten „Resurrecturis“, der Rauswerfer. Die Riffs sind typischster Doom, auf ihnen liegen beschwörend erhaben düstere Orgeln. Dann kommt wieder Necrothytus mit seiner grollenden Grabesstimme und zeigt, wie der Zusammenschluss von BLACK SABBATH und den FIELDS OF THE NEPHILIM klingen könnte. Ein herrlicher Schlusspunkt für ein sicher fernab aller Mainstreamkonventionen und aller Genredogmen des wahrhaften Dooms liegendes, großes Album mit charismatischer Ausstrahlung. Als Horrorliebhaber wird man um diese Scheibe kaum rumkommen. Die Zukunft im Doomunderground gehört wegen ihrer querköpfigen Gothic / Doom Kreuzerei dieser Band. Nach knapp der Hälfte Spielzeit nehmen ABYSMAL GRIEF alle metallische Wucht aus dem Stück und lassen einen Bass eintönig grummeln, setzen Windrauschen ein und lassen es zwei Minuten drauf wieder herrlich krachen.

Für wagemutige Doomverfechter, die sich mit einer tiefen, grollenden und doch harmonischen Stimme anfreunden können. Ich möchte nochmals darauf hinweisen, dass ABYSMAL GRIEF sich zwar sehr stark mit dem Tod auseinandersetzen, dies auch auf eine sehr spirituelle Weise, jedoch mit Blackmetal und dergleichen nichts zu tun haben. Ihre Symbolik ist durchweg christlich geprägt, auch wenn man hier nicht selten eine hinterfragende Position vertritt. Alles in allem ein grandioser Bastard aus Doom und 80er Gothicrock der finstersten Sorte. Ich bin großer Fan.

MUGSTAR - Lime

2010-09-21T11:27:00.000-07:00

(2010, Important Records, UK, 40.07 min)
01. Sunburnt impedance machine
02. Serra
03. Radar king
04. Beyond the sun
MUGSTAR sind eine britische Spacerockband aus Liverpool und passen so gar nicht zum Bild der Stadt am Mersey River. Keine Beatmusik, sondern betörend mystische Gitarrenmelodien und repetative Songstrukturen sind hier gefragt, Bands wie HAWKWIND, CAN, KRAFTWERK, früheste PINK FLOYD und ähnlich gelagerte Helden standen Pate. Da wären wir auch gleich im ersten Song. Die einleitenden Läufe sind herrlich dunkel und verzaubernd, die intensiven Gitarrenmelodien verbreiten eine sehr intensive mystische Atmosphäre. Ein wenig textloser Gesang erscheint, entschwindet rasch wieder. Es ist der einzige Gesangseinsatz auf dem kompletten Album. Eine sich stets wiederholende Basslinie drängt in den Vordergrund. Um sie herum bauen sich Strukturen von Schlagzeug, Gitarren, Orgel und Synthesizer auf, mal der gekonnt inszenierten Monotonie der Basslinie folgend, mal eruptiv und wild. Die Stimmung hier ist hypnotisch, den Rand der Ekstase touchierend, bei einigen Breaks sogar überschreitend. Hier lassen, rein von der Ausstrahlung her, die alten Helden grüßen und MUGSTAR schließen direkt zu ihnen auf. Dann ein abruptes Ende, der Song bricht zusammen, ist fort. Wohin geht die Reise nun? Gewabere vom Synthesizer, ein treibender Beat, ein Basslauf, welcher diesem Beat folgt. Sporadische Einspielungen der relativ klaren Acidgitarre, ein Saxophon mit frei gespielten Läufen und verschiedene synthetisch erzeugte Klapper - und Blubbergeräusche betören Dein Gemüt. Du schwebst auf diesem nach wie vor hingebungsvoll die Monotonie zelebrierenden Sound, bis dass alle Klangspuren miteinander verschwimmen und zu einem Strom verschmelzen, der Dich mit sich trägt. Keyboardmelodien erscheinen und bringen durchaus einen Hauch Wave / Pop mit sich, der den Spacerock von "Serra" gekonnt auflockert. Hier sind die Einflüsse von TANGERINE DREAM und KRAFTWERK sehr deutlich, werden mit CAN Elementen verbunden. Wenn man denn Vergleiche braucht. Ich bin fasziniert, denn auch wenn viele Bands heuer Spacerock spielen und sich auf die alten Helden und Tugenden berufen, man muss dafür geboren sein. MUGSTAR sind es. Zum Ende von "Serra" hin kommt eine schöne Farfisaorgel ins Spiel, welche an amerikanische Westküstensounds von 1968 denken lässt, der Garten des Lebens öffnet dem Schmetterling aus Eisen hier seine Pforten. Schöne melodische Independentrockgitarren kontrastieren die knarzende Orgel. Very british, indeed. Aus der Monotonie heraus werden wunderschöne Melodien geboren, die nicht von dieser Welt zu stammen scheinen und doch bleibt "Serra" seiner Linie treu, lässt nicht ab von den spröden Saxophoneinsprengseln und den repetativen Grundstrukturen. "Radar king" hiernach ist ein heftiger Rocker mit intensiven, brodelnden Melodien und donnernden Rhythmen, der wie ein vom Sturm aufgepeitschtes Meer tobt und wütet, aber auch ganz sachte, entspannte Momente in sich trägt, welche der geprügelten Seele einige Augenblicke der Ruhe gewähren. Der Song nimmt einige Kurven und gelangt über verschlungene Pfade ans Ziel, lässt betörende Passagen über wuchtigen Rhythmen schweben, trägt Dich mit Kraft hinaus ins freundliche Universum, direkt zur Quelle des universalen Bewusstseins. Ja, das hier ist definitiv Musik, welche Dich auf eine andere Ebene bringt. Auch "Radar king" hat diese Steigerungen der Intensität hinein in wilde, krachende Bereiche, die jedoch stets von straighten Bassläufen getragen und von dunklen, machtvollen Melodien im Zaum gehalten werden. Nun sind wir der Sonne verdammt nah gekommen und haben uns direkt unter ihr einen Platz besorgt, so verheisst der nächste, letzte Titel. Eine knarzende Orgel macht den Anfang, dazu gesellt sich ein hübscher Independentbass. Ein leichtes Schlagzeugspiel reiht sich ein und schon schwebt man auf einem wundervollen Klangteppich hinfort. Da ist aber doch wieder der wortlose, mystische Gesang im Hintergrund. Hinhören lohnt sich also doch. Flatternde Synthesizer verdichten die Atmosphäre, sachte gespielte Gitarrenjauler tauchen auf, weit hinten im Klangdickicht verborgen. Dann ein Bruch und die Rückkehr in den schwebenden Teil des Songs. Die Atmosphäre ist so friedvoll, so erhaben. Hier steckt die pure Liebe in jedem kleinen Detail. Der Gesang wird sogar lauter und doch bleibt er nur ein kleines Detail in einem üppigen Arrangement. Die Gesamtmelodie des Stückes mag sich wiederholen, aber was auf diesem Album wiederholt sich nicht? Sie flüstert Dir zu, wie Du mit dem universellen Bewusstsein verschmelzen kannst, wie Du Deinen Geist befreien kannst. Und im Grunde ist sie sogar das Werkzeug dazu. Also, der britische Spacerock mit krautigen Wurzeln ist am Leben und stärker denn je zuvor. Sogar die Urväter HAWKWIND haben ja in diesem Jahr eine neue Platte gemacht. Ich kann diese Scheibe von MUGSTAR jedem Fan krautig spaciger Klänge empfehlen, sofern die Seele weit offen steht und man sich treiben lassen kann. Grandiose Scheibe, wenn auch nicht innovativ. Aber dann frag ich mich auch, warum man Perfektion mit Innovationen zerstören sollte? MUGSTAR sind das Universum und das Universum ist perfekt...

OBSKURIA - Burning sea of green

2010-09-05T02:02:00.000-07:00

(2010, World In Sound, BRD/USA/PERU, 45.52)
01. A - bun - dance
02. Somewhere
03. Why?
04. Black magic
05. Under the gallows
06. Slow stone
07. Memories of Mysteria
08. Screaming like a whirlwind
09. Burning sea of green
Dem guten alten Acidrock und Heavypsyche geht es momentan anscheinend besser denn je. Die spassige Jamband OBSKURIA aus Deutschland, Peru und den USA bestätigt dies. Eigentlich war es ein Studiojam anlässlich des TRIP IN TIME Festivals 2006, dort traten u.a. die TREACLE PEOPLE aus Süddeutschland, die 70er US Acidrocker DRAGONWYCK und die peruanischen Spacepunks LA IRA DE DIOS auf, wurden von WORLD IN SOUND Labelchef und Festivalmacher Wolf abgefüllt und zum Jam gebeten, inklusive Coverversion von METALLICA "For whom the bell tolls" und ab dafür. Ein acidrockig heavypsychedelisches Album erschien 2007 und man dachte, dass es das gewesen sei. Falsch...2010 sind OBSKURIA wieder da. Ihr Heavypsyche ist geblieben, mal bluesiger, mal etwas moderner mit dezentem Waverockeinschlag und hektisch groovenden Rhythmen, aber stets wunderschönen Melodien. Die Mitglieder der TREACLE PEOPLE sind aus dem Line Up verschwunden, LA IRA DE DIOS komplett verblieben, dazu als Gitarrengott DRAGONWYCK Mastermind Tom Brehm. Hinzugekommen sind Organistin Sandra Disterhöft, Sänger Matthias Schäuble und Sängerin Murielle Stadelmann. In dieser Besetzung ist eine mächtige Acidrock CD gelungen, welche die klassischen Motive und Elemente des Genres in die Gegenwart trägt und erfrischt auf die geneigten Säureköpfe loslässt. Allein der fast dreizehnminütige Titeltrack am Ende der Scheibe ist schon eine grandiose Abfahrt, pendelt zwischen brodelndem Psychedelicbluesrock, verhalltem Orgelhardrock auf Basis von Blues und Boogie und krachenden Soundwällen mit Freakoutcharakter bzw. steigert sich von einer Station zur nächsten. Sängerin Murielle liefert eine heimsuchende, betörende Performance ab. Sie ist eine klassische Blueschanteuse, bringt aber bei diesem Stück eine gewaltige Portion LSD geschwängerter Phobien ins Spiel und lässt den Hörer regelrecht erbeben.
Neben "Burning sea of green" hat sie noch einen besonders starken Moment. Eine Acidrockband covert SLAYER. "Black magic" um genau zu sein. Hier regiert der fröhliche Psychedelicpunkrock mit lyrisch deftig satanischer Kelle, die natürlich unfreiwillig komisch wirkt, da die SLAYER Burschen beim Komponieren des Songs wohl alle erst 16 bis 20 Jahre jung und durchaus grünohrig waren. Anyway, im Psychedelicrockgewand klingt das Stück frech und frivol und lädt zum Besinnungslostanzen ein. Sweet! "Under the gallows" ist das Meisterstück von Sänger Matthias, welcher für mich eher zu Indie - und Postpunkbands bzw. 80er Gothic / Gruft Sounds passen würde. Ein sehr schöner Kontrast zu Murielle und für dieses ungezwungene, freimütige Album gerade richtig. Und so ist "Under the gallows" ein Mix aus hektischem Wave / Postpunk Sound der 80er mit nervösem, hypnotischem Drumming, simplen Gitarrenthemen, Sandras Old School Acidorgel, monoton betörendem Gesang und pumpendem Bass, der zwischen 60ern und 80ern seinen eigenen Weg sucht. In der zweiten Hälfte wird der Song ekstatisch, die Gitarren surren und zischen effektüberladen dahin, die Leads kommen wie von einem Besessenen zelebriert, alles scheint schier zu explodieren. Wer jetzt nicht zusammenbricht, der braucht diese Scheibe nicht zu hören. OBSKURIA machen es richtig und vereinen die Vergangenheit und die Gegenwart zum Sound der Zukunft. Das Album klingt so leidenschaftlich und bittersüß wie die Psychedelicscheiben der späten 60er, hat aber gleichzeitig die Melancholie späterer Independend - und Gruftrocksounds dabei. Und es wirkt stets wie aus einem Guss. Wenn das hier nur eine Jamband ist, dann würde mich mal interessieren, wie eine feste, konsequent durchgezogene Zusammenarbeit klingen könnte. Es ist grandios...

VERGESSENE JUWELEN: PLUTO - Pluto

2010-07-11T02:24:00.000-07:00

(1971, Victor, UK, 37.08)
01. Crossfire
02. And My Old Rocking Horse
03. Down And Out
04. Shes Innocent
05. Road To Glory
06. Stealing My Thunder
07. Beauty Queen
08. Mistere Westwood
09. Rag A Bone Joe
10. Bare Lady
Einen erdig groovenden Hardrock brachte uns diese britische Formation auf ihrer 1971 beim VICTOR Label erschienenen LP. Drei treibende Fetzer mit geradlinigen Melodien und Riffs bildeten das eröffnende Triumvirat der Scheibe, bevor mit "She's innocent" eine sanft dahinschwebende Ballade die Szenerie betritt, bei der die akustische Gitarre wunderschöne kleine Läufe spinnt, die durchaus einen folkigen Hintergrund haben könnten, für einige lautere Momente dann aber das Szepter an eine knarrende Heavyklampfe abgibt. Gerade in ihrer typischen Art liegt ihre Schönheit und die großen Gefühle entspringen der Schlichtheit. Entspannt und locker rockt die Gruppe hiernach voran, wobei ich es nicht als den Standardmachohardrock der frühen 70er bezeichnen würde. Ein leicht dunkler Hauch entströmt einem Song wie "Road to glory", bei dem der Sänger schon zu hinterfragen scheint, ob ein kompromissloses Beschreiten dieses Weges ganz richtig ist. Doch der hypnotisch groovende Instrumentalpart am Songende lässt keine weiteren Gedanken darüber zu, der Sänger ist bereits auf diesem Weg gefangen und geht ihn bis zum bitteren Ende. Auch cooler Boogie ist den Engländern nicht fremd, selbst wenn es ein wenig tief im Standard gehaltener Sound ist. Sie machen es mit Liebe und Leidenschaft. Die Soli des Gitarristen, eine Orgel oder dergleichen findet hier nicht statt, sind hingebungsvoll und dampfen vor Lust. Besessenheit? Nun, ganz so ekstatisch geben sich PLUTO nicht. Ein wenig härter wie die FACES oder die ROLLING STONES, cool und bluesig wie die GROUNDHOGS, aber straighter und entspannter. Den frühen 70ern in allen Belangen gerecht werdend halt. Sie können aufdrehen wenn sie wollen, doch sie warten ab. Die mehrstimmigen Popgesangsharmonien bei "Beauty queen" scheinen auf die Charts zu zielen, aber das ist okay so. Sie haben Charme und Seele, wie der ganze, gemässigte Rocksong. Sicher eine Scheibe, für die man nicht unbedingt töten wollen würde, bis man ihre Seele erkennt und sich überlebenstief in sie verliebt. Die Band hat trotz der Standardstilistike Charisma, der helle, spitze Gesang ist eigenständig. Gutes Teil für Freunde gepflegter Rockpackungen, die eben auch mal verhaltener sein dürfen.

REINSTER UNDERGROUND: MAHOGANY BRAIN - Smooth sick lights (

2010-07-11T01:43:00.001-07:00

(1972/77, Pôle, Frankreich, 47.52)
01. Green Winter Of Revolvers
02. Cathedral’s Skirts
03. Church
04. Purple Overdose No. 102
05. Silkskin Dawn
06. Tongues-Movie: Doctor Cloud
07. Rose Sad Sea
08. Diamond Voices Of Stars
09. Burning The Vibes
Hier haben wir ein Beispiel dafür, was passiert, wenn man einem Haufen Hippies und Revoluzzern ohne Vorkenntnisse von Musik Drogen und Instrumente gibt. MAHOGANY BRAIN sind ein französisches Freiformprojekt, das vorliegende, 1977 auf dem avant gardistisch orientierten PÔLE Label veröffentlichte Album wurde bereits 1972 in einem Anfall kollektiven Wahnsinns und im Zustand tiefsten Rausches aufgenommen. Es klingt vollkommen aus der Bahn geraten, degeneriert, strukturlos und aller Orientierung beraubt. Aber blicken wir einmal hinter die Fronten dieses dadaistischen Klangausbruchs und wir werden trotz der eher unprofessionellen Liveaufnahmen vom Juninachmittag 1972 einen Haufen Musiker mit Plan entdecken. Gitarrist, Bassist und Schlagzeuger sind nämlich nicht einfach nur musikalische Neanderthaler, die bis zum Haaransatz bedröhnt und halluzinogenisiert sinnlos auf ihre Instrumente eindreschen. Es ist eine kollektive Liveaufnahme, eine Jamsession, wie sie für jene Zeit, eher aber noch für die späten 60er typisch war. Hippiemusik, frei, improvisiert und durchaus ein wenig versiert, auch wenn vieles schräg und neben der Spur klingt. Der experimentelle Krautrock glühte bereits einer wilden Sonne gleich vom Horizont und das färbte auch auf die Nachbarländer ab. Was AMON DÜÜL, die 1, nicht die 2, da 1968 in ihrer gewaltigen Session eingespielt hatten, was dann in den kommenden Jahren zum Teil zu Unrecht von gierigen Plattenfirmen als "Psychedelic underground", "Paradieswärts Düül", "Collapsing" und "Disaster" veröffentlicht wurde, ist keinen Deut anders als das, was MAHOGANY BRAIN hier verzapfen. Vielleicht noch einen Zacken revolutionärer, weil früher dran. Ja, wie in rasende Besessenheit oder besessene Raserei verfallen gibt sich die Band hier in den eruptiveren, freiförmigeren Momenten, hat aber mit "Silkskin dawn" durchaus auch eine niedliche Psychedelicrocknummer mit bekifft schrägem Frauengesang. Und wer sich die Mühe macht, dieses Inferno ein zweites oder drittes Mal zu durchleben, der wird in den verworren lärmigen Klangströmen sogar die eine oder andere berührende Melodie ertrinken sehen. Boogieeinflüsse, Psychedelic, Blues, Freejazz, die Jungs und das Mädel wurden durchaus beeinflusst. Ich würde ihnen die frühen, freiesten PINK FLOYD, VELVET UNDERGROUND feat. Nico, AMON DÜÜL und Leute wie Zappa und Beefheart als Vorbilder zuordnen, vielleicht noch Jazzer wie Coltrane, auch wenn das etwas weit hergeholt scheint. Sicher sind die Vorbilder spielerisch noch versierter, außer dem teutonischen Kollektiv, aber die Richtung stimmt. Für Freunde von betörend süßem Psychedelicpop ist das hier nicht geeignet, eher für einen Acidfreakout, bei dem man nicht unbedingt nach der Herkunft der Pilze und Säfte fragt, die da auf den Tisch kommen und wobei man schon mal das kleine blaue Raumschiff starten sieht. Der Sound der Scheibe ist natürlich wie ihre kompositorische Beschaffenheit, rau, matschig und unproduziert. Und doch finde ich diesen Gewaltjam von der ganzen Art her, von seinem Ausdruck und der Art, wie er mich berührt, so ergreifend faszinierend. Ich bin regelrecht verliebt, kann aber genauso nachvollziehen, dass Musikliebhaber mit anderen Ansprüchen extrem hasserfüllt darauf reagieren. Nur für Grenzgänger und - überschreiter.

VERGANGENE GROSSTATEN: SONIC VIOLENCE - Jagd

2010-05-26T11:09:00.000-07:00

(1990, Peaceville, UK, 49.20)
01. Saturation
02. Crystalization
03. Blasphemer
04. Tortured (Dub)
05. Adrenalin
06. Ritual
07. Symptom
08. Force
09. Manic
10. Glory
Aus der englischen extremen Musikszene der 80er kommen auch diese freundlichen Herrschaften hier, SONIC VIOLENCE, die 1990 mit ihrer LP "Jagd" auf PEACEVILLE RECORDS einen Klassiker monolithisch atonaler Musik geschaffen, die im weitesten Sinne dem Industrial zuzuordnen ist. Industrialrock oder - metal, je nachdem wie man die Wucht und den Grad der Verzerrung der Gitarrenfraktion deuten möchte. Kein Song kommt ohne diese donnernden, quietschenden,schnaufenden, schwerfällig ackernden Klampfensounds aus, welche an eine gewaltige Dampfmaschine erinnern, in die sich zuweilen ein leichter Hauch von Melodie einfügt, wenn der Gitarrist entweder kleine Änderungen in seinen nach wie vor atonalen Strukturen zulässt oder minimalistische, dennoch eindringliche Notenfolgen spielt. Darunter rattern Bass und Schlagzeug repetative, hypnotisch wirkende Grooves herunter, perfekt abgestimmt, mit jedem Schlag an seinem Platz. Der Maschinenführer brüllt darüber zornig und mit stets charismatischer Stimme seine Kommandos. Ja, das sitzt. Man sieht vor dem geistigen Auge schwitzende, muskulös gebaute und von oben bis unten mit Öl und Ruß verdreckte Arbeiter diese machtvolle Soundmaschine in Gang halten. Das ist in der Tat Industrialmetal. Einflüsse lassen sich bis zum monotoner gehaltenen New Wave und minimalistischeren Postpunk der späten 70er und frühen 80er zurückverfolgen, die sägenden, dreckig infernalischen Klampfen zeugen von einer weiteren Verwandtschaft zum britischen Hardcore / Grindcore / Deathmetalspektrum, siehe AMEBIX, AXEGRINDER, NAPALM DEATH. Fans von Bands wie GODFLESH oder den etwas später aufgetretenen, noch deathigeren PITCH SHIFTER sollten sich dieses Goldstück bei Sichtung einverleiben. Mächtig beeindruckende Scheibe.

FORGOTTEN NORTH auf RADIO ZUSA im Raum Lüneburg

2010-05-05T12:21:00.000-07:00

In der Sendung RASTENSCHLEIFER auf dem Sender RADIO ZUSA im Raum Lüneburg haben wir mit FORGOTTEN NORTH eine erste Radioappearance.

Dem Rastenschleifer Team unseren herzlichen Dank!

RIP Lora 19? - 16.04.2010

2010-04-17T07:58:00.000-07:00

Ich bin gerade geschockt, gegeißelt und völlig geplättet. Lora, der Kultpapagei, sozusagen die gute Seele unserer Lieblingskneipe in Glückstadt wurde gestern Nacht vom Hund eines Gastes zu Tode gebissen.

Lora war ein Inbegriff von Rock'n'Roll, liebte guten Metal und Heavyrock, insbesondere die V 8 Wankers.

Ich vermag meine Gefühle nicht in Worte fassen...

Zuckersüß...welcher Prominente versteckt sich hinter diesem Babybild

2010-04-17T07:10:00.001-07:00

Ach wie süß dieser kleine Fratz doch ist. Machen wir einmal heiteres Prominentenraten. Wer kann mir sagen, welcher später weltberühmte Europäer sich hinter diesem niedlichen Babybild versteckt? Erster Preis ist eine selbst zusammengestellte Compilation CDR meiner Band Forgotten North.

VERGESSENE JUWELEN: MONEY - First investment

2010-04-14T07:55:00.000-07:00

(1979, Gull, UK, 35.39 min)
01. Mari-Anna
02. Leo the Jester
03. (Aren't We All) Searching
04. Geneva
05. Cosmic Lullaby
06. Opening Night
07. Finale
08. Statements and Demands
09. Remembering (M.G.O.)
10. Goddess
Eine episch progressive Hardrockschlacht wird auf dieser Wiederveröffentlichung geschlagen. MONEY sollten eigentlich zur Speerspitze der NwoBHM gehört haben, landeten leider, trotz Deals bei Gull Records (u.a. JUDAS PRIEST in frühen Tagen) auf den hinteren Rängen, denn sie waren gerade so in der Startphase der Bewegung präsent, haben 1980 nach einer letzten EP wieder das Handtuch geworfen. „First investment“, das Album, ist von 1979, zu früh, zu verspielt, zu progressiv vielleicht für den verdienten Megaerfolg. Der Opener ist ein unaufdringlicher, aber liebenswerter Heavyrocker mit ellenlangen Soli und noch recht straight. Melodischer, ätherischer und proggiger wird es mit „Leo the jester“, welcher später noch auf einer NwoBHM Compilation landete. Da sind nachdenklich stimmende ruhige Parts, fröhlich dahinschwingende, leicht abgehobene Strophen, sanfte, symphonische Refrains von großer Erhabenheit und sehr intensive instrumentale Zwischenpassagen mit packenden melodischen Soli. Alles sehr eingängig aufgebaut. „Aren't we all searching“ ist ein geradliniger Hardrock mit cooler Melodie und ein paar abgehobeneren, progressiven Läufen. Anspruchsvoll und doch schön zum Mitgehen geeignet, ein Ohrwurm. Dieser Song war die 78er Single A Seite, dessen B Seite hier als Bonus verwurstet wurde. In seinem Mittelteil wird wieder furios soliert, dennoch bleibt man melodisch. Immer wieder gibt es kleine Gitarreneruptionen, die dem Song noch ein wenig mehr Wucht verleihen. Du liebst die Scheibe auf der Stelle.“Geneva“ ist ein kürzerer, aber sehr progressiver Rocker mit euphorischer Melodieführung und vielen Wechseln. Irgendwie leicht schräg und sperrig, aber definitiv cool. Man hatte mit solchen Stücken den klassischen Progrock bereits hinter sich gelassen, war moderner, der frickeligeren Seite des Neoprog zugewandt. Ein schönes Instrumentalstück auf der Akustikgitarre ist „Cosmic lullaby“, welches dann von einem spacigen Synthesizerblubbern beendet wird. „Opening night“ ist dann ein A Capella Song mit Elementen alter britischer Folk – und Chormusik. Nicht unbedingt Metal, aber verdammt gut und für eine eher progressive Platte durchaus tragbar. Mit „Finale“ wird dann wieder hart, melodisch und fröhlich, ja geradezu hymnenhaft euphorisch gerockt, obschon die Verspieltheit dieses Stückes nicht unerheblich ist. Irgendwo zwischen härteren SWEET, YES, QUEEN und JUDAS PRIEST mogelt sich die Band hier durch die Botanik und macht ihre Sache so abartig gut. Der Gesamtsound der Scheibe ist natürlich typisch 1979, aber dafür sehr transparent. Schön roh und ungezähmt klingt „First investment“. Hier zeigt sich eine Band von Könnern sehr inspiriert. Lovely. „Statements and demands“ ist wieder theatralischer, melodisch progressiver Rock mit härterer Kante, verspielt, ätherisch, eigensinnig, mit einigen Elementen alter britischer Musik in der Strukturierung und Melodieführung. „Remembering (M.G.O.)“ rockt geradlinig, mit schöner, unkomplizierter Melodie und leichtem Feeling härterer Rocksachen der damaligen Zeit wie UFO oder MONTROSE. Geil ist dann der letzte originale Albumtrack „Goddess“, schöner, verspielter Hardrock mit vielen mystischen, ruhigen Passagen und epischer Ausstrahlung. Die Band hat einige geheimnisvollere Stimmungen in dieses Prachtstück eingebaut. Feine Sache! Für NwoBHM Liebhaber, Freunde progressiven Hardrocks wie CHASAR, SHIVA oder SARACEN und PALLAS ist das hier eine Pflichtübung. Die Band schreibt eigenständige Songs, die auch nachhaltig im Schädel bleiben! Und es gibt eine Wiederveröffentlichung auf CD mit einem coolen Bonustrack! Kaufen!

VERGESSENE JUWELEN: RAVENS'HEAD - From the darkness

2010-04-14T07:48:00.000-07:00

(2002, Privatpressung, Australien, 48.32)
01. Martyr
02. Arcana
03. Play Me For the Fool
04. Did You Ever
05. The Gates of Hell
06. Closing My Eyes
07. Tears in the Rain
08. Legend
09. Do You Believe
10. Sands of Time
11. How Many Times
Hier tut sich ein neues australisches Pflänzchen auf, aber was für eins. Die Sängerin gehört zu den kraftvollsten ihrer Zunft seit den guten alten Acid Tagen, das Riffing ist, trotz Hardrockroots und Eingängigkeit, verdammt heavy, es überrollen einen die Gitarrenläufe praktisch. Dazu donnern Bass und Schlagzeu einen geradlinigen, dennoch mit hintergründigen Details gespickten Beat. Gewaltig? Oh ja! Epische Momente, schneller Heavymetal mit rockigem Ausdruck, ein dezent entfesseltes Feeling und eine Menge Wahnsinn prägen dieses Album. Die Boyz und das Girl sehen zwar ganz und gar nicht nach dem irren Metal aus, den sie da spielen, aber was tut das schon zur Sache, man sollte eben ein Buch nicht nach dem Einband beurteilen, gerade in der heutigen Zeit. Irgendwie müssen Ravens‘ Head doch gekifft und zeitgleich noch Ekstasy geschmissen haben. Ihre Songs haben ein wahrlich losgelöstes Feeling und gleichzeitig die Kraft einer tollwütigen Dampflok. Das hier ist Heavysound der ehrlichsten Art. Es wird nicht mit sphärischen, ruhigen Momenten gegeizt, doch kommen die immer nur dann zum Tragen, wenn es der Sache, sprich der Atmosphäre dient. Allerdings ist es auch nicht unbedingt schlecht, mal eine echte Ballade zu hören, wie das extrem relaxte, von wunderschönen Melodien getragene „Did you ever“, welches vor Melancholie nur so strotzt und doch eine sehr hoffnungsvolle Atmosphäre besitzt. Es ist eben noch nicht zu spät. Pure Magie wird hier offenbahrt. Ravens‘ Head sind keine typische Truemetalband, wie wir sie tagtäglich in fast schon inflationärer Zahl erdulden müssen. Keine schwuchteligen Trällermelodien, keine auf hart getrimmten Popsongs, dem Gaylord sei Dank! Und mal ehrlich, wen würde ein Song wie „The Gates of Hell“ nicht mitreißen, balladesk beginnend mit einer der ergreifendsten Melodien der Rockgeschichte, sich dann nach und nach steigernd bishin zu einer beinahe explosionsartigen Wendung in Richtung Powerriffing. Im stampfenden Mid Tempo entwickelt dieses Stück eine unglaubliche Wucht. Das Solo ist von erhabenem Irrsinn. Hier tut sich ein Hardrockklassiker auf, wie ihn einst Bands der Marke Winterhawk, Amulet, Y & T, Full Moon, Sorcery und Deep Purple gespielt haben könnten. Monumental, wirklich monumental, von mitreißender Eingängigkeit und gewaltiger Tiefe. Auf dieser Basis fußen hier alle Stücke, ob nun straight ahead oder episch. Die Soli spielen eine gewaltige Rolle, werden hingebungsvoll zelebriert und einem Notenfeuerwerk gleich inszeniert. Das Rhythmusfundament trägt den Geist des Hörers hinfort, die Seele, welche vom Gesang in Brand gesteckt worden ist. Zeitlos, jawoll ja, völlig Zeitlos ist diese Scheibe. Vielleicht erinnert einen die Produktion an die heutige Zeit, aber natürlich verdirbt sie den Charakter der Stücke nicht, wie leider bei vielen anderen Bands immer und immer wieder. Sie ist warm, lebendig, freundlich. Ravens‘ Head geben wirklich einen Dreck auf irgendwelche Dogmen, die ihnen vielleicht die Truemetalsippschaft aufdrücken wollen könnte. Sicher, dort könnte ein nicht unwesentlicher Teil ihrer Klientel hausen, aber deswegen sich gleich zum Affen machen und in Klischees suhlen, die ohnehin schon einen realsatirischen Zug angenommen haben, no fucking way. Hardrock und Metal gehen bei den Australiern Hand in Hand, marschieren einträchtig beieinander in Richtung Schlachtfeld Musikindustrie, wo sie hoffentlich eine Chance zum Marodieren bekommen. Wenn Rachel ganz frivol die Lippen spitzt und fragt: „Do yu believe“, was schreit Ihr da wohl? YES!YES!YES!YES! Killer!

VERGANGENE GROSSTATEN: CLOVEN HOOF - Cloven hoof

2010-04-14T07:38:00.000-07:00

(1984, Neat Records, UK, 34.09)
01. Cloven Hoof
02. Nightstalker
03. March of the Damned
04. Gates of Gehenna
05. Crack the Whip
06. Laying Down the Law
07. Return of the Passover
Man muß der heutigen Metalgeneration ja mal ein paar Schläge auf den Hinterkopf verpassen, damit sie sich ihrer wahrhaftigen Herkunft besinnt und der Magie, die sie selbst schon längst verdrängt hat, wieder Herr wird. Und was eignet sich dazu nicht hervorragender als eine alte Cloven Hoof Scheibe? Obschon die späteren Alben wie „Dominator“ und „A sultan’s ransom“ von gar erstklassiger Qualität waren ist das dämonisch - theatralische Debüt wahrlich das bekannteste und verbreitetste Werk der Briten. Und es geht sogleich in die Vollen mit der Bandhymne „Cloven Hoof“. Sie beginnt mit einem treibenden, mittelschnellen Part, auf dem eine eruptiv erscheinende Gesangslinie liegt, geht über in einen ruhigen, dunklen Abschnitt, der etwas beschwörendes an sich hat, macht eine Biege zurück zur schieren Kraft des Stahls, läßt für kurze Zeit nochmal die Ouvertüre in Erscheinung treten und begibt sich weiter des Weges, eine andere ruhige Passage leitet den sehr intensiven Schluß ein, über dem sich infernalische Soli türmen. Sänger David hat eine angenehme, in mittleren Lagen beheimatete Kraftstimme, mit der er den Songs den letzten Schliff verpaßt. Cloven Hoof sind in ihrer Ausrichtung sicher unkompliziert und dennoch nicht oberflächlich. „Nightstalker“ ist im Anschluß an „Cloven Hoof“ eine straighte Bangerhymne mit eingängigem Refrain und schön schwerem Riffing, hat alles in allem einen erdigen Touch. Dennoch auch hier können es die Engländer nicht lassen, einen Song im Song einzubauen, ein Solopart mit abgeändertem, tänzelnden Rhythmus und düsterer Melodie. GEIL! Quasi den „Nightstalker“ symbolisierend, wie er Dich des Nachtens heimsucht, hehehe. Da laufen einem doch eiskalte Schauer über den Rücken. Ein kurzes Instrumental, getragen und doch von Heavygitarren dominiert, ein Marsch der Verdammten, schließt sich an. „March of the damned“ hat eine melancholisch wirkende Melodie, welche über einen wahrlich majestätischen Ausdruck verfügt. Nächstes Stück ist die Hymne „Gates to Gehenna“, oftmals als LP Titel angesehen. Ein mittelschneller Heavysong basierend auf einem Triolenrhythmus, mit gewaltigem Refrain und einigen sehr sphärischen Breaks. Die Ausstrahlung hat etwas sehr dämonisches, als sei einer der Fürsten der Finsterniß persönlich im Studio zu besuch gewesen und man hätte ihm zu Ehren nun einen Willkommenssong angestimmt. So sollte Metal klingen, besessen, einfach nur besessen, man höre hier nur Sänger David, wie er seine Obsession hinausschreit. Cloven Hoof verfügten damals nicht gerade über einen absoluten Supersound, auch für 80er Verhältnisse nicht, dem Material hat das jedoch nur gutgetan, es explodiert nahezu vor Lebendigkeit und furioser Leidenschaft. „Gates to Gehenna“ wechselt übrigens auch kurzzeitig seine Ausrichtung, ein Song im Song, diesmal etwas länger. Die verwendeten Parts sind allesamt straight und nachvollziehbar arrangiert, so daß die Hörerschaft keine Furcht vor übertriebener Zurschaustellung musikalischer Fähigkeiten haben muß. Und wem der vorherige Song zuviel des Guten war, der wird mit „Crack teh whip“ entschädigt, einem einprägsamen Hardrocker stampfender Natur, dessen Gitarrenlinien einfach, aber auch verdammt heavy und effektiv sind. Cloven Hoof sind quasi die britische Antwort auf Cirith Ungol und Manilla Road, rockig eben, ultraheavy, kauzig, erfüllt mit Magie und inspiriert, einen völlig eigenen Weg zu gehen. „Laying down the law“ ist ein weiterer Beweis für diese These, straight ahead schreddernd, mit kraftvollen Berserkervocals und wieder diesen betörenden Melodien. Episch und dazu noch völlig wahnsinnig wird es mit dem neunminütigen „Return of the passover“. Es beginnt mit einem wahrlich an Düsterniß kaum zu übertreffenden Part, bei dem nur Gitarren zu hören sind, einige heavy, andere vorsichtig vorausfühlend, wieder andere infernalisch gestrichen wie mit einem Geigenbogen. Eine satanische Symphonie zur Einstimmung und dann ein stampfendes Riffinferno mit einer Dich fortreißenden Melodieführung. Wieder simpel, dennoch aber extrem beschwörend in der Wirkung. Die majestätischen Soli bei diesem Song und seine schiere Wucht lassen ihn zu einem absoluten Klassiker seiner Ära werden. Man wird von seiner Intensität einfach hinfortgeweht, ohne auch nur annähernd Widerstand leisten zu können. Der ganze Song hat zuweilen einen echt doomigen Charakter, was damals nicht ungewöhnlich war. Für alle NWoBHM Heads natürlich eine Pflichtübung, auch wenn die meisten die elegantere Spätphase mit Sänger Russ North und eternalen Kultscheiben wie "A sultan's ransom" bevorzugen. Ich finde beide Welten, in welchen der gespalt'ne Huf je stand, unsterblich betörend schön.

VERGESSENE JUWELEN: SLEEPY JOHN - Sleepy John

2010-03-17T23:54:00.000-07:00

(1970 / 2004, USA, Gear Fab, 72.38)
01. River
02. Al capa strong
03. Nothing
04. Dragons
05. Prelude to a dream
06. Seasons
07. Losing my plow
08. Hard workin‘ woman
09. I’m just happen to be (in love with you)
10. Monday blues
11. You say
12. Trying to fly
13. Blue sky
14. Cowboy
15. Searching for the world
Die Musik auf dem vorliegenden Album entstand schon 1970, daher sollte man sich nicht darüber wundern, daß hier kein rasender Powermetal, sondern entspannter und doch oft sehr entfesselter Heavyrock mit feurigem Gitarren – und Orgelspiel zu finden ist, wie der komplett explodierende Schlußpart von „River“, dem eröffnenden Track uns unter Beweis stellt. Der Sound der Scheibe wird sicherlich heutigen Standards nicht mehr gerecht, ist aber lebendig und ehrlich, man hat das Gefühl, als stünde die Band direkt neben einem. Sleepy John standen immer noch an der Schwelle von den 60er Psychedelicbands zum 70er Hardrock. Ausladende, die Sinne raubende Jams und Soloparts gehören ebenso zum Repertoire wie geradlinige, aggressiv treibende Momente mit eindringlichen Melodien. Gerade der oft ekstatisch wirbelnde Drummer ist eine absolute Ohrenweide und nur ein kleiner Teil des packenden Gesamtbildes. Die Stücke sind verspielt, fließen aber sehr natürlich voran und bleiben nachvollziehbar. Ein paar Freakouts hier und dort lassen den Fluß der Stücke nicht stocken. Auch wenn die Gitarre nicht immer übelst verzerrt klingt, die sehr hingebungsvolle Art, wie sie bearbeitet wird, erweckt das Gefühl von immenser Wucht. Ab und an wird die Fuzzbox eingeschaltet und ein brodelnder Zerrklang schleicht sich ein und säbelt Dir die Bauchdecke auf. Nach zwei harten Rockern braucht übrigens jede Band einmal eine Pause, da kommt eine mit üppigen Orgelarrangements versehene, in Melancholie schwelgende Ballade wie „Nothing“ gerade recht. Auch hier gibt es einige Augenblicke, in denen sich die Band der Dramatik des Stückes halber in lautere Gefilde begibt, die dann aber wieder den sanftmütig dahinschwebenden Passagen Platz machen. Oder man beachte die vollkommen irre instrumentale Mittelpassage von „Dragons“, welche mit manischen Leads vollkommen hypnotisierend wirkt. Der Hardrock ist hier nicht alleiniges Stilmittel, auch softere, versponnen schwingende Songs mit leichtfüssigerem Ausdruck werden kurzerhand eingeflochten, beschwören eine friedvolle Sommerstimmung herauf mit ihrem tänzelnden Beat und der betörende Melodien singenden Leadgitarre. Das war damals, 1969/70 eben noch so Usus, nicht eindimensional zu denken und zu komponieren und doch das Material durch einen markanten Punkt wie aus einem Guss klingen zu lassen. Das ist Sleepy John geglückt. Vergleicht man diese Band mit der heutigen Mainstreamrockmusik, sollte man immer mit vor Ekel verzerrtem Gesicht der modernen, uninspirierten Plastikmucke den blanken Arsch zuwenden, um es mal salopp zu sagen. Entweder wird heute psychotisch gebrüllt, gelangweilt herumgenölt oder gejammert. Sleepy John hatten Leidenschaft und ungezähmte Lust in ihren Stücken, wechselten gerne die Passagen von den Hauptthemen hinein in Jams, aus denen komplett abgeflogene Soloeinlagen oder den Hörer in Trance und Ekstase versetzende Melodien und Läufe hervorgingen. Wie beim eigentlich schwebenden „Seasons“, in dessen Mittelteil nach osteuropäuischer Folklore und Psychedelic Heavyrock klingende Passagen eingegliedert werden, zwischen denen die Band locker und ohne Stockungen wechselt. Der Song allein hat mehr verschiedenartige Passagen als manche Band in ihrer gesamten Diskographie. Er schwillt an, wird sehr intensiv und zwingt Dich zum Veitstanz, er fließt in schwebendere Momente über, gerät in verspielte, Abschnitte hinein mit verdrehten Brücken, wird dann geheimnisvoll und dunkel, rockt bodenständig und endet mit einem Schrei und Gitarrengefiedel nach der Wiederkehr der folkig anmutenden Läufe aus dem Mittelteil. Wow...ich muß mich erst mal setzen. Ein irgendwo zwischen Country und Klamauk angesiedelter Song schließt sich an. „Losing my plow“. Beinharte Rocker mit Scheuklappen werden jetzt laut aufschreien, als komödiantische Einlage ist das hier allerdings sehr erfrischend. Spielerisch, das merkt man gleich, sind Sleepy John bei den hochklassigen Bands zu suchen. Immer wieder bringen sie Einfälle, die das Material sehr abwechslungsreich machen und natürlich erfordern, daß man sich öfter damit beschäftigt. Für reine Hardrockfanatiker wird die Scheibe zum Spießrutenlauf, das kann ich schon jetzt behaupten. Man bringt bluesige Einlagen, die so verschmitzt wirken, daß es schon parodistischen Charakter hat und das nicht einmal, aber man bringt dies so ehrlich und authentisch, daß man es der Band einfach abnimmt. Wenn man sich also an eine sehr vielschichtige Band mit ebensolcher CD herantraut, sollte man sich Sleepy John mit dem selbstbetitelten Erstling auf den Einkaufszettel kritzeln. Genügend Persönlichkeit besitzt hier selbst der standardisierteste Blues, daß man von mangelndem Wiedererkennungswert wohl kaum sprechen kann. Es macht einen Heidenspaß, den vier jungen Herren bei der Darbietung zu lauschen. Ähnlich geartet, vielleicht etwas wilder, war das erste Led Zeppelin Album, welches gut anderthalb Jahre zuvor erschien. Sleepy John hatten leider nie das Glück einer regulären Veröffentlichung, erst 2004 erbarmte sich das US Label Gear Fab, die beiden 70er Aufnahmesessions als CD rauszuhauen. Das Ergebnis spricht für sich.
Die CD ist schön aufgemacht mit Bandgeschichte und Illustrationen. Mit knapp 73 Minuten ist sie auch nicht zu kurz.

SEASONS OF THE WOLF - Once in a blue moon

2010-03-17T23:51:00.000-07:00

(2007, USA, Eigenpressung, 56.38)
01. Wings of doom
02. Snaggletooth
03. Nikhedonia
04. Ghost woman
05. In the shadows
06. Behind the eyes of evil
07. The reaper
08. Battle scars
09. Alien landscapes
10. The edge of time
11. Peace on earth
12. Name your poison
Dies ist nicht das erste Album der amerikanischen Formation SEASONS OF THE WOLF, sondern, lasst mich mal zählen, bereits die vierte Veröffentlichung und es hat sich irgendwie nicht viel verändert. Barry "Skully" Waddell, sein Bruder Wes und ihre Mannschaft donnern einen eigenwilligen, typisch amerikanischen Powermetal mit dunklen, aber sehr eingängigen Melodien und hintergründig agierenden Keyboards. Letztere sollten nicht überbewertet werden, denn man legt das Gewicht eindeutig auf die sehr natürlich klingende Gitarre von Skully. Am Sound ist eigentlich auch nichts zu meckern, eventuell am zuweilen etwas klinischen Schlagzeug, bei dem man aber vom Spiel her merkt, daß da ein Mensch sitzt. Aber auch das ist gut im Mix untergebracht. Nach zwei schnellen, fetzigen Metalhymnen an den ersten beiden Startplätzen schwenken SOTW beim dritten Stück plötzlich um. Ruhiges, dunkles Intro auf der Gitarre mit dezenter Keyboardbegleitung, dann ein schleppender Beat, schleppende Gitarren, mysteriöse Keyboardläufe und beschwörender Gesang. Wes Waddell singt hier zumeist in mittleren Lagen, sehr emotionsgeladen, geht aber auch gerne höher. Der Song ist bis auf eine kurze Passage düster und morbide. Das waren nun "Wings of Doom", "Snaggletooth" und "Nikhedonia".
Was kommt jetzt? "Ghost Woman". Aha, okay. Das eröffnende Riffing rockt schon mal gewaltig, die Strophe hat einen sehr eingängigen Ausdruck, geschickt werden die Geschwindigkeiten variiert. Amerikanischer Melodicmetal auf Düsternis getrimmt? Der Gesang kann reichlich kauzig wirken. Die Keyboardorgeln über den schrubbenden Riffs geben dem Stück eine majestätische Ausstrahlung. Skully soliert im klassischen Heavyrockerstil und sollte Vögel wie Michael Schenker locker in Richtung Wand spielen. Ein potentieller Minihit, dem auch der eigenwillige Stil Wes Waddells mit seiner screamigen Stimme in den Höhen nichts anhaben kann. Einem Rob Halford lassen wir das auch durchgehen, oder? Geiles Teil!.
Das Intro zu "In the shadows" wirkt poppig, nein, der groovige Song wirkt eher mainstreamig. Bluesig, mit Offbeat Rhythmen, aber sehr cooler Melodie in Strophe und vor allem Refrain. Ist mal anders, ist einprägsam und gefühlvoll inszeniert. Auch wenn SEASONS OF THE WOLF die Musik nie neu erfinden, man meint nie wirklich, daß ihre Songs einem wohlvertraut vorkommen. Das ist ihr Vorteil. "In the shadows" wird dann zum Solo hin ein wenig energetischer, Skully geht hier in die Vollen. Der klassische Rock bleibt aber insgesamt erhalten und das balladeske Feeling auch.
Ohne die Vocals hätte das hier von den PINK FLOYD der späten 80er, David Bowie der frühen 80er, eventuell den Rolling Stones zur gleichen Zeit sein können. Nicht Metal, höchstens Poprock, aber atemberaubend schön gemacht.
Zwischen erdigem Stampfmetal und schleppenden, dunkleren Parts bewegt sich "Behind the eyes of evil", das auch wieder majestätische Riffs, Leads und makabre Synthieläufe vereint, sowie Wes Weddells unnachahmliche Stimme. Eigentlich ein guter Hardrocker, der aber durch eine massive Dosis Mystik und Doomfeeling herrlich abgedreht klingt. SEASON OF THE WOLF spielen gerne mit klassischen Hardrockthemen herum, aber sie machen diese zu ihren ganz eigenen Stilmitteln.
"The reaper" kommt im Anschluß an "Behind the eyes of evil" und sorgt mit kraftvoller Strophenmelodie, packendem Riffing im wiederum hardrockigen Stil, wuchtigen Orgelkeyboards und Wes' emotionalem Gesang für Hitstimmung. Das Teil hat Charakter und Seele. Eventuell hätte der Refrain noch ausgeprägter sein können, noch mitreißender, aber das sind Oberflächlichkeiten. Skully bürstet seiner Klampfe diverse nackenzerbrechende Riffs vom Hals.
Eine Metalhymne mit galloppierendem Leitriff ist dann "Battle scars" und hier gibt es diesen hymnischen Powerrefrain, wie ihn heuer soviele Bands wieder und wieder angehen und kläglich daran scheitern. Obschon "Battle scars" der typischste Heavy Metal Song hier ist, SEASONS OF THE WOLF brillieren. Man will die Fäuste gen Himmel strecken und lauthals mitgröhlen. Geiles, wildes Solo von Skully, dann eine kurze, nur vom Synthie übernommene Passage, die Gitarre brät rein und jemand spricht mit verzerrter Stimme hierüber. Klassischer 80er Stil. Die Band steigt erneut ein und spielt einen doomig - schleppenden Abschnitt, den Skully wieder mit seinen irren Leads veredelt, dann geht es wieder zurück ins galloppierende Hauptthema des Stückes. Warum kann ein Rock'n'Rolf das nicht mehr? Warum können MANOWAR soetwas nicht mehr? Warum ist mir das angesichts der neuen SEASONS OF THE WOLF Scheibe so egal?
Stakkatokeyboards und ein Hammersolo bilden den Anfang von "Alien landscapes". Während die Synthies den spacigen Touch geben, sorgt das Solo für Erdverbundenheit. Das Schlagzeug setzt ein und es geht weiter, nun bekommt der Song einen tranceartigen Ausdruck. Der Song schlägt irgendwann in einen sphärischen Spacerocker um, der auch HAWKWIND auf deren letzter Scheibe gut zu Gesicht stünde.
Stampfend und düster rockend gerät man an "The edge of time" und es bleibt dabei, hier wird erdig, aber finster gerockt und gedonnert, daß einem die Haare zu Berge stehen und der ganze Körper mit einer Gänsehaut bedeckt ist. Killer Synthiesolo im Mittelteil!
"Peace on earth" ist energetischer, aggressiver mit abgeflogenem Gesangseffekt. Wes schimpft mehr als daß er singt, aber das mit unheimlich eindringlicher Stimme. Der Gesamtausdruck des Stückes ist wieder spacigerer Natur. Ein stapfender Part mit coolen Bassläufen und packendem Beat macht sich breit. Entwickelt sich zu einem majestätischen Moment puren Dooms und gerät dann wieder in Fahrt. Der Song legt gewaltig an Intensität zu, scheint schier zu bersten, explodiert letzten Endes in spacigen Lärm hinein und ist weg.
Und am Ende des Albums grooverockt uns "Name your poison" mit Spacerockorgeln, Insgesamt schwebt der Song die ganze Zeit um Dich herum und die eigentlich typische Hardrockgesangslinie piesackt Dich regelrecht. Skully entlockt der Klampfe feine Riffs und Leadharmonien. So kann man also auch aus erdigem Heavyrock noch spannende Musik zaubern, eh? Du gehst bei diesem Song absolut mit, die Beats packen Dich, wirbeln Dich durcheinander.
Ganz atemlos verlässt Du nun dieses Album, brauchst ein paar Sekunden Erholungszeit. Dann bist Du wieder voll da und willst mehr davon, mehr, viel mehr. Killerscheibe und absolute Empfehlung!

OGRE - Seven hells

2010-03-17T23:45:00.000-07:00

(2006, USA, Leafhound Records, 56.27)
01. Dogmen (Of Planet Earth)
02. Soldier Of Misfortune
03. The Gas
04. Woman On Fire
05. Review Your Choices (PENTAGRAM-Cover)
06. Sperm Whale
07. Fleash Feast
Die 70er sind ja wieder schwer im Kommen, weil gerade damals die Rockmusik einfach frischer, inspirierter und leidenschaftlicher klang, ohne zu viele Genredogmen und mit sehr ungezwungener Kompositions – und Spielweise. Und da kommen stellvertretend für die neue Welle urtraditioneller Rocker OGRE aus dem US Bundesstaat Maine ins Spiel. Anders als bei vielen aktuellen Bands schwingen sie keine aggressiv – stumpfe Stonerkeule, sondern orientieren sich am beseelten Spiel der Frühzeit, klingen dabei aber frisch und wirklich inspiriert. Wäre da nicht beim Opener der verzerrte Bass an einer Stelle, den man eher bei britischen Hardcore / Metal Bands der späten 80er vermuten würde, kein Mensch würde einem Glauben, daß OGRE eine aktuelle Band im Alter so von Anfang bis Mitte 30 sind. Kommen wir nun zu den Songs. „Dogmen (of planet Earth)“ nennt sich der wild rockende Opener, welcher schon gleich mit einer herrlich schaurigen Sci Fi Geschichte aufwartet, bei der es um zur Erde zurückkehrende Weltraumreisende geht, die feststellen müssen, daß ihr ehemaliger Heimatplanet nun von sehr hungrigen Hundemenschen bewohnt wird, inklusive Gemetzel beim Rückweg zum Schiff natürlich. Ein markantes, aber dennoch urtraditionelles und irgendwo wohlvertraut klingendes Grundriff und die frech frivolen, etwas helleren, nasalen Vocals von Bassist Ed Cunningham sorgen musikalisch für helle Freude. Klar, OGRE erfinden den Heavyrock garantiert nicht neu, aber immerhin klingen sie so, als hätten sie ihn gerade neu erfunden. Ross Markonish an der Leadgitarre brennt einen mörderischen Lauf nach dem nächsten von ihrem schlanken Hals, lässt sie wie einen getroffenen Hundemenschen aufjaulen, erfüllt sie mit der Seele des Blues und der morbiden Schönheit des Todes, welche dem Doom entströmt (der ja seine Wurzeln auch im Blues hat, oder woher kommen BLACK SABBATH nochmal?). Schon hier wird klar, das Zusammenspiel der Musiker ist traumwandlerisch. Einer legt vor, die anderen steigen drauf ein, ohne daß sie großartig festgelegte mathematische Songstrukturen brauchen. Pure Magie.
Richtig schmierig doomig geht es dann in „Soldier of misfortune“ weiter, welcher einen mahnenden Mittelfinger in Richtung der Kriegstreiber im amerikanischen Senat ausstreckt. Warum die Geschichte ausgerechnet aus der Sicht eines Vietnamsoldaten erzählt wird, liegt wohl daran, daß dieser Krieg für die USA die entwürdigendste Niederlage in ihrer militärischen und politischen Geschichte war und zudem noch mit grausamsten Mitteln geführt wurde, noch grausamer als der zweite Weltkrieg vielerorts. Ross‘ Leadgitarre jault und brummt hier vollmundig und betört den Zuhörer auf der Stelle, zum Ende hin bricht die doomige Struktur des Stückes auf und man wird mit einem lockeren, treibenden Boogeypart inklusiver schön ungezähmter Soli nochmals durchgepeitscht.
„The gas“ walzt tonnenschwer in bester alter 70er Doommanier aus den Speakern, die Melodie ist so elegant simpel wie eindringlich gehalten, daß sie sich augenblicklich in die Seele einfräst. Herrlich wieder das Zusammenspiel der Musiker, an einer Stelle gibt es eine Betonung vom Schlagzeug mit den Becken, von der jaulenden Leadgitarre und einem jodelnden Schrei von Basser Ed, die ganz unisono im Song eingebaut sind. Es ist nur eine kurze, aber sehr herausstechende Passage, die sehr auffällig die Klasse der Band unterstreicht.
Gehen wir mal einen Schritt fort vom Doom, hin zum mächtig groovenden 70er Hardrock, jener wird bei „Woman on fire“ exzessiv zelebriert mit brodelnden, eruptiven Riffs, einer Unmenge an sehr entfesselten, kaum enden wollenden Wahwahsoli, die sich in ihrer Intensität mit zunehmender Spieldauer noch steigern, ein paar schleppenderen Momenten und natürlich der packenden, mitreißenden Eingängigkeit, die dem ganzen Genre zueigen war und ist, insbesondere aber den Songs von OGRE, um die es hier geht. Die Jungs fetzen wie besessen, sind dabei die coolsten Rocker auf Erden, speziell der Nasalgott Ed Cunningham, der wie ein reinkarnierter Bon Scott klingt, allerdings fieser, theatralischer, mystischer. Ein absolut charismatischer Sänger.
Kultig wird es mit dem nächsten Stück, einer Coverversion der US Doompioniere PENTAGRAM, die zeitgleich mit BLACK SABBATH den Lavarock vorantrieben, ihn mit erfunden haben, leider aber nie die ihnen zustehenden Erfolge feierten. „Review your choices“ heißt deren 99er Album, so heißt auch dieser Song und doch ist er gar nicht so brandneu, sondern entstammt, gleich einem Großteil des Repertoires PENTAGRAMS auf ihren aktuellen Alben, den frühen bis mittleren 70ern. Der Song in der OGREschen Fassung ist Doom, Blues, Hardrock, emotional, eigenwillig und mitreißend. Natürlich ist es nicht leicht, PENTAGRAM Sänger Bobby Liebling vom stimmlichen Ausdruck (weil, ein Techniker ist der nicht wirklich) her nahezukommen, Ed Cunningham schafft das, auch wenn seine Stimme komplett anders klingt. Es ist die Theatralik, dieses beschwörende Element. Herrlich.
Noch zwei Songs, dann sind wir mit der Scheibe durch. „Sperm whale“ ist ein zum größten Teil instrumentaler Rocker zwischen den üblichen OGRE Zutaten, doomig, bluesig, treibend hardrockig, er fetzt mit eindringlichen, packenden Riffs, richtig leidenschaftlichen Wahwahleads, bei denen Band wie auch Zuhörer in einen Trancezustand fallen sollten, bekommt dann aber eine für heutige Musik besondere Wendung. Ein monumentales Schlagzeugsolo, wie es vor 36, 37 Jahren viele Bands am Start hatten, selbst auf ihren Scheiben, wird hier äußerst wild und lustvoll inszeniert. Drummer Will Broadbent ist ohnehin ein Rhythmuswizard, nur am Wirbeln und am kloppen, die verrücktesten und doch coolsten Figuren am Basteln, hier tobt er sich aus. Irgendwann springt das Stück zum Ende hin in eine Passage mit spacig jaulender Gitarrenarbeit, dazu einer straighten Basslinie und eben jenem eruptiven 70er Drumming über, auf der Basser Will ein paar Zeilen erzählt, dann auch singt. Mit einem bluesigen Scream geht es wieder in den Anfangspart zurück zum groovenden Hardrock. Man ist bis hierhin gekommen und restlos begeistert, aber auch restlos ausgelaugt, denn diese Scheibe reißt mit, fordert, schleudert Dich umher.
Nun darf man ausruhen, tief unten in modrigster Gruft, denn es ist Zeit für einen der mystischsten, düstersten Doomsongs aller Zeiten. „Flesh feast“, schrabt sich schwerfällig mit von morbiden Synthesizerklängen untermaltem Grundriff aus den Boxen. Ross haut immer wieder herrlich fantasievolle Melodiebögen in das schleppende Gewalze hinein, während Ed einfach alles in Grund und Boden singt. Wow. Dies ist einfach eine wahnwitzige Hymne reinsten Dooms. Ein monumentaler Abschluß für ein monumentales und doch so bodenständiges Album. Solch ehrliche und sympathische Band ist ein seltenes Vergnügen in unserer harten Rockmusik geworden, also hegt und pflegt sie gut. CD gibt es direkt bei der Band als Japan Import für 18,00 US$ inklusive Porto. Schreibt den guten Ross doch mal an, der beißt nicht.

NO BROS - Hungry for the good times

2010-03-17T23:35:00.000-07:00

(2006, Österreich, Eigenpressung, 50.10)
01. Manifest Your Destiny
02. Hello Hello
03. Three Horned Dragon
04. Way More Of This
05. Hungry For The Good Times
06. Carry On
07. Caledonia
08. What’s Going On In Paradise
09. Creed For Flesh
10. Blind
11. Metal Thanks
Ja ist das ein Hammer! Eine neue NO BROS Scheibe nach 20 Jahren Pause, dann noch mit einem meiner Lieblingssänger, Lem Enzinger von den österreichischen Kultmetallern U8, die es damals locker als Mischung aus RUSH und SAXON hätten schaffen sollen und doch nur Kultstatus genießen. Wie auch immer, ich schweife ab vor Begeisterung. Lem singt zwar um einiges bluesiger und tiefer als früher, aber ist und bleibt ein klassischer Heavyrocker, der zu den ganz Großen gehört. Nun ist er der „Neue“ in der Band, die Restbesetzung hat schon auf den klassischen NO BROS Scheiben der 80er aufgemuckt, daß sich die Balken bogen. Die inzwischen leicht angegrauten und etwas weniger behaarten Herren sind mit der neuen Scheibe zurück zu ihren frühen Werken gegangen, also ganz klassischer, straighter Heavyrock mit fetten Orgelsounds, einigen coolen, abgeflogenen Synthies, krachender, straighter Gitarrenarbeit mit wirklich leidenschaftlich inszenierten Soli von Ösi Legende Klaus Schubert (mit dem Sänger Lem ja auch schon länger Musik macht) und erdigen, treibenden Rhythmen. NO BROS machen mit diesem Album mal eben einen großen Teil der neuen Scheiben klassischer Bands unnötig, bringen RIOT an den Rand des Absturzes (wobei deren aktuelle CDs noch sehr nett sind), treiben UFO darüber hinweg, lassen Bands wie die finnischen Chartstürmer und Grand Prix Gewinner LORDI als eben die Clowns dastehen, die sie auch sind. Hier reiht sich eine Hymne an die nächste, ganz urtraditionell, dem Hörer angenehm vertraut vorkommend im typischen Stil der frühen 80er und sogar späten 70er, aber voller Frische und Liebe zur Musik steckend. Da können sich ähnlich geartete Neubands und alte Helden noch was abgucken. Ich will hier keine Bands dissen, aber NO BROS zeigen echt mal wieder, wie solche Musik donnern und krachen kann, nein, muß. Klar sind sie mainstreamtauglich und natürlich werden sie fettere Konzerte geben, aber hey, Underground oder Mainstream oder irgendwo dazwischen, solange die Songs so dermaßen reinfetzen wie bei NO BROS ist es alles vollkommen egal, Klassifizierungen zählen da nicht, sondern nur das Herzblut, welches durch die Songs strömt. So ist der Hardrock alter Schule noch schön lebendig! Ganz großes Kino!

VERGANGENE GROSSTATEN: AXEGRINDER - Rise of the serpent men

2010-03-17T23:29:00.000-07:00

(1988 / 2006, UK, Peaceville, 63.53)
01. Never Ending Winter
02. Hellstorm
03. Life Chain
04. War Machine
05. Evilution
06. Rise Of The Serpent Men
07. The Final War
08. Malfunction [Bonus]
09. Virtual Reality [Bonus]
10. I Need Face [Bonus]
11. Slow Motion Rewind [Bonus]
Ein eher besinnlicher, unverzerrter Gitarrenlauf zu Beginn, dann eine stampfend metallische Einleitung, wohin soll uns diese Scheibe noch führen? AXEGRINDER kommen aus dem England der späten 80er und haben ihr Album über Peaceville veröffentlicht, das kann also nur finsterster Grindcore sein. Okay, ganz so derbe sind sie nicht. Der erste echte Song „Hellstorm“ ist wuchtiger, dreckiger Metal mit thrashigen, punkigen und fett rock’n’rolligen Elementen, wie ein Mix aus CELTIC FROST, DISCHARGE und MOTÖRHEAD. So soll es dann auch weitergehen. Es groovt und treibt ohne Ende, nach den groovigen Passagen wartet man aber vergebens auf ein Blastbeatfeuerwerk. AXEGRINDER legen mehr Wert auf die ultimative Wucht denn auf sinnloses Geprügel. Verzerrt scheint hier alles, Bass, Gitarre, Gesang. Das macht den Anfang von „Life Chain“ so besonders spannend. Nun denkt man aber, daß es gleich im NAPALM DEATH Höllentempo losgeht, wenn der tänzelnde Anfang vorüber ist und sich Sänger Trev mit tiefer, rauher Stimme ausgeschimpft hat. Nein, dem ist nicht so. Das stets vor sich hin donnernde und doch groovende Feeling des Openers wird übernommen. Es fällt auf, daß die Stücke sehr eingängig sind. AXEGRINDER waren wohl in den späten 80ern das, was man heute als „Metalcore“ einstufen würde, eine gelungene Symbiose aus wütendem Hardcore und fiesem Thrash und Deathmetal. Bei „Life Chain“ gibt es sogar einen schönen, etwas flotteren Solopart, was eben die Metaleinflüsse nochmals unterstreicht. Mir fällt dieser scheppernde, aber ultimativ düstere Gitarrensound an allen Ecken und Enden auf. Ein schönes Keyboardintro gibt es für „War Machine“. Sehr melancholisch und dunkel, fast an alte 70er Horrorfilme erinnernd mit Gothictouch. Ja, schräg, aber warum nicht? Dann bricht die Hölle los. Das Schlagzeug wirbelt entfesselt, die Gitarren feuern intensive, mitreißende Riffs ab und der Bass pumpt aggressiv im Hintergrund. Dann ein Bruch, nur Bass, zurückhaltendes Schlagzeug und unverzerrte Gitarre, wieder ein Umschwung in eine mittelschnell walzende, alles zermalmende Passage mit diesen herrlichen Mühlsteingitarren und schon geht der fünfte Song mit einem Basslauf sehr ruhig aber spannend los. „Evilution“ steigert sich in einen Rifforkan rein, der zwar für Sekunden straight nach vorne marschiert, aber wieder in diesem wellenhaften Groove vom Schlagzeug endet. Irgendwo in der Mitte des Stückes bekommt man ein jaulendes Gitarrensolo serviert und einen sehr eingängig wirkenden Refrain, dann noch ein Tappingsolo und wieder Gejaule. Was sind AXEGRINDER eigentlich? Deathmetaller? Rocker? Punks? Musikalisch war die Symbiose perfekt, machte und macht unheimlich Spaß. Der Sound ist natürlich anders als heute. Digitale Glanzproduktionen gab es 1987/88 noch nicht, Satan sei Dank. Hier klang alles räudig, dreckig und infernalisch, dadurch aber so natürlich und lebendig wie nur möglich. Leben ist nicht perfekt! Perfektion bedeutet Tod. Okay, back to the Music! Wieder geht es mit unverzerrten Gitarren, zurückhaltend im Indierockstil los. Dann sägt auf einmal eine Zerre rein und es wird verdammt heavy. Aus den Riffs sprechen die Emotionen, die rohen, tiefen Vocals sprühen über vor Zorn. Der Song ist gut arrangiert und auch wenn das Spiel sehr entfesselt und rauh klingt, die Band spielt exakt. Sie sind keine technoiden Instrumentalgötter wie damals MAJESTY (die sich ein Jahr später in DREAM THEATER umbenannten und ihr gefeiertes Debüt rausbrachten), sie spielen einfach mit Leidenschaft und intensivsten Gefühlen, die aus jeder brodelnden Note strömen. Tolle Steigerungen auf Bass und Gitarren durchdringen Deine Sinne, setzen sich unweigerlich in Dir fest. So sehr es auch scheppert, „Rise of the Serpent Men“ ist richtiggehend melodisch. Ein langer und sehr progressiver Song.
Piano vom Keyboard leitet „The final War“ ein. Nun wird es gänzlich schmusig? Klare Gitarren betören Dich, eine entspannte, schwebende Atmosphäre entsteht. Sobald Trev aber den Mund aufreißt, ist es mit der Herrlichkeit vorüber, zudem kommen einige Augenblicke später die Weltuntergangsgitarren wieder und walzen mörderisch über Deine Seele. Ja und dann? Dann tritt wieder der ruhige Part ein. Wow, doch nicht nur eine Einleitung. Dieser Abschnitt schwimmt in Melancholie und unterschwelligem Zorn.
Welch eine Scheibe! Klar, 1988 nur den Hardcorefreaks vorbehalten, weil es eben noch keine Möglichkeiten gab, sich mit Informationen vollzusaugen. Dabei hätte sie ebenso den Thrashfanatikern, Deathmetal (CELTIC FROST) - Fans (die damals ja von der „Cold Lake“ bitterst enttäuscht waren), Hardcoremaniacs und sogar toleranten Schwermetallern (die, denen alle Kaliber gefielen) eine Gänsehaut verschaffen können. Was nicht ist, wird vielleicht werden, oder? Ach ja, Bonustracks gibt es auch. Vier Stücke von WARTECH, der AXEGRINDER Nachfolgeband. Musikalisch war es sauberer, sehr progressiv, schräg und finster, aber noch immer metallisch. Vergleichbar sicherlich mit VOIVOD, KILLING JOKE und solchen Sachen. Die Songs sind sehr spannend, mit abgeflogenen Läufen, feurigen Soli, sehr kranken Melodien und Disharmonien. Wem sie nicht gefallen, der kann ja nach „The final War“ die CD abstellen, Wagemutige hören und genießen bis zum Ende.

VERGESSENE JUWELEN: GRAVY TRAIN - Staircase to the day

2010-03-17T23:16:00.000-07:00

(1974, UK, PYE, 43.57)
01. Starbright Starlight
02. Bringing My Life Back To Me
03. Never Wanted You
04. Staircase To The Day
05. Going For A Quick One
06. The Last Day
07. Evening Of My Life
08. Busted In Shenectady
GRAVY TRAIN hatten mit ihrem 1970er Debüt eines meiner frühen Lieblingsalben jener Tage abgeliefert, ein Mix aus dramatischem Hardrock, progressiven und folkigen Flöten, brodelnder Psychedelik und einem Schuß Blues. Nun hatten wir damals eben 1970 und die progressive Rockmusik war erst kurz davor, aus ihren Kinderschuhen auszubrechen. 1974, der Progrock hatte Hochkonjunktur und ich kam als einziges Kind meiner Eltern in einer lauen Sommernacht auf die Welt, waren GRAVY TRAIN schon meilenweit von progressiven Klängen entfernt. Hardrockiger Mainstreamsound mit ab und zu spacigem Einschlag wurde geboten. Der Opener „Starbright starlight“ war ein straight groovender Rocker mit eingängiger Melodie und einem mittelschnell anschubsenden Beat aus rhythmischen Orgelriffs, pumpendem Bass, hart geschlagener Akustikgitarre und schlacksigem Drumming. Zum Ende hin zirpen sphärische Synthieläufe darüber hinweg, was die Affinität zum Spacerock klarmachen soll. Eine gute Partynummer, sicher, man merkt aber schon, daß kompositorisch die Luft langsam dünn wurde. Ausgedünnt war sie dann gleich mit dem zweiten Song „Bringing life back to me“, einer schmalzigen Schmachtballade mit etwas mehr Dramatik im Refrain, allerdings auch aufgeblasenen Gospelchören an selbiger Stelle. Geschmeidig, radiotauglich, platt, aber doch nett zu hören. Das hätten NAZARETH nicht schmachtender hinbekommen. Seufz! Eigentlich ist sowas schon wirklich aus, wenn man sich das Debüt vor Augen hält, aber ich mag nach wie vor die angerauhte, charismatische Stimme des Sängers und ich gehöre auch zu den Leuten, die guten Mainstreamrock der 70er vertragen, so z.B. das 73er „Get your dog off me“ Album der Ex Progger BEGGAR’S OPERA oder eben diesen Schmalztopf. Paßt schon, paßt schon. Reich und berühmt sind sie damit nicht geworden. Aber zum Glück ist das Geschmachte rasch vorüber und treibender Rock setzt ein. Boogey, Blues, recht flott gespielt. Die Gitarre könnte allerdings etwas mehr braten und was ist das da perlendes im Hintergrund? Ein E Piano? Eine Orgel? Ich weiß es nicht. Der Song hat ordentlich Schmackes, trotz der Mundharmonika und der fehlenden Hardrockgitarre. „Never wanted you“ hat einen leicht verspielten Mittelteil, der sich langsam immer mehr steigert und dann wieder in schwelgerischem Mellotronpomp landet. Aber schön gemacht! Coole Screams des Sängers und doch einige energiereichere, aber nicht direkt „heavy“ zu nennende Passagen. Der Titelsong bringt die vom Debüt her liebgewonnene Melancholie mit unverzerrter Gitarre und betörenden Flötenläufen, die später Unisono mit der Gitarre laufen, zurück. Verträumte Psychedelic, melancholischer Pop der späten 60er, ein wenig folkige Atmosphäre mit Wurzeln im viktorianischen England, eine sehr schöne Regenwetternummer, eingängig aber doch mit Substanz und viel Gefühl, sehr einprägsam auch. Zwar nicht innovativ, aber einfach nur schön. Die betörende Leadgitarre verweist auf die großen Brüder PINK FLOYD, während man doch insgesamt mehr Pop in sich trägt. Verglichen mit der aktuellen Chartmusik, selbst dem80er Plastikmainstreamrock und den Schlagern der 70er ist das hier ganz großes Kino und auch ohne jetzt schlechte Musik heranzuziehen, um diese Scheibe besser dastehen zu lassen, dieser Song kann echt was. Analoge Synthies verschönern die Atmosphäre noch zusehends, das Mellotron und „Aaaah“ – Chöre treten hinzu. Natürlich ist das reichlich bombastisch und irgendwie in Gigantomanie versunken, aber solange dabei solche fetten Songs rauskommen gehe ich mit den Komponisten konform.
Mittelschnell dahinschlendernder Hardrock, sehr entspannt und cool, wird einem mit „Going for a quick one“ geboten. Alles klar, ein Ficksong, wie er im Buche steht. Ebenfalls nicht herausragend, aber packend genug, um mich zu überzeugen. Ein paar Choreinlagen und ein wenig Pomp sind auch hier nicht fehl am Platze, obschon es die Band wirklich erdiger angehen lässt. Auf einmal sind alle Instrumente ausser dem Schlagzeug fort, dann setzt das Grundthema wieder ein und darüber soliert ein analoger Moogsynthesizer. GRAVY TRAIN hatten wohl schon mit dem Vorgängeralbum einen elenden Reinfall hingelegt und waren kompositorisch wohl wieder auf dem aufsteigenden Ast. Nun kenne ich „Second birth“ nicht und irgendwie will ich das auch nicht. Die beiden progressiven Frühwerke auf dem VERTIGO Label und dieses zweite Album auf PYE reichen völlig. „The last day“ ist mehrteilig aufgebaut, straighter, entspannter Rock mit folkigen, spacigen, epischen und sehr peacigen Melodien im Anfangspart, wo akustische Gitarren über relaxten Bass – und Schlagzeugläufen eine üppige Grundlage für den gequälten, rauhen Gesang liefern. Dann ein Gitarrenübergang und schon schwebt man über einem stampfenden Beat dahin, wo Gesang und Flöte ein wenig freakiger, schräger daherkommen. Entwarnung, man landet wieder in der Eingangspassage. Dieses Stück ist auf jeden Fall eine sehr schöne Spacehymne ohne zu harte Gitarren. Und noch mehr Melancholie. Ein Klavierthema eröffnet „Evening of my life“, ein E Piano steigt ein, spielt über den Grundlauf eine schöne Leitmelodie. Dann schwelgt man in bombastischem Schönklang, einer absoluten Superballade, die ELTON JOHN nicht gewaltiger hinbekommen hätte, wohl aber mit weniger Substanz servieren würde. Auch wenn das alles schon zu sehr nach fluffigem Soundmuskelspiel klingt, es ist nicht schlecht, aber sehr kurz.
Rockig wird es nochmals zum Schluß, mittelschnell, schlendernd vom Beat her, obercool und trotz der wohlvertrauten Kompositionsweise mitreißend und einprägsam. Ein schöner Kraftrock zum Ende mit jaulender Gitarre, verzerrter Slideklampfe für die Soli. Ein Boogeykracher mit Bombastchor im Refrain. Das Ding wird Proggern nicht reingehen, ich find es klasse. Im Mittelteil bricht der Song dann aus sich selbst heraus in einen wirbelnden Hardrockpart, der sich hypnotisch – monoton zu einem wahren Inferno hinsteigert. Das war mal sehr angesagt, hehehe, aber hey, ob nun 1969 oder 1974, es verfehlt seine Wirkung nicht. Mellotronleads sind auch diesem Song nicht fremd, was absolut rockt. Ja, verdammt. „Busted in Schenectady“ rockt komplett. Dann bricht der Song auf einmal ab und man wähnt sich bereits am Ende der Scheibe, aber nein, eine Wahwahgitarre überzeugt einem vom Gegenteil, ein entspannter Groove tritt auf. Funkiger Hardrock? Bitte, paßt schon, wenn es denn so cool gemacht ist wie hier. Absolute Hymne zum Schluß der LP mit irrsinnigen Schreien.
Eigentlich hätten es GRAVY TRAIN mit diesem Album schaffen sollen, weiß der Schinder, warum es ihnen nicht gelang. Schlechter als NAZARETH auf deren besten Alben waren sie nicht. Eher noch weniger oberflächlich. Schade drum. Wenn man die Scheibe mal bei Ebay oder im Second Hand Laden sieht und gerade Lust auf 70er Prog / Pomp / Hardrock hat, sofort zulangen.

VERGANGENE GROSSTATEN: MAY LYNN - May Lynn

2010-03-14T03:13:00.000-07:00

(1988, Dänemark, Shark Records, 38.00)
1. Soldier
2. Joey Don't Care
3. The Shelter of the Night
4. Breakout
5. Dangerous Games
6. Backstreet Life
7. Fit for Fight
8. Long Way from Home
Diese höllenrare CD aus den späten 80ern hab ich bereits vor einigen Jahren günstig auf erstanden, irgendwo im Second Hand Laden oder auf einem Flohmarkt, nun, bereut hab ich es nicht. Ich bin jetzt im Moment grad beim fünften Song "Dangerous games" und bange mein Resthaupthaar zu den straighten, einprägsamen Riffs, treibenden Abgehvierviertelbeats und packenden Melodien. Skandinavienmetal pur, wie ich meinen möchte. 220 VOLT, die PRETTY MAIDS, MINDLESS SINNER, eventuell die harten Sachen der frühen EUROPE Scheiben vor "Final countdown" können beim melodischen Metal der Dänen Pate gestanden haben, SILVER MOUNTAIN vielleicht noch, es ist diese Schiene. Hochmelodisch, eingängig, stampfend bis treibend mit elegantem Ausdruck, der sich natürlich vom rohen Strassenheavymetal abhob. So sind MAY LYNN sicher keine Lederjackenrocker, sondern eher gut gekleidete Melodiker mit Hang zu knackiger Gitarre und solider Grundhärte. Gerade die mehrstimmigen Arrangements beim Leadgesang, die allenthalben auftauchen, schmeicheln den Ohren und der Seele. Böse Zungen könnten AOR Einflüsse in den Raum werfen, das weise ich nicht von MAY LYNN, aber sie sind geschickt in die Stücke eingeflochten und drängen die Band nicht krampfhaft in Richtung Radio, auch wenn so mancher Song wie das stampfende "Backstreet life" tatsächlich geschmeidig genug wäre, einem eher ruhiger gestimmten Radiopublikum den Tag zu versüßen. Aber dann sind da wieder diese grandiosen Gitarren, die betörend schönen Leads, die einfach nicht für die oberflächlichen Mainstreamer gedacht sind. Das könnte eher MAGNUM Freunden gefallen, obgleich der skandinavische Einschlag sehr deutlich zum Vorschein kommt. Ist 1988 auf SHARK RECORDS erschienen und könnte somit noch ab und an in Grabbelkisten deutscher Händler auftauchen. Bei Sichtung zuschlagen, die Scheibe ist todgeil, wenn man denn melodischeren, skandinavischen Metal liebt. Und für die romantischeren Momente wird der Stahlkopf dann ja mit flottem Heavy Metal entschädigt, dem eine hymnische Ader nicht abzusprechen ist. Klasse!

WULFGAR - Midgardian metal

2010-03-14T01:33:00.000-08:00

(2010, Schweden, Trollzorn, 42.00)
01. Intro
02. Die For My Clan
03. Circle of Runes
04. Fight, Win, Kill & Conquer
05. Midgardian Metal
06. Nifelheim
07. Norsemen of Steel
08. The Death of Yggdrasil
09. The Three Norns
10. Valkyria
Ich dachte, das hier wären die Deutschen, aber es sind in der Tat Schweden, die mit ihrem zweiten Album über das TROLLZORN Label erscheinen. Was ich höre, schmeichelt meinen Ohren, auch wenn es nicht mehr extrem originell ist, Schmissigkeit und gefühlvoll inszenierte Melodien sind gegeben. Bei melodischem Deathmetal, welcher dann noch einen folkigen Einschlag mit sich bringt, mag man sofort an AMON AMARTH denken, was in Ansätzen nicht falsch ist, der Musik von WULFGAR aber Unrecht täte. Die Burschen sind bemüht, einen hymnisch heroischen Ansatz aus der heimischen Folklore mit prächtigem Heavy Metal zu verbinden, es klappt auch hervorragend. Der ekelhafte Deathmetalgesang, der aus einer Zombiekehle zu kommen scheint, bringt Erinnerungen an die alten Zeiten vor gut 20 Jahren zurück, wo Deathmetal noch Deathmetal war. WULFGAR bewegen sich auf halber Strecke zwischen Ost - und Westküste, mit eben jenem Vikingmetaleinschlag drin, den ich oben schon ansprach. Melodien sind ihnen wichtig, die Gitarren ratzen eher im Heavy Metal Stil, nur ein wenig tiefer gestimmt, der Deathmetal an sich, der Ursprung, ist jedoch zu jeder Zeit evident. Heimlicher Favourit auf der Scheibe ist "Nifelheim", an sechster Stelle stehend. Grandiose Leadgitarren, ein paar melodische Gesangseinlagen, Melodien, die Eure Brust vor stolzem Gefühl zum Platzen bringen würden und ein sehr mitreißender, leidenschaftlicher Ausdruck fügen sich hier zu einem sehr einprägsamen Song zusammen, dessen Wiedererkennungswert im Szeneüberblick doch sehr hoch ist. WULFGAR demonstrieren Entschlossenheit und Kampfeswillen, sind aber gleichzeitig eine Band für eine zünftige Metalparty. Geil! "Norsemen of steel" setzt übrigens "Nifelheim" noch einen drauf in Sachen Melodien, Groove und Hymnenhaftigkeit. Für mich eine der Top Melodicdeathmetalscheiben aus Schweden, in den letzten 20 Jahren.

NYDVIND - Sworn to the elders

2010-03-14T01:30:00.000-08:00

(2010, Frankreich, Trollzorn, 52.00)
01. Intro
02. Son of Fire
03. To Enter the Realm of the Ravenlord
04. Sworn to the Elders
05. Upon the Throne of North
06. Nordic Dawn
07. Icewinds unleashed
08. The Godless
Diese Franzosen aus der Ecke Paris haben sich zwar auch dem Blackmetal verschrieben, zumindest einer Abart davon, aber sie gehen es melodischer und epischer an mit einer immensen Hymnenkraft. Der Gesang ist nicht allein ein Keifen und Grollen, insgesamt ja eher heiseres Rufen und Schreien, es kommen viele melodisch klare Passagen vor, die einen beschwörenden Ausdruck haben. Männerchöre sind nicht selten dabei. Als stimmliche Begleitung der zwischen wogend und rasant pendelnden Stücke ein Hochgenuss. Folkige Harmonien liegen den Burschen. Der Bass ist nicht allein begleitendes Rhythmusinstrument, sondern bekommt seine Freiheit, schöne Läufe zu spielen, die im Gesamtbild durchaus auffallen. Was mir bei vielen Bands des Black / Pagan Metals fehlt, ist ein Wiedererkennungswert. Genau das ist bei NYDVIND mit ihren recht langen Songs aber gegeben, auch wenn sie das Genre nicht revolutionieren. Egal, ihre Songs haben Seele, Schmiss und grandiose Melodien. Du schwingst regelrecht darin mit und hast ein megafettes Grinsen im Gesicht. Dieser urwüchsige und derbe, aber immer ehrlich sympathische Folkblackmetal hat die Chancen zur festen Größe im Genre zu werden. NYDVIND sind mit ihrem zweiten Album bereits sehr gut, was mag da noch weiter kommen? Ich wünsche ihnen noch mehr Inspiration und Leidenschaft. Trollzorn bescheinige ich als Label mal eine ausgezeichnete Hand für Bands, die ihr jeweiliges Genre mit neuer Inspiration und diabolischer Lust erfüllen! Weiter so, Jungs!

BRAN BARR - Sidh

2010-03-14T00:36:00.000-08:00

(2010, Frankreich, Trollzorn, 58.44 min)
01. Origin - The Birth Of Fearg
02. Celebration - Son of Nuadh Amhach
03. Fury - Exile Of The Orphan
04. Passage - The Curse Of The Manimal
05. The Call - Gathering The Tribes
06. Rebirth - Morgan's Gift to Righ'Sidh
07. Profedïez
08. Revelation - In The Dominion of Kernunnos
09. Journey - The Grand Quest For The Magical Acorn
10. Ode Aux Lointains Souverains (Stille Volk cover)
Eigentlich wähnte ich mich aus dem Blackmetal schon so weit raus, dass ich mir ab und an DARK THRONE oder meine alten BURZUM LPs (ich geb es ja zu) anhören kann, aber mehr alten NWoBHM oder eben meine hunderte von 70s Progressive - und Heavyrockalben (die meisten auf CDr in einem Geheimarchiv, ja, ich bin ein Poser) anhöre. Nun, eine Band wie die vorliegende weiss mich aber zu packen. Denn die Franzosen BRAN BARR, die genau wie NYDVIND aus der Gegend um Paris kommen und sogar noch personell verwandt sind, spielen einen wunderschönen Folkblackmetal. Die Musik ist rasant und doch höchst melodisch in den derben Teilen, sie kann aber auch verzaubernd schön sein, wenn akustische Instrumente das Ruder übernehmen und eine sehnsuchtsvolle keltische Melodie erklingen lassen.Wiederum dann wird meist jenes Ruder zurück gen Metal gedreht, mit kräftig sägenden Rhythmusgitarren und packenden Riffs. Der traditionelle Heavy Metal Anteil ist nicht unbedingt als gering einzustufen und wird einige tolerantere True Metaller sicherlich versöhnlich stimmen, sobald "FOLK" und "BLACK METAL" ins Gespräch gebracht werden. Es wird sogar gerne einmal heroisch mit melodischer Stimme gesungen. Ansonsten aber geben BRAN BARR in allem was sie tun Stulle. Instrumental hat man ihnen nichts vorzuwerfen, das klingt tight auf den Punkt. Die Produktion ist rau belassen, lebendig mit schön scheppernden Becken an den Drums. Guter Schlagzeuger übrigens. Ein gute Anspieltipp ist der dritte Song "Fury - Exile Of The Orphan", welcher sämtliche Bandtrademarks in sich vereint. Speedmetalraserei, Blasteruptionen und furiose Soli, betörende Folkanteile, zorniges Knurren und Heldengesang. Das ist in der Tat ein feister Spass mit dieser Band, die im Juli 2010 unser schönes HÖRNERFEST musikalisch zum Brodeln bringen wird. Oder der sechste Song "Rebirth - Morgan's Gift to Righ'Sidh", welcher verstärkt mit Folkelementen aufwartet, neben den schwungvollen Passagen mit donnernder Bombarde über packenden Riffs auch auf zauberhafte Tin Whistle Abritte auf ungezähmten Blackthrashattacken setzt, jedoch eben mit der verstärkten Tendenz zur keltischen Urmusik. Und als drittes Wunderwerk unter all den Wundern stelle ich "Profedïez" vor, das mit urtraditionellem keltischen Gesang, der eher auf Lautmalerei denn echte Texte setzt, seinen Lauf beginnt und immer kraftvoller, treibender Wird, wobei die Tin Whistle beharrlich auf ihrem Kurs bleibt und nur die Rockinstrumentierung Fahrt aufnimmt. Mittelschnell wogende Hymnenhaftigkeit wird in mancher Passage auch hier in Anspruch genommen. Im Grunde ist hier sogar nur eine Grundmelodie gegeben, auf der die Rockparts aufgebaut werden, mal flotter, mal wogend, aber stets der Melodie der Tin Whistle folgend. Gigantisch. BRAN BARR spielen mit einer immensen Leidenschaft und Entschlossenheit zum wilden Tanze auf, Hut ab! Eigentlich hätte die Scheibe bereits vor drei Jahren draußen gewesen sein sollen, aber manchmal macht einem das Schicksal einen Strich durch die Rechnung. Ein Glück, dass sich mit TROLLZORN das richtige Label fand. TROLLZORN haben mit dieser und den drei zuletzt besprochenen Bands WULFGAR (SE) und NYDVIND gerade im folkigen Blackmetalbereich heisse Eisen im Feuer, da sie sehr viel Wert auf gutes Songwriting mit Wiedererkennungswert und gute Musiker legen, zwar sicherlich einen angesagten Sound bedienen, dies aber aus Überzeugung tun und auch täten, wenn es eben kompletter Underground wäre. Ein Label mit Blindkaufgarantie. Der Folkblackmetal von BRAN BARR mag eventuell keine Neuerungen in das Unter -, wie auch das Muttergenre bringen, da eine Band wie CRUACHAN das schon 1994 bis ins Detail, nur mit dreckeligerem Sound ausgetüftelt hat, aber sie werden den Altvätern keltisch melodischen Blackmetals gerecht mit ihren sehr gefühlvoll inszenierten Stücken, die mir Herz und Leib entflammen lassen. Ich freu mich auf den Sommer!

THE FLYING EYES - The flying eyes

2010-03-06T23:55:00.000-08:00

(CD, USA, World in Sound, 2009, 42.23)
Part A: Bad blood
01. Lay with me
02. Better things
03. Bad blood
04. Don't point your god at me
05. She comes to me

Part B: Winter
06. We are not alive
07. Red sheets
08. Around the bend
09. Winter
10. King of nowhere

Ich bin manchmal eher abgetörnt von den aktuellen musikalischen Entwicklungen. Das, was ich gerne höre, ist zuweilen bis zu 50 Jahre alt, die modernen, von digitaler Totproduktion und ätzenden, abgehackten, gefühllos und unkreativ gespielten "modernen" Krachgitarren, bis zu einer ganzen Oktave tiefer gestimmt, beherrschte Rockmusiksparten begeistern mich kaum bis noch viel weniger und wenn dann mal eine Retroband auftaucht, so ist oft die Vorlage wirklich geil, die durchgepauschte Kopie hingegen nur ein müdes Lächeln wert. Wenn überhaupt. Wirklich geil hingegen waren einige neuere Acts aber doch, vor ein paar Jahren ORANGE SUNSHINE aus Holland, die als Fuzzgitarrenpowertrio den alten BLUE CHEER (die damals durchaus noch aktiv gewesen sind) und anderen Helden wie CREAM und MOUNTAIN Konkurrenz zu machen drohten. Zuletzt waren es die Amis ASTRA mit ihrem Heavyprog a la KING CRIMSON und die acidbluesigen Heavyrocker DE WOLFF aus Holland, die mich wirklich zu packen wussten. Heuer sind dann nun THE FLYING EYES, Psychedelicrocker aus den USA dran, genauer aus Baltimore in Maryland. Bekannt ist der Bundesstaat für eine gesunde Doomszene, zu der u.a. EARTHRIDE, REVELATION, AGAINST NATURE, IRON MAN und LIFE BEYOND zählen oder zählten. Aber Psychedelicrock? Nun, wir dürfen gespannt sein. Auf der vorliegenden CD sind beide EPs der Band vereint worden, die "Bad blood" und die "Winter", jeweils einen Teil ergebend, der wiederum aus fünf Songs besteht. Fangen wir also mit dem "Bad blood" Teil an, lassen uns vom lässigen Bluescountryrock "Lay with me" einstimmen. Nicht durchgehend countrybluesrockig bleibt es, denn irgendwann setzen verzerrte, brodelnde Gitarren ein und sogar ein dahinschwebender melancholischer Psychedelicpart wird hier aufgefahren. Großes Kino. Aber was einen wirklich an die Pforten der Wahrnehmung und hindurch trägt, ist die Stimme des Sängers, die ein volles, warmes Timbre besitzt, etwas rau und dreckig kommt, in mittleren Lagen daheim ist und da eher die tieferen Gegenden bevorzugt, hervorragend zum "White Boy Blues" passt und einen mit ihrer hypnotischen Art betört, ja direkt aus dem Totenreich zu uns zu sprechen scheint, denn so singt doch nur einer, der Poet und Rauschmagier aus Venice Beach, Jim Morrison persönlich. Dagegen wirken die Songs der EP an sich ja noch recht konventionell, haben aber Charme und sind tatsächlich gut komponiert, locker strukturiert, mit Leidenschaft und Lust auf Sex, Liebe und Leben zelebriert und inbrünstig heruntergezockt. So auch der fetzigere Rocker "Better things", der unvermittelt abbricht und dem bluesigen Titelstück platz macht, welches zum Ende hin in ein melancholisches Psychedelicstück umschlägt. Treibender Bluesrock ist dann "Don't point your god at me", mit seiner grandiosen Farfisaorgel und den jaulenden, brodelnden Leadgitarrenklängen, die oft eine beschwörende Stimmung in ihrer innigen Vereinigung herbeirufen. Dieses Stück hätte gut zu "The Doors" (1967) oder dem finalen Meisterwerk "LA Woman" gepasst, wohl eher noch zum 71er "LA Woman", da 1967 noch nicht so sehr mit Sägegitarren experimentiert wurde, oder? Nun, egal, grandios, gigantisch, beschwörend, magisch, purer Sex für die Sinne. Ich sehe eine Legion von Acidrockern, die zu dieser Musik gezeugt wurde. Ob THE FLYING EYES Drogen nehmen, ist mir jetzt nicht bewusst, aber ihr Spiel klingt sehr entspannt und auf gewisse Weise davongeflogen, kann dennoch ekstatische Ausmasse annehmen und läuft stets abseits von allem Mainstreamgetue. Hier wird die Musik gelebt wie gespielt. Ein letztes schönes Highlight des "Bad blood" Abschnittes der CD ist "She comes to me", eine wundervolle Acidballade, deren Gitarrenmelodie ein wenig wie aus der Bahn geratener Folkrock klingt und Assoziationen an die BEATLES weckt, "Norwegian wood", you know? Dann aber kommen DOORS und LED ZEPPELIN in tiefster, friedvoller Stimmung zusammen und rauchen zusammen den großen Friedensjoint, der die britische und amerikanisch westküstliche Rockmusik für immer vereint. Eine eindringlichere Musik hab ich selten gehört, auch nicht von den Originalen der 60er. Das Cello in der zweiten Strophe vertieft den emotionalen Ausdruck des Stückes noch so sehr, dass ich meine Tränen der Rührung kaum zurückhalten kann und dahinschwelge, mich in bunten Welten verlieren und diese triste, kaltgraue Realität nie wieder betreten möchte. "When she comes...she comes for me...", aaah, ein einzigartiger Traum. Und so bauscht sich der Song dann auch mal kurz im Schlagzeugbereich auf, wird wild, explodiert beinahe, nur um wieder zurückzufallen auf eine Orgelpassage mit bezaubernder Melodie, bei der es einige rückwärts laufende Orgeleinlagen gibt. Wow, nun hinterlässt es mich beinahe gebrochen, da treibt ein fetter Hardrock drauflos und ich werde vom unwiderstehlichen Groove mitgerissen. "We are not alive" ist der Titel, nun, wetten möchte ich nicht darauf. Eine eruptive Mischung aus fetzender Gitarre und kräftiger Orgel bildet die Grundriffs, wobei in der Strophe Gesang und Rhythmuscrew das Sagen haben. Das Feeling ist so urtypisch 69, 70, 71. Gar nicht "retro", sondern authentisch. Der schwebende Psychedelicpart in der Songmitte hat was für sich, ebenso wieder mystische Freakout mit brodelnden Klampfen und wildem Drumming, dann der furiose Ausbruch mit krachenden Orgeln und Äxten und der abrupte Schluss. Bluesig und rockend geht es wieder zurück in die Mitte der 60er zu "Red sheets", wo die DOORS tatsächlich noch die DOORS OF PERCEPTION gewesen sind. Die Hardrockeinlagen passen aber nicht zur Zeit, klingen eher nach 1971 oder 72. THE FLYING EYES springen geschickt zwischen den Jahren und auch wenn von 1965 bis 1972 nur sieben solcher Jahre vergangen sind, so war die Entwicklung in der Musik doch so gewaltig, wie sie später nie mehr sein sollte. Ein jammiger Leadgitarrenausbruch mit verzerrtem Bass spricht von moderner Aufnahme, denn diese Art mit einem Song die Seele des Zuhörers weichzukochen, ist bereits vor vierzig Jahren vollends perfektioniert worden. Eigentlich kann ich jetzt schon nicht mehr, aber "Around the bend" bringt mich wieder runter, hier wird wiederum ruhiger, mit effektüberladen wabernden Gitarren, Folkrockfeeling und Sonnenschein im Gemüt geboten, ganz entspannt und wunderschön. Mein Kaffee ist alle, merke ich gerade und es macht mir nichts aus, gefangen in der dämmerigen Strophe des Stückes und wieder ausgespuckt, hinaus auf die Straße zum Weiterziehen im lockeren Refrain. Die Strophe spricht von Lagerfeuer, Kuscheln und mehr mit fremden, aber besonders schönen Mädchen, einem Joint hier, etwas Meskalin da. Und man schwebt dahin über die weiten Wege, vorbei an allem, was die Zeit so vergessen hat dastehen lassen. Mit etwas Gitarrenfeedback setzt das Titelstück ein. Lockerer Boogie, erdiger Bluesrock und geheimnisvolle Psychedelik treffen auf einander, paaren sich auf einem Fundament aus sexy Rhythmen und geben einen lässigen Groover ab, der einen weiteren Hit im Fundus der Band darstellt. Ich fasse es nicht, wie hinreißend und bewegend diese Mucke ist. Man könnte sich über Stunden diese CD reinziehen, sich in Trance tanzen und immer wieder neue Grenzen der Wahrnehmung überschreiten. Nur wenige Alben, auch bei den Originalen der 60er, hatten solch eine gigantische Wirkung. "Tje Doors" von 1967, das Debüt der kalifornischen Helden war ein solches. Irgendwann ist man in "Winter" dann bei einem eher dem Prog zuzurechnenden, ruhig dahinfließenden Part angekommen, der in einen treibenden, bis in die pure Ekstase hineingehenden Part mündet, über dem irrwitzig soliert wird, dann stampfend wie bei Tänzen der amerikanischen Ureinwohner mit Acidrockbekleidung die Sinne betört und in die Unendlichkeit entgleitet. Ruhig, auf gewisse Weise fröhlich und doch nachdenklich kommt der "King of nowhere" dahergeschlendert. Das ist ausnahmsweise mal nicht so DOORS lastig, ich kann aber nicht sagen, woran es mich erinnert. US Psychedelic Singer Songwriter der späten 60er, ja. Vielleicht VELVET UNDERGROUND? Vielleicht Neil Young, vielleicht beides zusammen? Vielleicht an die fragile Bekifftheit mit verstimmten Gitarren, die MONSTER MAGNET Anfang der 90er zelebriert haben? Oder an 80er Alternapsyche wie SEBADOH? Nun, die Helden der 80er und 90er haben sich eben an den gleichen Wurzeln orientiert wie nun THE FLYING EYES. Das sachte, zerbrechliche und so himmlische Glockenspiel mit ganz sanfter Gitarre am Songende ist noch einmal eine gigantische, wenngleich zauberhaft sinnliche Erfahrung, dann kommt das Ende. Eine kurze Note noch und es ist vorbei. Und ich, meine Damen und Herren, ich bin spirituell ausgebrannt, nurmehr ein Häufchen Asche, aus dem mein Geist wie der mystische Vogel Phoenix neu geboren wird. Hallelujah! Dies ist mehr als nur eine CD, dies ist eine spirituelle Erfahrung.

HYKSOS - Hyksos

2010-03-06T01:52:00.000-08:00

(CD, USA, High Vaultage, 1982/2003, 72.38)
01. Going Insane
02. No Escape
03. In the Past
04. Strut
05. The Kings
06. Shadow of a Stallion
07. I Wanted You
08. Ballerro
09. The Green Manalishi
10. A Way to You (bootleg)
11. Victim of Changes (bootleg)
12. Strut (bootleg)
13. Shadow of a Stallion (bootleg)
14. Ballerro (bootleg)
15. The Green Manalishi (bootleg)
Es bleibt der Metalwelt auch nicht das obskurste Album als Reissue erspart, was? Aber in diesem Fall macht es nicht nur Sinn, sondern auch eine ganze Menge Spaß. Denn HYKSOS waren nicht irgendeine gesichtslose 80s Band mit austauschbaren und uninspirierten Durchschnittssongs. Ihre 82er LP kam zu einer Zeit, wo die Bands noch ihre Roots in den 70s hatten und auch auslebten, was sich bei HYKSOS in einem sehr ungezwungenen, lebendigen Songwriting äußerte. Wenn die Band mal anfing, auf einem treibenden Riff basierend, mit einem hypnotischen Beat unterlegt herumzujammen, da blieb einem die Spucke weg. Und keineswegs vergaßen die Amis, eine spannungsgeladene Struktur in ihre von schön mahlenden Gitarren dominierten Songs zu bringen, selbst bei solchen Instrumentalaktionen. Ein Killer sind sicher die Coverversionen von FLEETWOOD MACS „Green Manalishi„ welche sich stark an der 78er Adaption des Stückes durch JUDAS PRIEST orientiert und das PRIEST Original "Victim of changes" bei den Bonusstücken. In ähnlichen Regionen fischen HYKSOS übrigens auch, eine Melange aus brodelnd schwerem Hardrock und furiosem Metal, originell konzipiert, sehr leidenschaftlich dargeboten. Wilde Soli schlängeln sich auf den Rücken der erdigen Songs, welchen zuweilen ein leicht episches Feeling nicht abgeht. Der Sänger singt, wie ihm die Schnauze gewachsen ist, technisch weitab von der ultimativen Perfektion, aber dennoch immer mit dem nötigen Quentchen Melodie und einem unheimlichen Charisma, den Songs ihren Wiedererkennungswert zu schenken. Sein manchmal leicht hysterischer Ausdruck tut der Freude keinen Abbruch. Zuweilen, das muß ich sagen, bewegen sich HYKSOS sogar noch von ihrem Standpunkt aus 10 Jahre in die Vergangenheit und bolzen uns wundervollen, glühend heißen Powerrock mit diesen schrabenden, zermalmenden Gitarren vor die Birne. Da sind ein paar Passagen, bei denen der Bass einfach brutal aus den Boxen rotzt und zusammen mit den hart treibenden, aber verspielten Drums ein solides Fundament für die gleißend hell blitzenden, Feuer versprühenden Gitarren bildet. Es packt Dich, es reißt Dich mit und es zerfetzt Dich. Argh! Als hätte man DEEP PURPLE 1972 eingefroren, 1982 wiedererweckt und ihnen den Keyboarder geklaut, sie dann mit JUDAS PRIEST gepaart und den Bastard auf die Bühnen losgelassen.. Kick ASS! Die Burschen spielen sich aber auch oft in einen wilden Rausch mit sich duellierenden Leadgitarren, die den Hörer bis über den Rand der Ekstase hinaus treiben, wohin die Band ja schon vorher abgeflogen ist. So lobe ich mir gute Platten, nicht nur ein Hörvergnügen, sondern ein Erlebnis, nicht allein Musik, sondern eine einzigartige spirituelle Erfahrung. Das über achtminütige „Ballero“, ein instrumentaler Kracher mit eben jenen Endlosjams veredelt ist auch gleichzeitig mein Highlight. Wird später dann noch bei den sieben Bonustracks, die diese Reissue auf satte 15 Songs bringen, als Demoversion nachgereicht. Wild! Verdammt wild!

BLACK TORA - Rise of the tora

2010-03-02T03:36:00.000-08:00

(CD, USA, Rock Quarry, 2009, 41.05)
01. Burn Out
02. Never Enough 03:08
03. Criminal 04:30
04. Wild Child 04:06
05. Stealing Thunder 04:00
06. Don't Drag Me Down 03:22
07. Born To Rock 03:01
08. Haywire 03:05
09. The Slayer 04:40
10. Hearts On Fire 03:47
11. Warrior 04:17
Für mich ist dieses texanische Powertrio eine der coolsten aktuellen Entdeckungen im metallischen Hardrock und rockenden US Heavy Metal, welche mir in den letzten Jahren über den Weg gelaufen ist. Man denkt gar nicht, dass diese Platte von 2009 ist, die Musik, der Stil, alles klingt so herrlich traditionell nach den Jahren 1978 bis 1981. Hier wird typischer Amisound geboten, der jeden Fan von RIOT auf den ersten fünf Platten, THE RODS, VAN HALEN, härteren Y & T und ähnlichen Bands in die Komplettekstase treiben sollte. Klar, innovativ ist das hier sicher nicht mehr, aber die Musik hat Seele, ist komplett von Hand gespielt, sehr gut, klar und doch lebendig produziert und zeigt so manchen kommenden Kultsong, der mit enormem Hitpotential ausgestattet ist. Die Stimme des Sängers ist ebenso prototypisch, leicht bluesig, aber in helleren Lagen, eben eine geile Rockröhre. Diese Band spielt so klassisch zum Hardrocktanze auf, es ist ein absoluter Ohrenschmaus. Trendhüpfern ohne Geschmack wird das hier wohl kaum reinlaufen, aber das Risiko gehen BLACK TORA gerne ein. Sie zeigen der Musikindustrie den Fuckfinger und lärmen so befreit herum, als hätte es die letzten knapp über dreissig Jahre Entwicklung in der Rockmusik nicht gegeben. Das ist absolut stadiontauglich und sollte doch in kleinere Clubs mit intimerer Atmosphäre die Stimmung zum Überkochen bringen. Sie machen sicherlich auch vor sanfteren Tönen nicht halt, jedoch wird die Überkitschung vermieden, welche das Genre in den späten 80ern und bis zum Niedergang um 1991 herum heimsuchte, stattdessen gibt es eine offengelegte Musikerseele, in deren tiefste Abgründe ein jeder blicken darf, wenn er sich denn traut, alles verpackt in gefühlvoll und durchdacht inszenierte, sanftmütige Melodien. Ich bin fasziniert von dieser Kapelle und kann nur jedem empfehlen, der es noch immer original Late 70s styled mag, zwischen NWoBHM und LA Hardrock, sich hier richtig gut aufgehoben zu fühlen.

Baalmoral (Lüneburg) Alte Schlachterei, Glückstadt, 27.02.2010

2010-02-27T17:12:00.000-08:00

Ich wusste nicht, auf was ich mich da einlasse, aber ich wollte das Risiko eingehen. Wenn Veranstalter Christoph schon eine Blackmetalband gen "Schlachte" holt, dann weiß ich, dass diese Hand, Fuss und geile Songs bereitliegen haben muss. So denne, komme was wolle, ich schau mir BAALMORAL aus Lüneburg an. Der machtvolle Lehrmeister Syre(Leadgitarre) hat seine getreuen Schüler Thorius (Bass), Duke (Rhythmusgitarre), seinen Höllenbruder Sordrak, sowie die von ihm geschaffene, in menschliche Form gewandete und sich stets hochachtungsvoll daneben benehmende Biervernichtungs - und Rhythmusmaschine Heimdall eingepackt, um damit unsere so beschauliche Kleinstadt wie eine Horde Hunnen zu überrennen, zu plündern und zu brandschatzen. Als freiwillige Helfer standen ihm zudem noch seine holde Ehegattin, ein seine mit Blackmetalpatches übersähte Lederjacke voller Stolz tragender Warrior, der sich als Marcel vorstellte und ein dritter, etwas älterer und dennoch diesem Kriegerkollektiv voll phosphorisierender Inbrunst dienender Kamerad zur Seite, welche sich um Equipment, Merchandise und Eintritt sorgten. Gesagt, getan, enterte ich also in Begleitung einiger Waffenbrüder die bereits rötlich von Feuerschein ausgeleuchtete und nach Schwefel duftende Alte Schlachterei Glückstadt, um des Irrsinns gewahr zu werden, der uns da nun erwartete. Zuerst betraten fünf junge Burschen, den Platz neben der Fronteingangstür, der bei Konzerten als Bühne dient, schnallten sich ihre Instrumente um und legten los. Blackmetal mit keifigen, zuweilen auch tief grollenden Vocals vereinte sich hierbei mit rasanten Melodien, die nicht selten sehr eingängig und vor allem einprägsam waren. Die Passagen wurden oft und gerne, dabei immer passend zur Stimmung gewechselt, die von purem Hass in tiefe, nekromantische Schwermütigkeit und weiter voran in eine kampfeslustige Entschlossenheit umschlug. Drummer Heimdall entpuppte sich dabei als wildes Arbeitstier, schlug sehr ausdauernd und auf Abwechslung bedacht die Felle und Becken, meisterte eine Menge Parts, die man schon als verwinkelt bezeichnen konnte mit einer ungeheuren Lässigkeit und überschäumender jugendlicher Frische. Der sympathische kleine Mann, gerade mal 19 Jahre jung, hat wohl noch eine lange Karriere als Schlagzeuger vor sich und ich bekomme Angst, wenn ich dran denke, wie gut er bereits jetzt ist. Basser Thorius schien eher so der stille Typ zu sein, schaute ab und zu boshaftigst drein, zupfte ansonsten einen soliden Bassteppich, welcher den feurigen Riffs von Syre und Duke als Startrampe diente. Ich kannte zwar nicht einen Song vorher, war aber beim Abchecken der Stücke auf Myspace überrascht, wie groß der Wiedererkennungswert der durchaus verspielten Kompositionen aus der Feder von Bandleader Syre doch ist. Respekt. Ja, der Syre, der gab sich als sympathischer Brillenträger und gutmütig dreinblickender Bandvater (mit fast 37 Lenzen könnte er zumindest bei frühem Anfang Heimdalls alter Herr sein), liess aber das Griffbrett qualmen und die Saiten glühen, gerade bei seinen oft hochmelodischen, mitreißenden Leitharmonien und ungezähmten, dennoch stets kontrollierten Soli. Melodien sind eh ganz groß bei den Jungs. Das macht die 80er Jahre Verwurzelung von Syre, er ist der Metalmaster. Die zuweilen technisch anspruchsvoller gestalteten Stücke bereiteten der Band keine Schwierigkeiten, allen Anwesenden jedoch spürbar Spaß. Frontsau Sordrak legte sich reichlich ins Zeug, den instrumentalen Darbietungen mit seiner abartigen Stimme, in Studioaufnahme dem Knurren des frühen Jiri Valter (aka Big Boss / ROOT) nicht unähnlich, das letzte Fünkchen Irrsinn einzuhauchen, um die Menge vollkommen aus der Fassung zu bringen. Seiner Bitte, es mögen sich doch Headbanger in die erste Reihe trauen und ihre Matte schütteln, konnte ich daher auch nicht widerstehen. Ab dem dritten oder vierten Stück hielt der Verfasser dieser Zeilen dann in der "Frontrow" zwischen Theke und "Bühnenrand" (das sind in der Alten Schlachterei ohnehin leicht verschwommene Grenzen, Grauzonen des Musizierens in einer Kneipe halt)die Fahne der schweren Beatmusik in eine alte Kutte gewandet hoch, obschon so langsam meine metallenen Gebrüder hinter mir zum Leben erwachten und ihrerseits die Rüben kreisen ließen. Einfach war das nicht immer, gerade wenn Heimdall wieder verwegen in den Offbeat ging (das passierte bei einigen schwierigeren Passagen ein - oder zweimal). Ich mag schräge Rhythmen unter vermeintlich schnurgeraden Songs. Cat Confusing, you know? "Angels of prey", das jüngste Stück im Repertoire der Lüneburger wurde dann beinahe zum bandeigenen Waterloo, als Syre, das melodische Intro spielend, inmitten des Songwustes einfach raus war und ein Neustart getan werden musste. Mit leicht gequältem Lächeln ackerte sich der gute Mann noch das eine ums andere Mal durch die wohl zu frischen Strukturen der Komposition, meisterte sie jedoch mit Bravour. Nun, welcher der anwesenden Banger war schon so gut mit dem Material vertraut, dass "Irrlaufimprovisationen" und "Gastnoten" wirklich aufgefallen wären? Aber egal, souverän zockten sich BAALMORAL erneut in furiose Rage, dass das Schwitzwasser sämtliche Fensterscheiben zur Straße hin undurchsichtig werden ließ. Hier wurde an diesem Abend wahrlich die Hölle entfesselt. Acht Songs für die Ewigkeit wollten die Jungs uns kredenzen, zwei Stück mussten sie in der Tat wiederholen, da das nach schwarzer Metallschmiedekunst lechzende Publikum, nicht nur aus langmähnigen Jungspunden bestehend, ihnen durch stehende Ovationen zu verstehen gab, dass noch nicht Schluss sein durfte. Nun, der reguläre Konzertteil des Abends war abgeschlossen und erfüllt mit einer sehr intensiven Zufriedenheit wollte ich mir die Band doch einmal persönlich zur Brust nehmen. Es kam zu stundenlangen Gesprächen, gerade mit Syre, mit dem man doch einige Berührungspunkte in Sachen Musik und Bekanntschaften hatte. Auch der eigentlich stille Basser entpuppte sich als sehr sympathischer Freak. Neben viel leckerem Bier (ich bedanke mich hiermit bei Bernd und Martin dafür, mich mit dem köstlichen Nass beschenkt zu haben...ich revanchier mich BALD)gab es noch in einer Stillen Minute ausser Haus eine lustige Kräuterzigarette mit den BAALMORAL Burschen nebst Roadcrew in einer wenig einsehbaren Ecke der Stadt. Ja, einen gelungeneren Abend konnte man eigentlich gar nicht gehabt haben. Umso schwerer fiel dann der Abschied für mich, doch das Bett und am nachfolgenden Sonntag ein Job als Flugblattverteiler auf einer Gesundheitsmesse forderten meine Heimkehr. Ich hoffe sehr, dass BAALMORAL ihr Versprechen einlösen, uns bald wieder in Grund und Boden zu rocken, dann endlich mit ihrer Debüt EP (sieben Songs, knapp über 30 Minuten Spielzeit) im Gepäck. Wer auf eigenwilligen, extremen Metal mit Anleihen aus Black -, Doom -, Heavy - und Thrashmetal steht, der kann hier nichts verkehrt machen, rein gar nichts. Top Empfehlung und live ein Hochgenuss!

Top 20 1969

2010-02-21T09:54:00.000-08:00

01. Amon Düül - Phallus dei (D)

02. Taste - same (Eire)

03. Led Zeppelin - same (UK)

04. Coven - Witchcraft destroys minds and reaps souls (USA)

05. Spooky Tooth - Ceremony: An electronic mass (UK)

06. Omega - 10.000 lepes (HU)

07. Apocalypse - same (D)

08. Arcadium - Breathe a while (UK)

09. Can - Monster movie (D)

10. King Crimson - In the court of the crimson king (UK)

11. Josefus - Dead man (USA)

12. Rolling Stones - Let it bleed (UK)

13. Golden Earring - Eight miles high (NL)

14. Groundhogs - Blues obituary (UK)

15. Stone Garden - same (USA)

16. Creedence Clearwater Revival - Willy and the Poorboys (USA)

17. Writing On The Wall - Power of the picts (UK)

18. Arzachel - same (UK)

19. The Corporation - same (USA)

20. Soft Machine - II (UK)

BON SCOTT 09.07.1946 - 19.02.1980

2010-02-18T23:08:00.000-08:00

Jesus, ist das jetzt echt schon 30 Jahre her? AM 19. Februar 1980 trat eine der größten und wildesten Figuren im Hardrockbereich seine allerletzte Reise auf dem "Highway to hell" an, erstickt am eigenen Erbrochenen nach einer letzten durchzechten Nacht, das eigene Ende vielleicht schon Monate zuvor erahnend.

RONALD BELFORD SCOTT, genannt BON, Du magst seit nunmehr 30 Jahren auf einer anderen Party mitfeiern, vergessen werden wir Dich nie.

Humppaman Sven - Der Kult aus Glückstadt

2010-01-28T23:58:00.001-08:00

Hier nun eine Properaumperformance unseres ureigenen Humppaman Sven, einem nachgewachsenen Original meiner Heimatstadt Glückstadt...absoluter Oberkult

http://www.youtube.com/watch?v=dIdq8nahmo4

WHILE HEAVEN WEPT - Sorrow of the angels

2010-01-27T23:49:00.000-08:00

(1999, Eibon Records, 39.00 min, USA)
01. Thus With a Kiss I Die
02. Into the Wells of Sorrow
03. The Death of Love
04. September
Ich spüre noch heute, über zehn Jahre danach diesen unglaublich tiefen Schmerz, der mich 1999 durchfuhr, als ich mir bewusst wurde, meine größte Liebe und mit ihr einen der wundervollsten Menschen, die je an meiner Seite waren, verloren zu haben. Die Nächte wurden dunkler, die Sonne wollte an meinem Horizont nicht mehr scheinen, bis ich eines Tages eine merkwürdig aussehende CD mit extrem lilavioletten Cover (schönes Digipack) in die Hände bekam und überwältigt wurde von der unheimlich intensiven Traurigkeit der Musik und gleichsam ihrer heilenden, Trost spendenden Berührung meiner Sinne. Ich kannte WHILE HEAVEN WEPT von ihrer "Lovesongs of the forsaken" EP, die ich seit zwei oder drei Jahren besaß. Einer obskuren, verregneten Scheibe, auf der die Band jedoch noch nicht den letzten Schritt getan hatte. Hier war es nun soweit. Der Gitarrensound druckvoll, die Keyboardarbeit opulent symphonisch, ohne die Musik annähernd zu verwässern. Der Klang transparent und die Darbietung nicht ohne Anspruch. Mastermind Tom Phillips sang mit unheimlicher Intensität, man spürte aus jeder gesungenen Note heraus, wieviel Leid und Schmerz in dem jungen Mann stecken mußte. Auch er hatte die Liebe zu einem der Brustträger mit bitteren Tränen bezahlen sollen, jedoch erwuchs aus ihm eine ungeheure Kreativität. Sogleich wird man von der Musik in einen tiefen Schlund gerissen, das siebzehnminütige "Thus with a kiss I die" eröffnet einem die bis heute gültige komplette Klangwelt von WHILE HEAVEN WEPT. Ein mehrminütiges, schleppendes Wehklagen von erdrückender Schwere eröffnet den Song, gesungen mit Inbrunst, gespielt mit einer kaum zu zähmenden Leidenschaft und Melodien so unirdisch schön, dass die Herrschaft über die Gefühle beim Eintauchen in dieses Stück verloren gehen dürfte. Die Leadgitarren von Tom Phillips gehen gar nicht mehr. Nach einer Weile setzt die übermenschliche Schwere des Doommetals aus, ein akustischer Gitarrenlauf mit schwebender Leadgitarre darüber ergreift Dich und wringt Deine Seele buchstäblich aus, nun darfst Du weinen, vor Schmerz, vor Lebenslust, vor Freude, vor Leidenschaft und tiefster Liebe. Und schon schleppt sich dieses symphonische Urzeitdoommonster weiter voran. Schon 1999 konnte man die Einflüsse gut festmachen und eine Menge deutscher Symphonikhardrocker wie ELOY, JANE und RAMSES als Inspirationsgeber identifizieren. Aus dem Doom heraus explodiert der Song in einen treibenden Metal, der im weiteren Verlauf immer verwinkelter und progressiver verläuft, dann in einen nachdenklich gestimmten, von Melancholie durchtränkten Part mit akustischer Gitarrenlinie und schwebenden Synthies mündet, der epische bis neoproggige Wege geht und im gebannt lauschenden, der Musik bereits jetzt restlos verfallenen Doomster Fragen aufwirft. Nicht nach der Musik, es sind emotionale Fragen, die nur ein jeder für sich selbst beantworten kann. Aus dem progressiven Rock heraus kehrt der Doommetal heim mit großen Gitarrenmelodien. Kurz nur währt dann eine akustische Überleitung, dann wird es majestätisch, als man nämlich „Into the wells of sorrow“ eintaucht. Das Keyboard wird zur überwältigenden Kirchenorgel, der Song an sich schleppt sich waidwund und mehr resigniert als verzweifelt durch die Dunkelheit und Tom singt mit einem ungeheuren Schmerz. War im vorherigen Longtrack noch ein Fünkchen Euphorie zu spüren, als es progressiver zur Sache ging, so ist diese Komposition durchgehend traurig. Eine Art Trauer ist es, die man wohl kurz vor dem eigenen Tod verspürt, der einen dann ereilt, wenn man nicht länger mit dem Verlust einer Liebe, eines unersetzbaren Menschen leben kann. Und doch spendet dieses Stück gerade in der Solopassage einen ungeheuren Trost, als teilten sich die schwarzen Wolken am Himmel und Sonnenstrahlen würden für einen Moment den Regen durchbrechen, damit sie Dir einen liebevollen Kuss auf die Stirn hauchen können. Auch hier wird es ein wenig treibender im weiteren Verlauf, wo Einflüsse barocker Klassik in ein Metalgewand gekleidet werden, ohne dass Tom an der Gitarre aber ins Fiedeln gerät. Eine sanfte Akustikpassage führt das Stück weiter voran, man hört Wassergeplätscher und es erscheint eine neue Akustikpassage, die eine sehr prägnante Melodie mit sich bringt, bevor „The death of love“, einer der emotionalsten und traurigsten, in dieser Trauer aber auch aufgewühltesten und zornigsten Songs aller Zeiten losmarschiert gleich einer Begräbnisprozession. Einige verspieltere Momente finden sich auch hier im mittleren Teil wieder. Das Stück an sich ist höchst einprägsam, wie alle Songs des Albums. Vielleicht bin ich es nur, der diese Empfindungen verspürt, habe ich mich doch damals ganz intensiv in den großen Melodien gesuhlt, um meine Trauer abzuspülen. Zu schön. Ich finde die Transparenz des Gesamtklangs sehr schön, man hört jeden einzelnen Basslauf durch die wuchtigen Klangmauern brummen, welche Keyboard und Gitarre aufbauen. „The death of love“ mag übrigens extrem traurig sein, aber es ist ein hoffnungsvoller Song, eine Hymne an die Lebensfreude, so merkwürdig das auch klingen mag, aber bei WHILE HEAVEN WEPT muss man stets um die Ecke denken. Auf den Alben „Of empires forlorn“ und „Vast oceans lachrymose“ finden sich wohl noch mehr Elemente progressiver und symphonischer Rockmusik, aber auch hier auf dem Debütalbum waren diese Momente vorhanden. Versöhnlich wird es übrigens im abschließenden kurzen Instrumentalsong, der wie in Noten gefasste Sonnenstrahlen klingt, so friedvoll, ohne Trauer, frei von Schmerz. Als habe man seine Liebe wiedergefunden, im jenseitigen Reich. Nun, nachdem dieses wunderbare Album für einige Jahre nicht erhältlich gewesen ist, hat sich das italienische Cruz Del Sur Label erbarmt und uns als Nachschlag zum aktuellen Meisterwerk (und welches WHW Album ist kein eternales Meisterwerk?) die ersten beiden Scheibchen nachgelegt. In Deutschland gibt es „Of empires forlorn“ und „Sorrow of the angels“ bei Hellion Records.

THE HAND OF DOOM - Poisonoise Reissue

2010-01-14T01:06:00.000-08:00

(1979/2009, High Roller Records / Shadow Kingdom Records, Germany 80.38 min)
CD / LP 1:
01. There Ain''t No Running Away
02. They Who''ll Creep At Night
03. Rock N'' Roll Close To The End Of The World
04. Heavy Mad Head
05. Deadman''s Dream
06. The Meanest Man
07. Doom Power
08. Poisonoise
09. The Hound
10. The Lights Of The Blind

CD / LP 2:
11. Putrefied (Hallowed Be Thy Name)
12. King Of Graves
13. Johnny B. Goode
14. Junior's Wailing
15. There Ain't No Running Away
16. Heavy Mad Head (not on CD version)
17. Doom Power
18. They Who'll Creep At Night
19. Rock'n'Roll Close To The End of The World
20. The Hound
21. Born To Be Wild
Ich bin bekennender Teutonenrocker und finde auch sehr viel Gefallen an deutschem Heavy Metal der 80er und späten 70er. Und eine der legendärsten, weil obskursten und bis vor kurzer Zeit vergessendsten Bands waren THE HAND OF DOOM aus Bad Hersfeld in Hessen. Warum nur, so frage ich mich, denn die Songs hatten allesamt Hitqualitäten und die Band war an sich sehr ausdrucksstark, was nicht zuletzt am sehr kräftigen, dreckigen und wütenden Gesang des Andreas „Iggy“ Rössner lag („Iggy“ wegen seiner Vorliebe für die STOOGES und IGGY POP an sich, was man seiner zornigen Performance auch anhört). Die Musik an sich war typischer Heavy Metal für die damalige Zeit, beeinflusst von Größen wie JUDAS PRIEST, den SCORPIONS, THIN LIZZY, BLACK SABBATH, aber mit einem sehr eigenen Ausdruck. Schon der Opener „There ain't no running away“ ist ein Smasher, ein treibender Heavy Metal Ripper mit eindringlichem, aufwühlenden Refrain, danach geht es etwas gemässigter mit „They who'll creep at night“ weiter, der eher entspannt aus den Boxen stampft und tänzelt, aber durch den auf hintergründigem Wahnsinn fussenden Chorus und coolen, verspielten Elementen bereits auf das hindeutet, was zur gleichen Zeit bei vielen englischen Bands los war. Ein Zufall oder der Einfluss von 70er Rockern wie den epischen WISHBONE ASH? Ich tendiere zu letzterem. Der Bass spielt sehr prägnante Läufe zu den schönen Harmonien und emotionsgeladenen Riffs des Klampfers. Und so entspannt hier zuerst alles anmuten mag, der Song ist sehr verstörend und düster auf seine Art. Treibender Heavy Metal Rock dröhnt dann in Form von „Rock'n'Roll close to the end of the world“ aus den Boxen, wo Iggy in der Strophe eine sehr dreckig boshafte Performance hinlegt und mit sehr großer diabolischer Lust den Refrain aus den Boxen grollt. Einen hymnischen, eingängigen Hitrefrain wohlgemerkt. Die Leadgitarre brät uns ein schier explodierendes Solo vor die Mütze. Killersong! Das wiederum mittelschnell stampfende „Heavy mad head“ überzeugt mit seinen bleischweren Riffs und dem knurrenden bis grunzenden, komplett übergeschnappt wirkenden Gesang. Es ist eigentlich ein straighter Heavyrocker, aber genau diese Aspekte reissen ihn aus der Masse an Songs raus. Bei THE HAND OF DOOM spielte viel geradliniger Rock'n'Roll mit rein, der auch gut zu KISS gepasst hätte, aber die reine Fröhlichkeit wie bei den US Comicrockern will hier nicht aufkommen, da ist ein Hauch von Verrücktheit zu jeder Sekunde spürbar. „Deadman's dream“ wäre einer dieser im Grunde so leichtfüssig abfackelnden Partyrocker, wenn da nicht wieder der Iggy wäre, der zudem einen sehr finsteren Text verfasst hat. Schönen Boogiemetal bringt uns „The meanest man“ mit seinen rollenden Shuffle Rhythmen und schön sägendem Leitriff. Der Refrain ist eher cool, Iggy singt recht human, aber da sind sehr geheimnisvolle Melodien auf der Brücke vom Refrain zur brodelnden Solopassage und schon ist wieder die einzigartige Atmosphäre von Verdammnis da, welche diese Band ausmacht. Die Burschen hätten eine große Karriere verdient gehabt, aber sie sind hiernach einfach wieder verschwunden, bis sie vor einigen Jahren von einem Sammler und Freak wiederentdeckt wurden. Jetzt gibt es also die Reissue auf Vinyl von High Roller Records und auf CD von Shadow Kingdom Records. Die Doppel LP mit elf, die Doppel CD mit zehn Bonustracks, darunter Proberaumaufnahmen und Livemitschnitte in für die Zeit und die Aufnahmebedingungen sehr guter Qualität. Hier darf Iggy Rössner sogar wirklich zeigen, welch wildes Tier in ihm steckt, was seine Bandkollegen sich für die LP Aufnahme verbaten. Nun, wir sind ja mit dem regulären Album noch nicht fertig, da ist der mittelschnelle NwoBHM Style Rocker „Doom power“, gefolgt vom Rock'n'Roll Titelsong, letzterer mit wiederum herrlich kaputtem Gesang in der besten Tom Waits Liga. Und Deathmetal an sich war noch Jahre weg. „Poisonoise“ hat diesen lockeren Tanzbeat, dafür aber zermalmende Gitarrenpower und ein entfesseltes Solo. Diese Scheibe ist schon was besonderes und entweder man verachtet sie komplett oder man ist ihr mit Leib und Seele verfallen. Sucht gar nicht erst nach einem Original, das brächte Euch um den Verstand, die Reissue, grad auf Vinyl ist doppelt so cool. Fetteste SABBATH Riffs zersäbeln Euch beim verspielten, dennoch treibenden „The hound“. Die Band war ihrer Zeit um mindestens zwei Jahre voraus in Sachen Härte und mit einem größeren Budget im Studio, „Poisonoise“ wurde komplett in zwei Tagen eingespielt, daher auch das Livefeeling, wäre sie schier für Jahre die derbste Scheibe im Metalbereich gewesen. Ich finde „The hound“ könnte mit Mark Shelton am Gesang auch auf einer früheren MANILLA ROAD Scheibe gestanden haben, es ist schon etwas verdrehterer Heavy Metal Rock. Melodischer und geheimnisvoll klingt „The lights of the blind“, welches nach 36.33 min. den regulären Albumteil beendet und sich ebenfalls als schmissige Hymne entpuppt. Iggy zeigt hier wie gut er wirklich singen kann. Tolle saubere Vocals kommen aus seiner Kehle, warm, gefühlvoll intoniert. Die Solopassage des Stücks wird von doppelten Leadgitarren dominiert, die einen regelrecht in einen Gefühlsrausch hineinstürzen lassen. So entspannt und zurückhaltend dieser Song auch sein mag, die Emotionen kochen förmlich über. So endet eine Scheibe, die nun wirklich zu meinen Lieblingsalben zählt, nach der ich mich förmlich verzehre. Eine deutsche Heavyrockscheibe, die sich mit den größten Alben von LUCIFER'S FRIEND, den SCORPIONS, DESIRÉE, 2066 & THEN, I DRIVE und ähnlichen Donnerrockern messen kann. Pflichtalbum!

Split Heaven - Psycho Samurai

2009-12-05T10:14:00.000-08:00

(2008, Blower Records, Mexico, 39.35 min)
01. Forged By Steel (Intro)
02. Immortal
03. White Death
04. Psycho Samurai
05. The Wizard
06. Iron Witch
07. The Golden Times
08. Motorblade
09. My Soul Burns Forever
10. Steel Liver
In Mexico sollte eigentlich die Metalszene blühen, aber außer trendigen Schrottkapellen und etwas AOR Glam sieht man oberhalb der Kruste, auf der sich die Rockszene aufbaut, leider gar nichts, was einem die Seele entflammen lassen würde. Im Underground tummeln sich wüst geschminkte Black Metal Fuzzies, dazwischen bitterböse Deathmetalkrawallköppe und viel Neothrash und Hardcore und alles was einem gestandenen Headbanger den Angstschweiß ins Gesicht und den Mageninhalt in aufgeweichter Form aus dem Popschi treibt. Als ich gerade so am Rennen in Richtung der Örtlichkeiten bin, vernehme ich edles stählernes Klirren und mit heller, dennoch forscher, aber immer melodischer Stimme in die Welt hinausgetragene Botschaften. "Steel Liver"? Naja, das gute Guinness und vorher das Jever Dark haben schon ihre Spuren hinterlassen, von den vielen Litern Dithmarscher ganz zu schweigen, aber was ist denn das? SPLIT HEAVEN nennt sich die noch recht jugendliche Kapelle und spielt gar nicht so typisch mexikanisch zum metallenen Ringelreihen auf, sondern hat eine Menge Einflüsse aus dem besten US Metal aller Zeiten in sich aufgesogen, die da eine Menge VICIOUS RUMORS, METAL CHURCH, HELSTAR, SAVATAGE zu prä Bombast Zeiten und ähnliche Kaliber als grobe Vergleichspunkte in die Runde werfen. Metal mit reiner Seele für hingebungsvolle Headbanger. Einige ihrer schnellere Songs gehen nahe an den alten Speedmetal heran, vornehmlich den amerikanischen, aber sie geraten nicht ins Trümmern. Der Klang der Scheibe ist schön natürlich und dabei trotzdem sauber und transparent. Nicht schlecht für eine Aufnahme aus Mexico, aber heute ist ja die Technik recht weit fortgeschritten. Es ist ein Heavy Metal Sound, der alte und neue Schule gleichsam bedient. Gitarren klingen hier wie Gitarren, beim Schlagzeug hört man die Becken wie sie geschlagen wurden. SPLIT HEAVEN haben es auch nicht nötig, mit fiesen Tricks zu arbeiten. Sind sie doch eine ehrliche, hart arbeitende Heavy Metal Band, die es verdientermaßen sogar schon bis nach Wacken geschafft hat. Band Battle Gewinner, wisst Ihr? Wollt Ihr mal wieder Heavy Metal Songs, die zwar nicht auf geschmeidig poppig getrimmt und doch einprägsam und mitreißend sind? Dann seid Ihr hier richtig. Wie im alten Amimetal sind viele Riffs ebenso verdreht und verwinkelt, wie sie markant und ausdrucksstark daherdonnern. Die Gesangslinien haben Zauber, Mystik, erwachsen aus einem Nährboden von reinem Wahnsinn und wilder Leidenschaft, bohren sich regelrecht in die Seele des Headbangers und verankern sich dort, wachsen sogar zu satten Urwäldern heran, wenn man sie denn lässt. Hier ist jeder Song gut, einige sogar absolute Hits. Alleine der Rauswerfer "Steel liver", der das Rockerleben und den damit verbundenen Alkoholkonsum zum Zwecke ungehemmter Partyfreuden mit Augenzwinkern thematisiert. SPLIT HEAVEN haben so herrliche Melodien, verbinden diese mit den wuchtigen Riffs und packenden, dem Hörer den Kopf verdrehenden Leadgitarreneruptionen, die sich auch wieder als sehr prägend für den jeweiligen Song entpuppen. Das hier ist der echte Bangerirrsinn und eine der geilsten aktuellen Scheiben im US Metalstil (und das nicht einmal von einer US Band erschaffen, sondern von den in den USA oft verachteten Mexikanern). Die Jungs hier sind ganz groß! Und wenn sie rasen wollen, dann hält sie keine Mauer auf, dann tosen und polter sie los, aber mit sehr viel technischem Geschick. Vor 25 erschienen, wäre das hier jetzt ein Klassiker und verdammt, es ist ein Klassiker. Diese intensiven Strukturen, das unzähmbare peitschende Lospreschen der Klampfen, das ist jugendlicher Übermut, Hunger nach Leben, das ist pure Magie.
97/100

X - SINNER - World covered in blood

2009-11-28T00:12:00.000-08:00

(2008, USA, Image Records, 42.17)
01. Black in Red
02. What Rock is For
03. Holy Ghost and Fire
04. World Covered in Blood
05. Storm on the Horizon
06. Ready to Go
07. Forgive Them
08. Wanna Be Set Free
09. Got Something To Say
10. Who's Your Friend
11. That Ain't Me
Das nunmehr fünfte Studioalbum der bereits 1988 gegründeten christlichen US Heavyrocker ist eine Offenbarung für meine Ohren. Nicht stilistisch, weil es schwer arbeitenden, treibenden, dampfenden Boogiehardrock nicht erst seit einer Woche gibt (AC/DC waren 1974 mit dem Debüt dran? Oder 1975?), weil er aber immer wieder und ewiglich, sofern mit Leidenschaft und Inspiration inszeniert, einfach nur geil und mitreißend kommt. So auch "World covered in blood", welches bereits Ende 2008 erschien, aber erst spät seinen Weg zu mir fand. Ich brauche nicht viele Worte, um diese Scheibe zu beschreiben und hochzuloben, es ist geradliniger, intensiver Hardrock mit bluesigen und sleazigen Tendenzen, erdig und ehrlich bis auf die Knochen, mit einem rauen, hellen Gesang, der die besten Helden des Genres wie Mark Storace, Tom Kiefer, Bon Scott und den frühen Brian Johnson ins Gedächtnis ruft, mit coolen, derweil aber höllenheißen Riffs, die wohlvertraut klingen, aber eine unheimliche Frische mit sich führen. Boogiehardrock wird einfach nicht alt. Diese Scheibe tritt so ungemein Arsch, dass sämtliche trüben Gedanken an den Spätherbst, durch den ich mich gerade hindurchleide, wie weggewischt scheinen. Die Musik ist übrigens sehr straight aufgebaut, dennoch aber könnerhaft gezockt. Die brodelnden Leadgitarren schmelzen Dir die Sinne zu einem Gefühlsklumpen zusammen, erfüllen Dich mit immenser Glut. Dir, sofern für kräftigen Boogieknolzrock zu haben, wird sich die Hose unterm Hosenstall wölben, wenn Du diese Scheibe auflegst und Du wirst Dich voller Lust auf Deine holde Angetraute stürzen, den ehelichen Pflichten mit Bravour nachzukommen. Eigentlich sind diese christlichen Amis tatsächlich ein Fall für Tante Uschi, die bitterböse Zensursula, da sie offen praktizierten Geschlechtsverkehr propagieren, nun, musikalisch zumindest. Ja, in der Tat, diese Scheibe ist absolut sexy. Wer sich auf alte KROKUS, CINDERELLA, AC/DC, BULLET (D und S), ROSE TATTOO und frühe MÖTLEY CRÜE eingeschworen hat, dem wird hier der Himmel auf Erden geboten. Wer den straighten Sound nicht mag, soll noch ein paar Buddeln Dithmarscher mehr in seine Figur schütten, dann wird das auch was. 93/100

Die Uschi hat zugeschlagen: Das neue RAMMSTEIN Album indiziert.

2009-11-06T02:24:00.000-08:00

"Erfolgreich provoziert: "Liebe ist für alle da" von Rammstein

Die Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien hat das aktuelle Album von Rammstein, "Liebe ist für alle da", auf Antrag des Familienministeriums auf den Index gesetzt. Die Berliner Band gab die Indizierung zunächst selbst auf ihrer Facebook-Seite bekannt:

"Urteilsspruch: Das neue Rammstein-Album ist auf Antrag des durch die Ministerin von der Leyen geführten Bundesministeriums indiziert worden und wird künftig lediglich unter der Ladentheke zu haben sein. Volljährige sollten ihren Ausweis nicht vergessen und dann beim Händler ihres Vertrauens nachfragen."

Petra Meier, stellvertretende Vorsitzende der Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien, bestätigte die Indizierung auf Anfrage von MusikWoche. Es sei ein Antrag auf Indizierung gestellt worden, Universal Music und die Rammstein GbR seien als betroffene Firmen informiert worden und hätten sich bei der Sitzung des sogenannten 12er-Gremiums der Bundesprüfstelle am 5. November anwaltlich vertreten lassen. Das Gremium habe beraten und für eine Indizierung gestimmt.

In einer zweiten Nachricht erläuterte die Formation bereits die Details und die Begründung zur Indizierung: "Indiziert wurden 'Ich tue dir weh' sowie das Foto des Artworks, das Richard mit der auf seinem Knie liegenden Frau darstellt. Begründet wurde es damit, dass dies eine jugendgefährdende Darstellungen von S/M- Praktiken sei." Das Prüfungsgremium sei zudem der Meinung, dass der Singletitel "Pussy" zu "ungeschütztem GV in Zeiten von Aids animieren würde".

Auch diese Darstellung bestätigte die Bundesprüfstelle auf Nachfrage von MusikWoche. Die Indizierung solle nun "in Kürze" veröffentlicht werden; ab dann dürfe der Titel nicht mehr für Jugendliche frei zugänglich ausgestellt oder beworben werden.

Quelle: MusikWoche"

Unsere Politiker, allen voran Uschi "Zensursula" Von der Leyen als treusorgende BDM Leiterin und Reichsministerin für die Kastrierung der Freiheit von Familie, Senioren, Frauen und Jugend hat wieder zugeschlagen...die neue RAMMSTEIN Platte ist indiziert worden, da hier u.a. in "Pussy" die jungen Leute zu "ungeschütztem GV in Zeiten von Aids" animiert würden. Freunde der Nacht, wie sollen wir uns denn FORTPFLANZEN, damit Tante Uschi nicht bald ARBEITSLOS und auf HARTZ 4 oder eine der neuen Leistungen wie HARTZ 1 N 1 angewiesen ist? Ach ja, sie kümmert sich ja auch rührend um die Belanger der Senioren. Ich spreche unserer ach so liberalen Bundesregierung wieder ein großes Lob für ihr Bemühen im Kampf gegen den alltäglichen Faschismus aus...Kulturbanausen

Goodbye Ebay - der Selbstmord des einst besten Onlineauktionshauses

2009-11-04T01:04:00.000-08:00

DANKE EBAY! Danke für die gute Zeit, die wir alle zusammen hatten. Und ein großes LEBE WOHL an Euch! Dass Ihr dieses tristgrauen Erdendaseins überdrüssig geworden seid, haben wir Kunden und Händler (privat und gewerblich) ja doch irgendwie mitbekommen, allein die Gründe dafür sind uns nach wie vor fremd. Was hatten wir doch für einen Spass mit einander, wieviele wunderschöne Platten habe ich gekauft und wieviele verkauft? Nun, als jemand, der seine eigene Sammlung zum Teil in Bares ummünzen muss, was gerade bei vielen neuen Scheiben nicht so weh tut (aufgrund mangelnder Kreativität der Künstler), aber doch eine Notwendigkeit darstellt für einen armen Musiker und Schreiberling, ist es mir persönlich bei Ebay nicht mehr möglich, noch einen vernünftigen Schnitt zu machen, da das ehemals beste Onlineauktionshaus in den letzten Monaten als immer unfreundlicher den Verkäufer gegenüber entpuppte. Es fing damit an, dass Ebay bei der Zahlungsoption PAYPAL verlangte, der Verkäufer möge dass Verkäufer keine vernünftigen Bewertungen für einen Kunden mehr abgeben konnten. Bewertungen, die dem Kundenverhalten auch gerecht wurden. Nun hat es seinen Höhepunkt erreicht, da man den Verkäufern untersagt hat, Versandkosten zu berechnen. Der letzte Nagel im Sarg, wie ich als früher leidenschaftlicherer Nutzer dieser Plattform meinen mag. Es gibt anständiger agierende Onlineauktionshäuser, auch wenn diese noch nicht den großen Namen haben. Zur Not bietet man seine Schätze über diverse Internetforen feil, umgeht die exorbitanten Ebaygebühren und die niederträchtige Behandlung durch den Konzern. Das Internet macht es möglich und wenn ein Riese meint, sich mit uns Kleinen anlegen zu müssen, dann hat er sich geschnitten. Wir sind derer viele, wir sind mächtig! Daher, ruhe sanft, ol' Ebay! War schön mit Dir!

WHILE HEAVEN WEPT - Vast oceans lachrymose

2009-10-29T06:23:00.000-07:00

(CD, 2009, Cruz Del Sur, USA, 42.17)
01.The Furthest Shore
02.To Wander the Void
03.Living Sepulchre
04.Vessel
05.Vast Oceans Lachrymose
06.Epilogue
Eine der schönsten Platten im gesamten Doommetalbereich kam 1999 auf den Markt, hieß „Sorrow of the angels“ und war so dunkel und traurig wie meine Stimmung damals selbst, vor Schmerz über eine nicht erwiderte, eine verlorene Liebe. Wow, das Album sass perfekt. Vier Jahre später dann die Wendung hin zu Euphorie und Glückseligkeit mit „Of empires forlorn“, einem symphonischen (das war „Sorrow of the angels auch schon“), von Elementen des epischen 70er Rocks und Progs durchzogenen Schweben, welches so zauberhaft war, dass man es als durchschnittlicher Erdwurm kaum in Worte zu kleiden vermag. Sänger Tom Phillips, was sag ich, Sänger, nein, MASTERMIND Tom Phillips (nur echt mit Doppel L) hatte sich gar nicht verändert, nur der Ausdruck in seinen Kompositionen und seiner Stimme war ein anderer, überschwenglich lebensfroh, fröhlich und erhaben. Jahre dauerte es, bis sich WHILE HEAVEN WEPT endlich den Nachfolger aus den Rippen leiern konnten und diesmal sind die Änderungen gravierend. Tom hat sich die gesamte amerikanische Prog / Epic Rock Band BRAVE als Verstärkung herangeholt, sein alter Spezi und „Hans Dampf in allen Gassen“ Basser Jim Hunter (REVELATION, TWISTED TOWER DIRE, LORD VICAR, OCTOBER 31) ist mit von der Partie und ein neuer, nun hauptamtlicher Sänger ist dabei. Kann das gutgehen? Ich vermisse Tom keine Sekunde am Mikro, denn seine Kompositionen, einfach nur „Songs“ dazu zu sagen wäre eine Vermessenheit, sind geblieben, sind größer, wilder, fordernder und entschlossener denn je, so episch wie nie zuvor, allerdings „nur“ genauso emotional wie schon 1999 die „Sorrow of the angels“ Scheibe. Tom hat einen einzigartigen Kompositionsstil, der auch bei einer Big Band Besetzung durchscheint, mit betörenden Engelsmelodien, mit traurigen, zornigen, himmel hoch jauchzenden Riffs, schwebenden Leadgitarren, Keyboardsphären, die Dich in Abgründe saugen, aus denen Du nicht mehr emporzuschweben vermagst. Und für Doomverhältnisse angemessen haut die Band dann auch gleich zu Beginn einen fast sechzehnminütigen Kracher raus, der alle Register zieht, mit spannenden, kraftvollen Metalabfahrten, ruhigen, verträumten und doch so üppig schwelgerischen Symphodoompassagen, die in Dir sämtliche emotionalen Sperren lösen und die Herrschaft über alle Sinne aus der Hand nehmen, dramatischen Abschnitten und wiederum von Sanftmut und inniger Liebe geprägte Parts. Ein grandioses Wechselspiel von Gefühlen, von Stimmungen. WHILE HEAVEN WEPT sind mehr Metal als jemals zuvor, haben sich mit „To wander the void“, dem zweiten Song ganz frech ein Stück aus dem Handgelenk geschüttelt, welches die FATES WARNING Phase mit John Arch rezitiert, zuweilen bei den wortlosen, mit heller, hoher Stimme gesungenen Chören auf sehr ehrliche und sympathische Weise sogar die alten Helden schamlos kopiert, was man als Ziehen des imaginären Hutes vor den einzig wahren FATES WARNING sehen kann. Aber diese alten Epicmetalelemente sind bei den heutigen Progmetalkönigen ja gänzlich aus dem Programm gewichen und wenn sich ein Jim Matheos dafür schämt, dann darf sich ein wirkliches Genie wie Tom Phillips daran bedienen wie es ihm gerade richtig erscheint. Sogar für eine kurze akustische Passage ist Zeit und hiernach für rasante, alles zermalmende Powermetalwucht und ich meine POWERMETAL in bester amerikanischer Tradition mit feurigen Leadgitarren, die dem Song an sich noch ein Quentchen mehr Wahnsinn schenken und mit fettesten, prägnanten Riffs. Der neue Sänger brilliert hierbei ohne Ende. Doom kommt natürlich nicht zu kurz, es sind träge dahinschleichende Rhythmen und tonnenschwere Akkordfolgen mit eben jenen wunderbaren Leadgitarren darüber. In sachtem Trab kommt die schwere Kavallerie in Form von „Living sepulchre“ hintenangeritten, um dann in einen flotten Gallopp umzuschwenken. Der Song hat klassische Elemente in seinen Gitarrenmelodien, dann wieder die typischen Tom Phillips Riffs nur eben auf Speed. Seine Atmosphäre ist sehr räumlich, erhaben und majestätisch. Und hier passiert viel, das Stück ist vertrackt, es ist nicht so geradlinig, wie seine oberflächliche Eingängigkeit glauben machen will. Sind sie Prog? Metal mit barocker Klassik vermischt? Doom auf 45? Egal wie IHR es nennt, sie sind WHILE HEAVEN WEPT, wunderschön, treu zu ihrem ureigenen Sound und absolut orthodox. Innovationen wollt Ihr? Sucht die woanders, bei WHW gibt es das nicht. Die akustischen, an alte traditionelle Musik angelegten Instrumentalpassagen sind orthodox, melodische Läufe mit nachdenklich stimmenden Melodiebögen sind orthodox, das kräftige Dahinwalzen in bester Doommetaltradition ist, ja, traditionell und eben orthodox. Und wieder sind nur Hymnen am Start, nur Hymnen! Du kriegst übrigens den Übergang von „Living sepulchre“ auf das wunderschöne „Vessel“ gar nicht mit, weil Du mit allen Sinnen genießt und in größten Gefühlen schwelgst. Die Bildhaftigkeit und tiefe Mystik solcher Bands wie ELOY, das Pathos von JANE, der alte deutsche Pomp wird hierbei nicht abgelegt, aber die Wucht des Heavy Metals ist weiter in den Vordergrund gerückt. Wie ich sagte, mehr Metal waren sie noch nie zuvor. Dies ist eine Platte, die Deine Seele reinigt, wenn Du zu Tode betrübt bist, die Deinen Zorn besänftigt, wenn die Welt Dich anpisst und die Deine Wunden reinigt und liebevoll bis zur Heilung pflegt, wenn Du zutiefst von einem dieser tumben Würmlinge verletzt wirst. Zwei weitere Stücke gibt es nach dem Quartett der höchsten Lüste noch zu hören, zwei besinnliche und doch schwere Instrumentalsongs, die ganz eindeutig der letzten Platte „Of empires forlorn“ einen Abschiedsgruß zuteil werden lassen. Lebe wohl, Du alte WHW Zeit, schön war es mit Dir, doch die neuen Zeiten sind noch güld'ner, glänzender und erhabener. Wem soviel Pomp und Pathos die Birne verhagelt, sollte sich natürlich lieber solche Kleinode wie die neue IRON MAN zu Gemüte führen, denn das ist die andere, roh energetische, erdige Seite des Dooms. WHILE HEAVEN WEPT sind Engelsmusik, ein klanglicher Zauber, in jeder Note eine gewaltige spirituelle Macht.

Stoppt den EU Vertrag!!!

2009-10-25T09:57:00.001-07:00

NACHFOLGEND KÖNNEN WIR WIEDER EINMAL MITERLEBEN, WIE UNSERE FREI GEWÄHLTEN POLITIKER MIT UNSEREN GRUNDRECHTEN POKERN, UM IM ZWEIFELSFALL IHR DRECKIGES SPIEL MIT ALLEN MITTELN ZUM ERFOLG ZU FÜHREN! MAN MAG DAS ALLES ALS PANIKMACHE ABTUN, ABER FAKT IST, DASS WIR ALS MÜNDIGE EUROPÄISCHE BÜRGER SCHON LÄNGER VON DER POLITIK BELOGEN UND BETROGEN WERDEN.

1. Der Vertrag wurde bereits in mehreren Volksabstimmungen abgelehnt.
Statt dies zu akzeptieren, wurde er nur neu verpackt, die Gesetze
wurden, außer in Irland, so geändert, das Volksabstimmungen nicht mehr
nötig waren. Vor diesem Hintergrund ist es auch akzeptabel, wenn Vaclav
Klaus gegen eine Parlamentsmehrheit nicht unterschreibt, weil eigentlich
dem ursprünglichen Verfahren nach die Umsetzung des der als Vertrages
von Lissabon getarnten EU- Verfassung nicht mehr zulässig ist. Die
wirtschaftspolitischen Inhalte des Vertrages von Lissabon enthalten
sogar gegenüber der ursprünglichen EU- Verfassung deutliche
Verschlechterungen.

2. Volksabstimmungen werden von den Politikern des Berliner Bundestages
abgelehnt, weil doch die Bürger so ein Vertragswerk gar nicht lesen und
verstehen würden. Fakt ist, als der Bundestag erstmals dem Vertrag von
Lissabon zustimmte, lag keine deutsche gedruckte verbindliche Fassung
vor. Niemand hatte die Chance, dieses Vertragswerk so sorgfältig zu
studieren, dass er guten Gewissens hätte zustimmen können. Politiker
dürfen im Gegensatz zu den Bürgern offenbar Dingen ungeprüft zustimmen.

3. Der Vertrag enthält Risiken und Defizite für die Zukunft:

---Die gemeinsame Sicherheits- und Außenpolitik unterliegt keiner
parlamentarischen und richterlichen Kontrolle.

---Wesentliche Teile des Vertrages können durch die Bürokratie in
Brüssel ohne parlamentarische Mitwirkung des straßburger EU- Parlamentes
verändert werden. Inwieweit der Bundestag künftig wach genug sein wird,
im Sinne des Urteils des Bundesverfassungsgerichtes gefährliche
Änderungen abzuwehren ist fraglich. Ebenso wird spannend sein, wer sich
durchsetzt, wenn Verfassungsrichter in Karlsruhe und der europäische
Gerichtshof zu unterschiedlichen Urteilen kommen. In besonderen
Situationen kann das Europaparlament auch da umgangen werden, wo es
Mitspracherecht hat.

---Während das Grundgesetz jeden Angriffskrieg verbietet, nennt der EU-
Vertrag äußerst schwammige Kriegsgründe, wie Krise, gescheiterter Staat,
Interessen der EU. Die EU- Verfassung, auch wenn sie jetzt anders
genannt wird, fordert die Aufrüstung und schafft für deren Kontrolle und
Durchsetzung eine Agentur. Militäreinsätze und zahlreiche tote junge
Menschen, wie jetzt in Afghanistan, können zur Normalität werden.

----Die Grundrechtecharta der EU steht unter dem Vorbehalt, dass die
Grundrechte die Wettbewerbsfähigkeit der EU nicht behindern dürfen. Die
Einführung der Todesstrafe schon bei Kriegsgefahr ist kein Verstoß gegen
die Grundrechtecharte, ebenso die Tötung von Personen bei Aufruhr und
Aufständen. Es stellt sich hier die Frage, wie schlecht das Gewissen der
Politiker schon sein muß, wenn diese solche Aufstände befürchten diese
Handlungsoption haben wollen?

---Der Vertrag von Lissabon wird zu einer noch nie dagewesenen
Aushöhlung der Staatlichkeit der Mitgliedsstaaten führen und die
Übertragung hoheitlicher Aufgaben an private Unternehmen in hohem Tempo
vorantreiben. Schon heute haben die mächtigen Lobbys einen
unerträglichen Einfluss auf die Politik ( http://www.gekaufte-politik.de
), aber künftig werden diese massiv gestalterisch die Vorarbeit für
politische Entscheidungen leisten und so ihre Interessen besser
durchsetzen können, als die Gemeinschaft der Völker der EU, die doch der
eigentliche Souverän ist.

V / A - METAL MESSAGE VOL. 5

2009-10-23T01:21:00.000-07:00

(2008, Compilation, Metal Message, 77.47.min)
01. FIMBULVET: Helias Bann
02. HROMOVLAD: Slavia
03. TUMULUS: Kochevonov Plyas
04. DARK FOREST: Journey To Ever-Eternal Skies
05. TIWAZ: The Battlelore
06. DYRATHOR: Im Auge des Sturms
07. XERION: No Pazo Derruido Da Existencia
08. ADORNED BROOD: Sons Of The Damned
09. WAYLANDER: As Deities Clash
10. NATAN: Volkskracht
11. ANDRAS: Miasma Track
12. OBSCURITY: Nach Asgard wir reiten
13. VINTERNATT: De Zwarte Mis
Markus Eck, liebe Leserinnen und Leser, ist ein absoluter Kenner der Metalszene, ein Liebhaber der Musik mit besonderer Hingabe an den Underground, ein Idealist und umtriebiger Geist. Ich kenne und schätze den Mann für seine Taten seit nunmehr vierzehn Jahren und habe das besondere Vergnügen, den fünften Teil der von ihm inszenierten Samplerreihe des METALMESSAGE Webzines vorzustellen. Musikalisch steppt hier der Bär in Sachen Folk -, Pagan - und Vikingmetal, mal derber, mal epischer gehalten. Die CD kommt im DVD Case mit Covermotiv von Ed Repka, der nicht nur durch seine Arbeiten für EVILDEAD, DEATH, MEGADETH und einige andere klassische Kapellen des derberen 80er Spektrums zu einiger Berühmtheit gelangt, sondern gleichzeitig zu Markus persönlichem Lieblingskünstler avanciert ist. Das Motiv zeigt Thor den Donnergott, der sich wutentbrannt auf zwei grünhäutige Orkfratzen stürzt und diesen grausligen Gestalten, sinnbildlich für die Feinde des echten Heavy Metals stehend, mit seinem Mjöllnir den Scheitel zieht. Es hat schon beinahe das Flair alter Ken Kelly Motive für MANOWAR Alben und wird einem jeden Metalhead gefallen. Das umfangreiche Booklet der auf 2000 Stück limitierten Scheibe gibt nicht nur jeder an diesem Sampler beteiligten Band ein Forum, sich mit allen notwendigen Details vorzustellen, sondern beglückt die Augen des Besitzers zudem noch mit erhaben schönen Landschaftsmotiven aus Markus' bayrischer Heimat, angeordnet nach dem Wechsel der Jahreszeiten, zum träumerischen Lustwandeln in eben jenen Gärten Edens (und gerade im Winter ist die südbayrische Natur fast gleich einem Zauberreich) einladend. Entspricht nun der wichtigste Aspekt, die Musik, dieser an visueller und informativer Üppigkeit nur selten erreichten Verpackung in Punkto Qualität? Quantitativ hat Markus auch hier richtig zugelangt, dreizehn Bands aus den verschiedensten Winkeln des Erdballes zusammengeholt, das Drachenboot namens METALMESSAGE Vol. 5 zum Vinnland zu steuern.
Das thüringische Trio FIMBULVET eröffnet den bunten Reigen mit flottem, einprägsamem Pagan Metal der eigentlich recht üblichen Bauweise. Man muss ihnen zugutehalten, dass sie es schaffen, viel von ihrem eigenen Geist in das Genre einzubringen und mit ihren über Umwege ans Ziel gespielten Melodien eine verwunschene Atmosphäre heraufzubeschwören. Ein Einstand, der nicht besser hätte sein können. Die Stimmung ist aufgeheizt, das Met im Trinkhorn schmeckt besonders süß und intensiv, die Party kann steigen. HROMOVLAD aus der Slowakei erreichen das Level des Openers nicht ganz, sind roher, mehr im Blackmetal beheimatet, wobei sie diesen nurmehr als einen Aspekt ihres Paganmetals ins Spiel bringen und eine Menge slawische Traditionsmusik einfließen lassen. Es ist eine solide Abfahrt, die allerdings die von FIMBULVET angeheizte Stimmung etwas dämpft. Dennoch, das wilde Fest ist nicht aufzuhalten. Die Russen TUMULUS sind dagegen schon fast progressiv, sehr verspielt mit einem besonderen Augenmerk auf die russische Folklore, was zwar die direkte Wucht der Musik etwas zurücknimmt, der Seele aber umso heißer brennenden Treibstoff zukommen lässt. Flöten, Tamburine, was auch immer sie an folkloristischen Instrumenten ihres Kulturkreises in die Klauen bekommen, sie setzen es gekonnt ein. Der Gesang ist hier sehr charismatisch. TUMULUS beweisen die Vielseitigkeit dieses Unterbereiches der schweren Beatmusik. Die Kanadier DARK FOREST geben wieder mehr Power auf den Kessel. Der Song "Journey to ever - eternal skies" ist mit acht Minuten länge der epische Kracher hier auf dem Album, mit dem Sound klirrender Schwerter und einer mittelschnell hymnischen Ausrichtung sehr erhaben und zugleich kampfeslustig wirkend. Blackmetal könnte man sagen, schon, ja, Blackmetal pur, allein textlich nicht ansatzweise satanisch. Aber dieses Stück ist ein Paradebeispiel, wie einprägsam und eigenständig man heuer noch vernünftigen Old School Blackmetal spielen kann. Die Kanadier sind übrigens clever genug, sogar ein genrefremdes Instrument wie eine Mundharmonika zu einem festen Bestandteil des Stückes werden zu lassen, ohne dass es anstössig wirkt. Aus Brasilien kommen dann TIWAZ, die sehr blackmetallischen Pagansound bringen, eher die finnische Schiene fahren und gesanglich besonders heldenhaft wirken. Die Party geht wild weiter, die ganze Meute ist inzwischen am glühen, nicht nur vor furioser Leidenschaft, sondern auch durch geistreiches Trinken, die Musik von TIWAZ dazu die beste Beschallung. Sehr melodisch und folkig wirken DYRATHOR, eine sehr junge deutsche Band mit einem dieser komischen Namen. Sie zelebriere ihren Paganmetal sehr stramm an den Genredogmen orientiert, wobei die mehr als solide Darbietung und der durch die Vorgängerbands hervorgerufene Lustrausch des Hörers auch ihr Stück "Im Auge des Sturms" als gutklassigen Fetenhit durchgehen lässt. Derb wird es bei den Spaniern XERION, die hier einen rüden, trostlosen Blackmetal vermeintlich nordischer Herkunft spielen, der den besten und ruppigsten Stücken von MAYHEM oder DARKTHRONE locker das Wasser reichen kann. Die Riffs sind schmissig, die Vocals bösartig wie ein tollwütiger Rottweiller und einen gewissen Wiedererkennungswert hat das ganze auch noch. Innovationsfrei, dennoch aber charmant. ADORNED BROOD sind alte Paganmetalhasen aus Deutschland, die auch schon verdammt lange dabei sind und sich immer noch mit einer ungeheuren frische ihrem Liedgut widmen, welches zwar partiell nicht neuartig, dennoch unterhaltsam und eingängig ist. Schön gemacht ist es, wie sie viele ruhigere Momente mit sehr räudigen Passagen verwoben haben. Das zeugt von Gefühl für diese Musik. Ein fetziger Treiber für die inzwischen auf den Höhepunkt zusteuernde Paganorgie auf der Waldlichtung. Mein persönlicher Höhepunkt kommt mit den Iren WAYLANDER, die typische, kämpferische Inselfolklore und ruppigen Metal / Blackmetal vereint gegen die Besatzer und ihre Handlanger marschieren lassen. Geile Melodien, packende Songstrukturen und rasende Wut werden zu einer absoluten Schlachthymne vereint. So zieht man gerne in den Kampf, auch wenn man den nächsten Sonnenaufgang nicht mehr erleben sollte. Treiben wir den dreckeligen Trendspacken allover the World mal gehörig ihre inneren Dämonen aus. NATAN sind Belgier und zauber uns recht normalen, aber wütenden Melodicblackmetal aus den Speakern. Schöne Einlagen von Piano und Violine sorgen allerdings für einen folkigen Ausdruck bei so manchen Abschnitten, der genau den Antrieb für diesen Song darstellt, der auch gebraucht wird. Hier wird ein hoher Standard erreicht, der für diesen Sampler im Grunde die Messlatte legt, welche ja auch nicht unterschritten wird. ANDRAS ist ein sehr geläufiger Name im deutschen Black - und Paganmetal, sie brauchen nicht vorgestellt zu werden, sie sind eben etwas anders als die Masse, haben gute, epische Melodien und kräftige instrumentale Strukturen, die den Song recht bildhaft wirken lassen. OBSCURITY sind neue Shootingstars im deutschen Underground, spielen tosenden, dennoch melodischen Metal mit hymnischen Momenten und hässlich krächzendem Gesang, der direkt ins Blut geht und erneut für einen Serotoninschub sorgt. Der Sampler steht kurz vor dem Ende, die Party aber geht noch munter weiter. VINTERNATT sind dann die Rauswerfer, nach fast 80 Minuten gibt es nochmals einen Mix aus Blackmetal und Folk, der gut, aber nicht überragend klingt. Ein Song, der den Abschluss des Samplers und das feuchte Ende der Party nicht zu schmerzhaft macht. Markus Eck hat sich hiermit verdammt ins Zeug gelegt, eine Unzahl von Stunden investiert, um dieses detailverliebte Projekt zu perfektionieren, was ihm durchaus gelungen ist. Ob sich die 2000 Exemplare auch sämtlichst verkaufen, mag in Zeiten von Downloads und Myspace Seiten so ein unsicheres Spiel sein, aber Markus ist da einfach zu idealistisch, zu sehr vom alten Schlag, als dass er solchen Trends auch nur einen Fußbreit Boden schenkte. Echte Metalrecken, die sich gerne einen kurzen Überblick über die Pagan Metal Szene verschaffen wollen, sollten sich hier nicht lumpen lassen. Ein Extralob geht an Markus, dass er die Bands sorgfältig ausgesucht und rechte Kapellen direkt weggeschmissen hat. Hoch die Hämmer und mögen die Götter des Lichtes mit ihm sein!

Siena Root - Different realities

2009-10-18T08:07:00.000-07:00

(2009, Transubstans, Schweden, 51 Min)
01. WE
- We are them
- In the desert
- Over the mountains
- As we return
02. THE ROAD TO AGARTHA (RAAGMALA)
- Bairabi
- Bhairavi
- Ahir Bhairav
- Bhimpalasi
- Shree
- Jog

Die soundsovielte SIENA ROOT Scheibe und für mich bisher das beste von dieser Kapelle gehörte Material. Transubstans Records als Auffangbecken für das einstige Nasoni Records Zugpferd ist ein guter Nährboden. Zwei Longtracks von je knapp fünfundzwanzigeinhalb Minuten Länge stehen auf dem Album, wieder unterteilt in einmal vier und einmal sechs kürzere Abschnitte, die auf der CD einzeln anwählbar sind, aber nur als Ganzes wirklich Sinn machen. Es fängt besinnlich an mit "We are them", einem dahinschwebenden Rocker im besten 1970er Stil, der viele ruhige, sentimentale Momente mit nachdenklicher Grundstimmung in sich birgt, dazwischen einmal in tänzelnde Rockpassagen abdriftet, die immer nur recht kurz währen. Hier ist die sanftere Seite der Band stärker ausgeprägt, womit ich als 70er Maniac dennoch gut leben kann. "In the desert" vereint als Instrumentalzwischenspiel eine mediterrane folkige Melodieführung akustischer Gitarren mit nordafrikanischen Zutaten, betörenden Flöten unter anderem, bevor es dann ab zur Wanderung "Over the mountains" geht, einem wilden, verspielten Heavyrock mit jaulender Gitarre, der schnell in groovigen Gefilden mit souligem E Piano über entspanntem Rhythmusteppich aus Bass und Schlagzeug mündet, aber immer wieder von der Gitarre einen verpuhlt bekommt. Ein An - und Abschwellen, ein spaciges Brummen, als wären wir mitten auf einem alten PINK FLOYD - oder HAWKWIND Album gelandet, nun stampft der harte Rock schön wütend wie ein Zyklop umher, dazu gibt es wortlose Chorgesänge mit Falsettstimme, welche die frühen URIAH HEEP wieder lebendig machen. Oh ja, SIENA ROOT bestreiten gar nicht, eine zweihundertprozentige Retroband zu sein, aber trotz vieler Zitate haben sie Charisma und das Gespür für emotionsgeladene Songs. Der Gitarrist bearbeitet hier seine Sechssaitige (wofür mehr Saiten und warum tiefer stimmen? Hinfort mit dem modernen Plunder...) mit absoluter Besessenheit und spielt doch stets im Dienste der Komposition. Eine Passage folgt, in der das Schlagzeug einen straighten Teppich klopft, über dem zuweilen die Gitarre zwei Akkorde rausrotzt und man ist zurück im elegant dahintänzelnden 70s Hardrock, der durch die analoge Produktion auch noch fucking awesome, eben echt original klingt. "As we return" ist dann die Rückkehr zur Nachdenklichkeit, zu graubunten, melancholischen Herbstträumen, zu Spaziergängen unter großen Bäumen, die sich langsam auf den Winter einstellen. Immer wieder langen Hardrockeruptionen zwischen diese verträumten Melodien, dann wird dieser Abschnitt der Komposition "WE" intensiver, wenn auch nicht derber, aber intensiver mit wuchtigen Orgelläufen. Aber wie das so mit tiefer Melancholie ist, Du kannst für einen Moment aus ihrem Griff ausbrechen, aber sie holt Dich stets wieder zu sich zurück. Der Song ist nicht hoffnungslos, nein, nein, nur eben nachdenklich, nicht schwarz, sondern grau mit leichten Tupfern von braun und rot. Man ist noch ein wenig davon benommen, da taucht "Bairabi" am Horizont auf, ein doomiger, erhabener Lauf mit einer beschwörend dunklen, sehr mystischen Melodie und spaciger Leadgitarre, die an den Kulturkreis des indischen Subkontinents gemahnt. Acidrawk, yeah, aber irgendwie sehr düster und bedrohlich. Als hätte die indische Göttin Shiva Dich bereits mit ihren vielen Armen im spirituellen Würgegriff und würde Dich der Zerstörung zuführen, deren Gebieterin sie ist. Das akustisch - folkige, indisch - mystische "Bhairavi" ist dann die Schöpfung im Garten der Götter, basiert auf Sitar, Tablas und Flöte, spielt eine zauberhafte Melodie, wieder und wieder. Es hypnotisiert Dich förmlich. Dann wird es intensiver, eine akustische Gitarre setzt ein, es wird wilder, aber auch wieder europäischer mit merkwürdigem Getröte als Rhythmus, verschiedenen, von mir nicht zu identifizierenden Blas - und Streichinstrumenten. Es hat einen Hauch von Zigeunermagie, von der Zauberkraft des Balkans und des europäischen Ostens, wo Orient und Oxident aufeinander treffen. SIENA ROOT wechseln hier die Kulturen so schnell und so geschickt, dass der Hörer sich nurmehr in Ekstase windet und lustvoll die Kontrolle über seine Sinne verliert, aber nicht merkt, dass er bereits im siebten Song "Ahir Bhairav" gelandet ist. Und ebenso schnell und ohne Absetzen geht es weiter in "Bhimpalasi" hinein. SIENA ROOT vermengen hier folkloristische Elemente soviele verschiedener Kulturen, sie schaffen wahre World Music mit "The Road to Agartha". Es geht über eine Brücke aus Percussions weiter zu "Shree", der wieder orientalische Züge trägt und zurück nach Südostasien führt. Diese lange Suite kappt dem Hörer alle Hemmungen, lässt ihn in einem Emotionssud quasi ertrinken, der aus Leidenschaft, wilder Lust am Leben und freiester, allerdings auch reinster Liebe besteht. Hochprozentiger Stoff zum "high" werden. "Shree" ist musikalisch die reinste Ekstase, wild und verdammt gut auf den akustischen Instrumenten gespielt. Rockiger wird es mit "Jog", dem letzten Abschnitt, bei dem Acidrock so langsam die orientalische Folklore ersetzt und dem Hörer kurz vor dem physischen Zusammenbruch mit brodelnden Soli über entspannten Läufen die Chance gibt, wieder vom Gipfel der Lust abzusteigen und seine Sinne in klaren, spirituellen Quellen abzukühlen. Dieser zweite Longtrack ist in der Tat Sex in seiner reinsten Form, ohne Schranken, ohne Gedanken, ohne Zweifel, er ist ein reines Loslassen, pure Magie. Auch hier finden sich wieder Hinweise auf die Wurzeln der Band, auf CREAM, LED ZEPPELIN, George Harrison, BLACK SABBATH, dazu reihenweise schwedische und deutsche Acidrocker der frühen 70er wie AMON DÜÜL II, NOVEMBER, BABY GRANDMOTHERS, MECKI MARK MEN und solche Obskuritäten. Fuck, es ist einerseits eine herrliche Rückblende in musikalisch glücklichere Zeiten, aber dann ist es auch ein Beweis, dass man als junge Band noch so pure, lusterfüllte Musik spielen kann, die frei und entspannt ist. Es braucht wohl seine Zeit, bis der Hörer die volle Farbenpracht dieses Albums erfasst hat, aber wenn sie ihn letztendlich durchdringt, gibt es für ihn kein Zurück mehr. Und so wird "Jog" zum Ende hin erneut feuriger und wilder, mit kleinen Einblendungen von indischer Ragamusik und vielen Sitarleads über treibendem Hardrock. Sitar statt Stratocaster, wow, welch glorreiche Idee. Ich hab keine Ahnung, was dem hier noch folgen wird, aber ich kann sagen, dass 2009 voll ist mit Musik, die einen total aus den Schuhen haut, weil wieder Kreativität und Inspiration auf dem sehr physischen, körperbetonten Fundament sitzen und man sich wieder echter Musikalität hingibt, statt sich im Studio zu Tode sterilisierte Allerweltskompositionen vom Produzenten zurechtbasteln zu lassen. Ganz große Kunst und doch ein kommerzielles Potential sondergleichen, das müssen Transubstans nur ausnutzen, diese Musik dem jungen, von Poprock und Nu Metal verdorbenen Hörer in die Seele meisseln.
97/100

While Heaven Wept - Of empires forlorn

2009-10-10T01:38:00.000-07:00

(2003, Rage of Achilles, USA, 40 Minuten)
01. The Drowning Years
02. Of Empires Forlorn
03. Voice in the Wind
04. In Aeternum
05. Epistle No. 81
06. Sorrow of the Angels

Wie definiert man „Schönheit“? Wie kann man sie perfekter und packender darstellen als mit Musik? Liebe Freunde, While Heaven Wept sind mit neuem Album zurück, nach satten vier Jahren Wartezeit, sie sind wieder da und ich völlig erschlagen ob der überwältigenden emotionalen Ausdruckskraft, die Mastermind Tom Phillips erneut in seine Songs gelegt hat. Der Pathos, mit dem die Band ihre Melancholie zum Ausdruck bringt, wurde nochmals gesteigert, dennoch ist die Grenze zur Unerträglichkeit in die Ferne gerückt, mein Kompliment dafür. Neben den massiven Riffs und den wuchtigen Beats sind es wieder diese packend eingängigen Melodien, welche den Zauber dieser CD ausmachen. Du wirst sie stundenlang mitsummen, ja sogar mitschluchzen, so sehr werden sie Dich berühren. While Heaven Wept gehen dabei den geraden Weg, verzichten, wie üblich für Doommetal, auf spieltechnische Schnörkel, geben uns die puren Akkordpeitschen zu schmecken und reichern diese mit majestätischen Keyboards an, die nichts an sich haben, was den jeweiligen Song etwa verweichlichen könnte. Oh nein, sie verstärken die zermalmende Schwere der Gitarren noch, die hier neben Tom auch ein Mitglied der genialen Proghardrocker Brave zupft, bei denen Tom im Gegenzug auf der letzten EP die Gitarre übernahm. Ich kann Euch versprechen, nachdem die letzte Note sehnsuchtsvoll in die Ewigkeit hinfortgeklungen ist, werdet Ihr eine ganze Weile keine andere Scheibe hören wollen, einfach deswegen, weil es emotional keine Steigerung mehr gibt. Wenn es Gott wirklich gibt, dann bringt Euch dieses Album in seine direkte Nähe. Erstklassig umgesetzt wurden hier unter anderem Stücke von der „Lovesongs of the forsaken“ EP und ein traditionelles Lied, „Epistle No. 81“, welches schon Candlemass auf ihrer „Ancient Dreams“ LP hatten oder gar die Coverversion der Krautrocklegende Jane "Voice in the wind", doppelt, ach dreifach so beeindruckend wie das sehr schöne Original. So wunderschön, daß Ihr nicht mehr Herr Eurer Tränen sein werdet. Weint nur, meine Freunde, weint nur, es ist angesichts der Größe und Erhabenheit dieses Albums keine Schande. While Heaven Wept haben mich vor vier Jahren mit dem damals aktuellen Album in einer sehr schweren Zeit musikalisch unterstützt, mir die Kraft geschenkt, meine Seele von Qual und Zorn zu reinigen, so soll es auch in diesen Tagen mit „Of empires forlorn“ geschehen. Den Bass zupft hier übrigens Revelation / October 31 / Twisted Tower Dire Tieftöner Jim Hunter, dieser Tausendsassa, welcher ein verdammt gutes Händchen für brillante Bands zu haben scheint. Also, an metallischem Doom gibt es kaum eine bessere Scheibe in diesen Tagen, auch wenn Unsilence und Forsaken verdammt hart am Wind segeln.

7th Reign - Fallen empires

2009-10-05T01:07:00.001-07:00

(2009, Kanada, Eigenvertrieb, 61.59 min)
01. Servants of the Lost
02. Unbeliever
03. 7th Reign
04. Fallen Empires
05. Betrayed
06. The Other Side
07. Deliverance
08. Requiem for the Dead
Das zweite Album der Kanadier um Brian Soulard, den ehemaligen EIDOLON Fronter, erreicht gerade mein Büro, also rein in die Anlage und aufgedreht, dass drüben die staubigen Rückstände der Piano Bar Ruine tanzen und bei der Handelsschule die Fenster klirren. Rasant und melodisch präsentieren sich die Herren auf diesem Album. Melodicmetal alter Schule, ein wenig Progmetal darin, viel, viel Powermetal als solide Grundlage und schon geht es ab. Die 80er lassen auf jeden Fall in einigen Momenten grüßen, wenn sich 7th REIGN fast schon hardrockigen Gefilden nähern, aber durch ihre sehr kreative, inspirierte Gitarrenarbeit und die packenden Gesangslinien selbst hier die Sinne des Hörers zu betören wissen. Die mystischen, orientalischen Läufe, welche sich die Musiker auf der Scheibe aus den Ärmeln schütteln, gefallen allerdings auch sehr. Erhaben schweben die Kanadier in solchen Songs auf kraftvoll stampfenden und treibenden Rhythmen herum, lassen auch einmal sämtlichen Groove weg für eine mystifizierende Zwischenpassage mit erhabenen Keyboards und einem beschwörenden Gesang, was schon eine sakrale Stimmung aufkommen lässt. Die Stimme ist ohnehin komplett eigenständig und charismatisch, dass man 7th REIGN nach mehrmaligem Hören immer wiedererkennen sollte. BLACK SABBATH Platten wie „Eternal idol“, „Headless cross“ und „Tyr“ lassen grüßen. Diese Einflüsse werden mit dem melodiösen Powermetal von Bands wie den VICIOUS RUMORS verbunden und ergeben einen herrlich unschwuchteligen, aber doch pathosgeladenen melodischen Metal, der edel und erhaben aus den Boxen schwappt. Filigrane Details und donnernde, metallische Wucht schließen sich hier nicht aus, sondern finden in sehr inniger Leidenschaft zusammen. Die Harmonien brennen sich tief in den Geist ein, verankern sich dort und lassen Dich nach wenigen Durchläufen bereits nicht wieder gehen. Einige Passagen sind so ergreifend schön, dass man kaum mehr atmen kann. Gerade bei den beiden über zehnminütigen Epen "Deliverance" und "Requiem for the dead" am Ende des Albums will einem das Herz vor Glückseligkeit stehenbleiben. Die Texte haben einen besonderen Tiefgang, basieren auf christlich orientiertem Gedankengut, allerdings ohne predigend und oberflächlich zu wirken. Die schwedischen, deutschen, finnischen und italienischen Gitarrenschlagerkapellen sollten sich einmal solche Ideen kommen lassen. Vor zwanzig Jahren hätten man hier noch von kommerziellem Potential sprechen können, aber nach Grunge, Raprock, Emo, Blink 182 und Billy Talent sind wohl bei den Kids im Rockbereich die Birnen derartig weichgedröhnt, dass majestätische Riffs und mitreißende Kompositionen kaum einen Stich mehr haben. Metalheads sind gefragt, Metalheads, die es auch gerne melodiöser mögen. Der Sound ist bodenständig geblieben, trotz der Keyboards, trotz seiner Transparenz. Die Musik klingt handgemacht und ehrlich. Ich könnte mir vorstellen, dass die Fans von totaler Obskurität und Schrägheit mit der geradlinigen Melodik dieser Musik Probleme haben werden, aber weniger Metal sind 7th REIGN dadurch nicht. Im Gegenteil, im Gegenteil. Ich werfe mal Fans von Bands wie HELLOISE, den ungarischen LORD, VAVEL (wenn deren Sound besser gewesen wäre), den griechischen MYSTERY und solchen Acts der Marke HEIR APPARENT und QUEENSRYCHE als Zielgruppen in den Raum. Aber auch Liebhaber eingängigerer Amikost dürfen sich an diesem Album erfreuen. 7th REIGN bleiben stets spannend, emotionsgeladen und eindringlich, vor allem aber PHREAKIN' 'EAVY!
93/100

RAZOR FIST - Metal minds

2009-09-19T01:07:00.000-07:00

(2009, USA, Pure Steel Records,)
01. Fury of the Warrior
02. Metal Minds
03. Runner
04. Cosmic Hearse Driver
05. The Seer
06. First Strike
07. Thirst for Disaster
08. Silver Howler
09. Breath of Fire
10. Loud into the Night
Einen fetten Speedmetal mit extrem schrillen Vocals, die einen US Metalfan an eine Mischung aus John Bonata (THRUST), Paul Baloff (EXODUS, PIRANHA), Tim Baker (CIRITH UNGOL) und Kaizer Fist (OUTBREAK) auf hysterisch erinnern, klopfen RAZOR FIST auf ihrem zweiten Album. Wenn man seine Lauscherchen erst einmal an diese extrem rostige Stimmbandvergewaltigung gewöhnt hat, folgt die Belohnung in Form von packenden, eingängigen Speedmetalhymnen auf dem Fuße. Spielerisch top umgesetzt, kompositorisch so geschnitten, dass sie nie in komplizierte Strukturen ausarten, immer schön direkt die Nackenmuskulatur ins Schwingen versetzen, sich als kleine Ohrwürmer in der Seele des geneigten Headbangers festkrallen und dem guten alten Speedmetal wieder neue Frische schenken. Allein der wilde, furiose Refrain des Openers "Fury of the warrior" könnte sich als neue Metalhymne entpuppen, wenn die Fans es nur zulassen. Schön sind die eruptiven Passagen auf diesem Album, wo der Bass durch exzessive Saitenbearbeitung dem Brummen einer Motörsäge gleichkommt. Das ist Metal. Der Sound ist lebendig, die Musik wirklich handgemacht mit viel spielerischer Leidenschaft und großem Talent. RAZOR FIST schreiben schmissige Songs, die allein durch den Gesang nicht wirklich jedermanns Sache sein, einen Haufen verrückter Metalheads jedoch sicherlich in höchste Verzückung versetzen dürften. Die Soli sind schön intensiv und kochend heiß. An Melodien mangelt es den Amis auch nicht, die auf den Bandfotos eher wie eine bekiffte Psychedelicband aussehen, es sind Melodien, die sich langsam entfalten und dann mit einer immensen Kraft zuschlagen. Irgendwann bist Du RAZOR FIST einfach verfallen, ein Zurück gibt es dann nicht mehr. Einen besonderen Oberhit kann ich abgesehen vom Opener nicht ausmachen, aber der insgesamt ist das Level der Stücke echt hoch. Wer auf alte Speedmetalhelden von OVERKILL über AGENT STEEL, EXODUS, HOLY TERROR bis BLESSED DEATH abfährt, der wird in dieser Scheibe ein absolutes Juwel entdecken. Wenn die Gelegenheit besteht, sichert Euch gleich noch den Vorgänger von 2006. 89 von 100

HJALLARHORN - Iron clad soldiers

2009-09-19T00:12:00.001-07:00

(2009, Norwegen, Pure Steel Records, 50.01 min)
01. Battle Of Repulsion
02. Iron Clad Soldier
03. Brigade
04. Blood And Black Lace
05. The Changeling
06. The Horn
07. Scathed And Torn
08. Eye Of The Storm
09. The Machinist
Neun Songs für ein Hjallarleluja! Sie sind aus Norwegen, Baujahr 1993 mit einer längeren Pause mittendrin und einer Leidenschaft für puren Metal. Vergesst den ganzen Blackmetalkram aus dem Land der Fjorde, hier kommt die stählerne Vollbedienung, nach der Ihr Euch lange gesehent habt. Stilistisch befindet man sich in der Grauzone zwischen Amispeedmetal mit raueren Vocals und traditionellem Heavymetal, der für den Hymnenaspekt sorgt. Schon das Hauptriff des eröffnenden "Battle of repulsion" macht klar, wessen geistiges Kind diese Wikinger sind. Die Riffs schrubben schön, ohne dass sie die guten Melodien vermissen lassen. Der Gesang ist roh und rotzig, hat jedoch Charisma. Man denkt sofort an den Thrashmetal der späten 80er. "Brigade" ist ein schöner Song, der zuerst zäh dahinwalzt und stampft, dann in einen treibenden Part ausbricht, auf dem ein furioses Solo liegt, bevor er wieder ins schwerfällige Stampfen gerät. Soliert wird weiterhin mit voller Inbrunst, bis die Saiten zu dampfen beginnen. Als Vergleichsbands fallen mir erst einmal XENTRIX und weniger extreme CEREBRAL FIX ein, gerade beim doomigen Teil von "Brigade". Ein herrlich intensives Stück. Doch der Speedmetal kehrt mit fliegenden Fahnen zurück und HJALLARHORN bringen hiermit die Wohnstube zum Kochen. Es knattert und rattern schön dreckig aus den Boxen beim flotten "Blood and black lace", welches mit ganz traditionellen NWoBHM Passagen im Mid Tempo aufgelockert wird. Einen Blumentopf für Innovationsfreude werden HJALLARHORN hierfür echt nicht gewinnen. Orthodox gibt man sich, wenn auch eher der Zeit um 1983 zugewandt, ANVIL, METALLICA, EXCITER sag ich mal. Man kann hier und da immer wieder die Einflüsse heraushören, aberHJALLARHORN machen ihre Sache gut und klingen frisch mit Wiedererkennungswert. "The Changeling" fetzt und rast zuweilen ordentlich wild durch die Botanik, hat dann zum Ende hin einen schönen akustischen Gitarrenpart mit aufgeregtem, aber zurückhaltendem Drumming darunter, der eher an skandinavische Folklore denken lässt und einer gewissen Grundepik nicht entbehrt. Und hier ist wieder die totale Eigenständigkeit der Band zu spüren. Was da wohl noch auf uns zukommt. Die Melodie hier am Ende von "The changeling" ist so ergreifend schön, man ist mehr als nur zutiefst angerührt. Aber HJALLARHORN walzen den Part nicht zum Erbechen aus, gut so. Sie sind und bleiben eine Metalband, eine Speedmetalband. Das sagt uns der wütende Song "The horn", welcher gleich hinter "The changeling" um unsere Ohren donnert. Melodisch ist er irgendwo, aber unheimlich zornig und wild. Die Speedmetalklampfen schrubben besonders hart und schmerzvoll. Gespielt wird übrigens meisterhaft. Die Band ist in allen Belangen ein Top Act, weiß gute Songs zu schreiben und diese ansprechend umzusetzen, sogar noch Raum für filigrane Details zu schaffen. Das ist bei "The horn" aber egal, der mörderische Speedmetal zwischen "Kill 'em all" und "Heavy metal maniac" rasiert einem die Kartoffel vom Hals. Highlight für mich ist "Eye of the storm" mit seinem emotionsgeladenen Refrain, der den Song zu einem echten Ohrwurm macht. Ganz majestätisch mit Piano, dezenter Marschtrommel und leichten Gitarren als Untermalung für eine große, episch folkloristische Gesangsmelodie beginnt "Eye of the storm", dann setzt der Metal mit voller Wucht in Form eines packenden Hauptriffs ein und ab geht es. Eine Hymne vor dem Herrn, verdammt! Der raue Gesang wird besonders leidenschaftlich in die Welt hinaus geschrien. Und genauso besinnlich wie es begonnen hat wird "Eye of the storm" auch beschlossen. Schön. "The machinist" gibt dann zum Schluß des Albums hin nochmal alles. Walzt über die Feinde des echten Metal hinweg wie ein Panzer, donnert und bricht dann in eine furiose Speedattacke aus. Wogende Riffs sorgen hiernach für Hymnencharakter und sollten das Stück zu einem Livefavouriten machen. Schon das Eröffnungsriff mit folkig angehauchter Melodie war geil. Ein schönes Speedmetalfeuerwerk für die ganze Headbangerfamilie also, alte Schule und doch jugendlich frisch, ehrlich, erdig und handgemacht. So wie man seinen Metal eben gerne hat. 87 von 100

RELIC - Only dreams

2009-09-11T01:56:00.000-07:00

(2004, USA, Eigenpressung,
01. Triumph of Pain
02. Only Dreams
03. Night & Day
04. Where Is the End?
05. Light Finds the Way
06. Music Makers
Ich hab zuerst das letzte, das dritte Album der US Band Relic gehört und fand es ja mehr als cool mit seiner verdrehten, intensivst mystischen Atmosphäre, die einem die besten Momente von DEATH SS oder SEASONS OF THE WOLF ins Gedächtnis rief. Nun sind die früheren Alben natürlich noch etwas basischer geraten, man mußte sich ja entwickeln, aber dem Mainstream hatten sie bereits damals abgeschworen und erstklassige Songs waren auch vorhanden. Auf „Only dreams“ hat man einen sehr starken symphonischen Einschlag gen Progressiverock und Neoprog mit wunderschönen Gitarrenläufen und verzaubernden Keyboardpassagen, was einen an viele Bands der späten 70er erinnert, ich sage nur ELOY. Einen ähnlichen Umschwung hin zu mehr Metal hat es ja u.a. auch bei den aktuell so angesagten Progbarden HEART OF CYGNUS gegeben. Mehr oder weniger Metal bedeutet jetzt nicht mehr oder weniger Genialität. „Only dreams“ ist einfach ein Album, welches seinem Namen alle Ehre macht und den Hörer in üppigem Klang schwelgen lässt. Der Sound hat sogar eine Affinität zu den 70er Helden des Genres und will so gar nicht in unsere hektische, kurzlebige Zeit passen. Ich höre ELOY, ich höre IQ und MARILLION aus dieser Musik heraus, die sehr episch und eindringlich ist, die sehr bildhaft wirkt und Dich mit sich reißt in andere Dimensionen. Hardrockige und metallische Momente sind natürlich auch zu bewundern, um mal den geneigten Metalhead ruhig zu stellen, aber sie halten sich gegenüber dem progressiven, symphonischen Rock noch etwas zurück. Dennoch ist das hier alles andere als Pop, es hat nicht einmal die gleiche Postleitzahl wie Pop. Die Melodien fließen hin und her, pendeln zwischen euphorisch und nachdenklich, werden sogar sehr mystisch und heldenhaft in manchen Momenten. Die Genialität einiger früher MARILLION Werke zu Fish Zeiten erreicht man sogar an gewissen Stellen. Das sind grobe Vergleiche, da RELIC doch einen ganz eigenen Kopf haben. Wer es nur ultraheavy braucht, der ist hier falsch, denn RELIC zeigen durchaus ein Gespür für eine flauschige Seite, die halt nicht ultrakommerziell ist. Der leidende Gesang klingt mit all seiner Theatralik schon nach dem einen oder anderen britischen Neoprogkünstler, natürlich haben sie das Zeug gehört und sie müssen es sogar komplett verschlungen haben, so eindringlich sind ihre Werke geworden, so authentisch tönen sie nach altem Englandsound, dabei aber immer kauzig und kultig. Wer auf epischen Neoprogrock mit gelegentlichem Metaleinschlag steht, der wird hier in einen wahren Lustrausch gestürzt.
CD gibt es bei www.hellionrecords.de
87/100

FATES WARNING - Awaken the guardian (Vinylklassiker)

2009-09-06T01:32:00.000-07:00

(1986, USA, Metal Blade Records, 47.51)
01. The sorceress
02. Valley of the dolls
03. Fata morgana
04. Guardian
05. Prelude to ruin
06. Giant's lore (Heart of winter)
07. Time long past
08. Exodus
1986 war der zweite Gitarrist Victor Arduini ausgeschieden und für ihn der Klampfer der Powerspeedkapelle DEMONAX, Frank Aresti, bei FATES WARNING eingestiegen. Die Band machte somit auf ihrem dritten und bedeutendsten Album "Awaken the guardian" einen Quantensprung nach vorne, instrumental und kompositorisch. Der ohnehin mystisch verzaubernde Heavy Metal, welcher die ersten beiden Alben beherrschte, wird auf dieser Scheibe durch ein Gewitter aus Riffs und Breaks auf die Spitze getrieben, die Band spielt wie ein einem Lustrausch, während auf den Fundamenten aus Riffs und Rhythmen, sowie einigen Leads die Stimme von John Arch mit einer Anmut und Eleganz, aber gleichzeitig auch infernalischen Power dahinreitet. Beherrscht er dieses Album, wie von einem anderen Rezensenten angesprochen? Er bringt den roten Faden in die Musik, die Eingängigkeit, aber dennoch verstärkt er den Wahnsinn dieser Platte um ein Vielfaches, die brodelnde Intensität wird durch seine Screams und betörenden Melodien fast schon unerträglich und dennoch ergreift sie den Hörer auf der Stelle. Das ist die große Kunst des Komponierens. Jim Matheos, Kopf und Gitarrist der Band, hasst seine alten Scheiben? Er muß komplett bescheuert sein. Die Inbrunst, mit der Arch hier den Megahit "Fata Morgana" beackert ist nicht in Worte zu fassen. Wunderschöne Gesangslinien stecken beim Anhören Deine Seele direkt in Brand, sei es im relativ geradlinigen Strophenteil, dessen Basisthema auch den Soloteil bildet, sei es auf den verwinkelten Progmetalparts oder dem rhythmisch ausbrechenden Refrain. Ja, John Arch ist eine beherrschende Kraft, aber ohne diese Songs dahinter hätte er sich niemals so entfalten können. Also stimmt die Aussage meines Standeskollegen der Babyblauen Seiten nur zum Teil. Aber das liegt wohl auch eher im Auge des Betrachters bzw. im Ohr des gebannt Lauschenden. Und FATES WARNING schlagen hier die Brücke zwischen soviel Tiefgang und Anspruch, dass man der Musik wirklich zuhören muss und dem Wunsch, sich einfach nur den Geist aus dem Leib zu bangen. Mein persönlicher Favourit ist das vierte Stück, "Guardian", welches besinnlich anfängt, dann in einen krachenden und doch melodischen Metal ausbricht und wiederum in ruhige, geheimnisvolle Passagen mit Gesang hineinfließt. Du bist verzaubert, gefangen in diesen Harmonien und wirst mitgerissen. Der Refrain ist euphorisch, erhaben groß und betörend schön, dass es Dir fast das Herz explodieren lässt. Es gibt nur wenige Songs, die mir eine Gänsehaut auf dem ganzen Körper geben, das hier ist einer von ihnen, gleich neben "Dreams of Eschaton" von MANILLA ROAD, einer der gewaltigsten und majestätischsten Heavy Metal Killer! John Arch und seine Backingband müssen im Moment des Komponierens und später beim Einspielen wohl die Tür zum Götterreich aufgestossen und vom heiligen Manna gekostet haben, denn dieser Song ist wahrlich erleuchtend. Und er bleibt nicht einfach nur episch, majestätisch, er kommt wuchtig ins Rocken und Treiben mit immer noch wahnwitzigeren Gesangsausbrüchen und herrlichen, den Orgasmus hinauszögernden Breaks. Und wenn ich jetzt anfange zu weinen, dann weil mir dieser Song echt alles nimmt und zugleich alles gibt. Wenn es pure Liebe in Musik gefasst geben sollte, dann ist es "Guardian". Kann nach solch einem Abschluss die B Seite noch was? Und wenn, ist das von Belang? Verauasgabt und erschöpft hängt man in den Seilen, als die Band mit weiteren geheimnisvollen Gitarrenläufen, bei denen die Leadgitarren immer ein wenig geduckt ihre prächtigen Harmonien auf die bissigen Riffs spielen über angenehm verdrehten und doch metallisch groovenden Rhythmen "Prelude to ruin" ins Rennen wirft. John Arch dreht schon wieder komplett am Rad. Schlenker, Ausbrüche, aber auch Melodien von nie gehörter Anmut und selten so intensiv erlebter Leidenschaft werden von seiner übercharismatischen Stimme in die Ewigkeit geschickt. Und das mit einer Entspanntheit, mit einer coolen Art, die schon fast frech anmutet. Ja, der Mann und die Band können alles, auf diesem, absolut überdimensionalen und doch durch den Verzicht auf Kitsch und Verweichlichung durch Keyboards, den Verzicht auf Mainstreamattitüden und Popanklänge so bodenständigen, ehrlichen Album. "Prelude to ruin" ist solch ein Killersong mit einerseits sperrigen Parts und andererseits tödlichen Hitpassagen, die so weit abseits allen Massengeschmacks laufen. Reich und berühmt wollten FATES WARNING hiermit sicher nicht werden, aber verdient hätten sie es. Ich schreibe meine Kritik hier anhand der alten LP, der wunderschönen mit dem gewaltigen mystischen Bild als Frontcover, für die zu spät gekommenen Nachwuchsbanger und 80er Freaks, die dieses Album damals verpasst haben, gibt es von Metal Blade eine Nachauflage. Doppel CD und DVD mit Demos und Livemitschnitten zum Album respektive einem kompletten 86er Konzert der Band, bei dem Mike Portnoy von DREAM THEATER persönlich im Publikum stand. Ohne dieses Album hätte es soviele nachfolgende Progmetallegenden nie in der Form gegeben, wie sie letztendlich gewesen sind. Die 90er wären anders verlaufen, der Progmetal wohl noch mehr Gefrickel (womit sich WATCHTOWER ja nach ihrem kultig verrückten und wahrlich echtmetallenen Debütalbum viele Freunde und auch Feinde machten) und weniger Seele in Form von eigensinniger, inspirierender Melodieführung. Wie man es auch dreht und wendet, das hier ist einer der absoluten Volltreffer und ein eternales Meisterwerk, von denen es auch in den güld'nen 80ern, dem Metaljahrzehnt, nicht viele gegeben hat.
100 / 100

REALMBUILDER - Summon the stone throwers (Neues Vinyl)

2009-09-06T00:35:00.001-07:00

(2009, USA, I HATE RECORDS, 34.57)
01. Bow Before the Oligarchy
02. Silver Ziggurat
03. Ninety-Nine Raids
04. Forgotten Minion
05. Summon the Stone Throwers
06. Colossal Glaciers
07. The Tarnished Crown
Eines vorweg, Mainstreammetalbrüdern (und seien sie von Gott, Odin und Satan für ihre Brüderschaft gepriesen) wird dieses Album nicht, aber auch wirklich gar nicht gefallen, so kauzig, sperrig, spröde und obskur kommt es zähflüssig aus den Boxen getönt. Die Melodien der sieben Songs sind allesamt makaber, düster, eventuell ein wenig mystisch und sprechen von Verdammnis und Verfall, wobei textlich eher die Fantasykeule nach Robert E. Howard und J. R. R. Tolkien geschwungen wird, allerdings mit etwas weniger Detailverliebtheit und mehr Barbarei. Die Scheibe mag einem zuerst etwas lahm erscheinen, da nicht nur eine Menge Doomelemente darin ihr perfides Spiel treiben, sondern die beiden Macher der Band ihre Wurzeln im mystischen, verqueren Rock und Hardrock der späten 70er und der NWoBHM haben. Der Gesang ist mittelhoch, relativ hell und charismatisch, wenn auch sehr eigenwillig und von spröder Eleganz. Wie die einzelnen Songs an sich entfaltet er seine gesamte Pracht erst nach und nach, wirkt dann beschwörend und sehr eindringlich. Die LP in grünem Vinyl ist auf 400 Exemplare limitiert und sehr schön aufgemacht, hiermit soll sie noch einmal einen Schub erhalten, damit sich ein jeder echter Phreak das gute Stück sichert. REALMBUILDER kann man irgendwo zwischen MANILLA ROAD und CIRITH UNGOL mit einem Schuss WITCHFINDER GENERAL, HEAVY LOAD und BLACK SABBATH sehen. Es wäre aber müssig, an dieser oder jener Stelle des Albums die Einflüsse genau zu bestimmen, denn sie blitzen allerhöchstens einmal kurz auf, bevor dann die Eigenmagie der Band die Oberhand gewinnt und den Hörer in einen noch tieferen Zauberbann versetzt. Der zweite Song "Silver Ziggurat" hat relativ am Ende ein paar schöne doppelläufige Leadgitarren im besten britischen Heavy Metal Stil aufgefahren, die für ein wenig Eingängigkeit und Auflockerung der makaberen Gänsehautatmosphäre sorgen, ansonsten sind sämtliche der kochenden, brodelnden Leads wie Dämonenschreie, sie paralysieren Dich und saugen Dich immer weiter hinein in die schaurige Welt des REALMBUILDERs. Der Sound ist schön natürlich, das Spiel der Jungs exakt und nicht ohne Anspruch, wobei der Song an erster Stelle steht und nicht die Selbstinszenierung eines Muckers durch Instrumentenmasturbation. Krank und absolut erhaben sind solche Ideen wie die Trompetenfanfaren über majestätischem Doom am Ende von "The tarnished crown", dem perfekten Rauswerfer für diese Scheibe, dazu immer wieder diese mehrstimmigen "Aaaaah" - Chöre, so beim Opener "Bow before the oligarchy" und beim vierten Song "Forgotten minion", die eine gewisse Grundepik in die verdrehten Stücke reinbringen. REALMBUILDER spielen in bester Tradition von alten lokalen US Bands, die abseits der Mainstreammusik ihre Klangwelten konzipierten und aufbauten, ihre Königreiche des harten Rocksounds quasi. Sie hätten 1984 dieses Album als Eigenpressung auf den Markt geworfen haben können, so kultig ist die Ausstrahlung und so befreit von allen Zwängen der Popkultur in der Musik. Ein sagenhaft schönes Stück Heavy Metal aus den USA, genauer aus New York City. Wer sich keine der 400 LPs in grünem Vinyl sichert ist selbst Schuld, noch gibt es sie u.a. bei www.hellionrecords.de oder auch beim Label I Hate Records direkt. Eine CD Version ist bislang nicht geplant, dafür aber schon ein zweites Album. Ich finde es gigantisch, dass entgegen aller Trends diese Scheibe zuerst als amtliches Vinyl kommt und vielleicht nie als schnöde CD das Licht der Welt erblickt. Killer!
98/100

Commandment - No mercy (neues Vinyl)

2009-09-02T07:27:00.000-07:00

(2009, USA, Pure Steel Records, 31.19)
01.Corrupted Youth
02.Betrayed
03.Road to Nowhere
04.Guitar Solo
05.The Cell
06.No Mercy
07.Holding On
08.Kamikaze
09.Voice of the Sphynx
Seit nunmehr zehn Jahren gehört die Vinylversion des Vorgängeralbums zu meinen gern gehörten Favouriten, was nicht allein am gigantischen melodischen und doch harten Speedmetalopener „Oriental maiden“, einer Hymne vor dem Herrn liegt. Jetzt haben es Pure Steel Records, bei denen ohnehin in den letzten Monaten so einiges an kultigem und kultigstem US Metal erschienen ist, geschafft, gotterhabene Demosongs aus der Zeit nach dem Material der ersten Scheibe auf fettes Vinyl zu bennen und sie werden damit einen Volltreffer landen, denn der gebotene Powermetal ist gigantisch. Wäre das Album seiner Zeit erschienen, hätte es ein unumstrittener 80er Klassiker werden können. Da geht es von Anfang an mit rasantem, messerscharfem Riffing und einerpackenden, unheimlich eindringlichen Gesangslinien ab durch die Botanik, die Leadgitarren brodeln und qualmen regelrecht. Sänger David Nava, inzwischen leider seit einiger Zeit verstorben, hat eine hohe, spitze Stimme, wie geschaffen für US Power – und Speedmetal. Nicht jeder Song hier ist so ultraschnell, aber jeder Song ein Hit mit Melodien, die sich regelrecht in Deinen Sinnen festfressen. Die Riffs sind aggressiv wie ein Bienenschwarm, haben den infernalischen Klang einer ganzen Armada viermotoriger Bomber. Der Sound ist roh und heavy, lässt die sägenden Gitarren besonders gut zur Geltung kommen und hat sogar noch Raum für den wummernden, verspielten Bass. Die Geschwindigkeit wird bei den ersten 5 Songs kontinuierlich gedrosselt, die Wucht der Musik nicht. „Lass Dich von den stampfenden Heavy Metal Krachern mit ihren tänzelndem Beats verrückt machen, die Band im Mid Tempo ist ebenso furios und voller Leidenschaft wie in den rasdenden und sausenden Augenblicken. Coole Breaks und Brücken werden gekonnt in viele Songs eingeflochten, über denen dann die Leadgitarristen wie besessen abflammen dürfen und der Bassist hat sich ohnehin längst aus dieser Welt gespielt. Typischer US Powerspeedmetal, sicherlich, aber so ganz eigensinnig! Und diese Band ist wieder voll aktiv, mit der gewaltigen Luftschutzsirene John Cason (EXILED; RITUAL STEEL Mk. III) am Gesang, der einer der wenigen Sänger ist, die David Nava ersetzen könnten. QUEENSRYCHE und BLOODGOOD klingen beim Gesang von David durch, ansonsten ist die Musik von COMMANDMENT nicht zu offensichtlich von dieser oder jener Band beeinflusst worden. Egal, ein schönes Stück Musik, welches die spielerischen Talente der Bandmitglieder gut erkennbar zur Schau stellen, ohne dass sich irgendwer in selbstdarstellerischem Gewichse verlieren müsste, ein regelrechtes Hammeralbum! Man scheint in einem Meer aus glühendem, flüssigem Stahl zu baden, spürt man die Kraft der Gitarren, es ist ein verzauberndes Erlebnis. Die Songs wirklich packend melodisch zu gestalten, dass sie sich für die Ewigkeit in den Sinnen des Hörers festbrennen, dabei aber immer für einen mächtigen Tiefgang zu sorgen, damit sie sich auf Jahrzehnte nicht abnutzen, ist eine hohe Kunst, die nicht jedem Musiker gegeben ist. COMMANDMENT gehören natürlich zu den stolzen Besitzern. Warum sich damals keine LP ergeben hat, wird mir wohl auf ewig ein Rätsel sein. Wer meint, sich lieber mit den aktuellen Posermetalbands abgeben zu müssen, die unter dem „Powermetal“ Banner laufen, sollte einmal nur dieses Album hören und er würde all seine gefallenen Hämmer und Drachenfürze mit einem Stahlbesen aus seiner Kemenate kehren. Das gute Stück ist auf 525 Exemplare limitiert in schwarzem und gelbem Vinyl (100 St.) und kommt in schönem Klappcover mit Linernotes und Illustrationen. Für Freunde feinster Powermetalsounds ein absolutes MUSS! 98/100

Elvenpath - Spyrol

2009-08-25T01:13:00.001-07:00

(2008, Deutschland, Eigenpressung, 49.14 min)
01. Burning skies
02. Priests of war
03. The mask of sorrow
04. Angel of fire
05. Late at night
06. Northern son
07. Act the innocent

Der gute Till hat echt kein Glück mit seiner Band, schon wieder eine neue Besetzung, knapp ein Jahr nach der Veröffentlichung dieses von mir leider sträflich vernachlässigten Stückes teutonischen Metals. Sorry, Bruder, ist leider komplett untergegangen, aber jetzt kommt das versprochene Review. Also, sieben Songs stehen auf "Spyrol", die durchschnittliche Länge ist in der Tat sieben Minuten und zwei Sekunden pro Song. Wie erbsenzählerisch. Geboten wird eine Art melodischer Heavy - bis Speedmetal, dem allerdings Gayboards komplett abgehen und der durch einen lebendigen, natürlichen Sound auch adäquat metallisch umgesetzt worden ist. Die ersten beiden Stücke "Burning skies" und "Priests of war" donnern gut ins Mett mit fetten Refrains und rasanten Gitarren, die auf donnernden Rhythmusteppichen dahingleiten. Schwuchteleien sind nicht angesagt, hier regiert die Axt, hier wird METAL groß geschrieben. "The mask of sorrow" als dritter Song hat dann eher einen deutschen Melodicmetaleinschlag, der fast in AOR Nähe abdriftet, ein wenig an zahmere BONFIRE oder PINK CREAM 69 erinnern mag, wobei allerdings der Gesang seine Grenzen aufzeigt. Ein Klaus Meine, Claus Lessmann oder Andi Deris fallen eben auch in der Bankenmetropole Frankfurt nicht einfach vom Himmel. Ich will nicht über den Shouter schimpfen, er macht seine Sache bei den speedigen Stücken echt geil, kann dem alten Kai Hansen locker das Wasser reichen. "Angel of fire" ist solch ein "HELLOWEEN in besten Zeiten" Song. Natürlich werden beinharte Obskurmetaller, Amimetalworshipper und Epicfreaks hier die Krise bekommen, aber das ist egal. ELVENPATH sind eine ehrliche Metalband, die zwar einen durch viele Mistkapellen kaputtgerockten Stil fährt, dies aber mit Hingabe und Leidenschaft tut und die Fehler der meisten verkaufstechnisch größeren Acts im Untergenre Melodicspeed wieder ausbügelt. Sie sind so verdammt old schoolig, es kommen einem alten Banger wie mir die Tränen. Naja, Till ist auch schon 32, also ebenfalls eine alte Bangersäge und der Typ ist tausendfach METAL, geht zu den kultigen Festivals und lebt diese Musik. Daher ist diese Band ganz klar den Freunden ehrlicher und wirklich guter Metallschmiedekunst zu empfehlen. Und "Angel of fire" hat echt feine Riffs anzubieten. "Late at night" ist dann ein Beispiel dafür, dass eine positiv gestimmte Melodie nicht gleichbedeutend mit aufgesetzer Schlagerfröhlichkeit ist. Der Song macht absolut gute Laune, hat einen verspielten Mittelteil und rockt das Haus dennoch wie es sich für einen braven Teutonenspeedmetalsong gehört. Balladesk getragen und etwas atmosphärischer wird es mit "Northern son", wo wiederum der Gesang einen guten Song etwas verroht. Im Hymnenrefrain passt es dann aber wieder. Nun, der gute Mann ist bereits ausgetauscht worden, warten wir ab, was der nächste Sänger kann. Hier bei "Northern son" hört man an verschiedenen Stellen Keyboards im Hintergrund, welche die dichte Atmosphäre noch verstärken. Ganz an BATHORY kommt das Teil nicht ran, aber für Freunde alter Teutonenacts und früher HELLOWEEN ist es ein gefundenes Fressen, jawoll. Schöne Gitarrenläufe bestimmen das Bild. Ich meine, das hier ist keine Platte für jeden Tag, wird niemals zu meinen Top 100 LPs gehören, aber ihre Ehrlichkeit und Bodenständigkeit macht die Band ELVENPATH sympathisch und ich hab verdammt viel Spaß beim Anhören. Am Ende des Albums kommt noch ein verspieltes Instrumental, welches es eventuell nicht gebraucht hätte, wobei der Song eben auch nicht stört. Einen Kracher wie "Transilvania" von MAIDEN braucht man nicht erwarten, naja, okay, lassen wir das Ding mal seinen Lauf nehmen. Insgesamt eine angenehm zu hörende und charismatische Platte, die man als Fan teutonischen Metals, gerade von Undergroundbands, in seine Sammlung aufnehmen sollte. Gibt es u.a. bei Hellion Records.

77 von 100

Lester Maddox - Gothic lore (Vinyl classics)

2009-08-23T04:51:00.001-07:00

(1986, DRD Records, USA, 38.36 min)
01. Fairy Tales
02. White Power
03. Starchild
04. Fire Giver 05:01
05. Egypt (The Chains Are Off)
06. In The Heat Of The Night
07. Take Me Home (Live)
08. Well Here We Are
Noch eine dieser verrückten, komplett obskuren und kauzigen Undergroundbands aus den USA, die Mitte der 80er ihr Unwesen treiben durften und es sogar auf zwei Scheiben in Eigenregie gebracht haben, siehe Metal Archives. Und diese LP war jeden Pfennig der 110,00 DM wert, die ich vor gut 10 Jahren dafür hingelegt habe. Perfektion ist hier ein Fremdwort, dafür ist das Feeling der Musik einfach betörend. Die Riffs brodeln nur so aus den Boxen, walzen sich einem ewigen Lavastrom gleich voran, obschon die Band kein wirklicher Doommetal bzw. nur doomy angehaucht ist. "Fire giver", der vierte Song der A Seite ist schon recht düster, doomig und dämonisch, was an dem extrem dreckigen Gesang liegt und dem Hang des Shouters, die Satzenden mit einer Art Gelächter zu beehähänden. Seine Melodien sind verquer und doch einprägsam, allerdings weit entfernt von Mainstreamgeschmeidigkeit. So auch der Sound der Scheibe, der räudig, rotzig, dreckig und bodenständig ehrlich klingt. Heute würde so nicht einmal ein Livedemo einer Undergroundblackmetalband tönen, 1986 hat man noch offizielle Alben derartig klingen lassen und womit? Mit Recht! Denn der Sound trägt extrem zur schaurigen Atmosphäre der Platte bei. Die A Seite hat noch das hymnische "Starchild" mit mächtigem Chorus zu bieten, das sinistere "White power" (kein Nazitext...hier geht es in die spirituelle Ecke) und einen weiteren hymnischen Track, den Opener "Fairy tales", wo ebenfalls dieses ziegenhafte Gegackere bei den Satzendungen für Gänsehaut sorgt. Die Mucke ist nicht wirklich schnell gespielt, vielleicht konnten die Jungs das auch nicht, aber das ist egal, denn die Atmosphäre voller dunkelster Magie raubt dem Hörer direkt den Verstand. Und wir sind erst bei der ersten Albumhälfte. Das Vinyl an sich war echt eine Frechheit, hauchzart wie ein Minzplättchen und immer auf dem Sprung...naja, mein aktueller Billigplattenspieler hat da keine Probleme, welch Glück. So kann ich mir diese Favescheibe von mir immer wieder ohne Qualitätsverluste tieftun. B Seite aufgelegt und ab dafür. "Egypt (The Chains Are Off)" stakst im unteren Mid Tempo herum, ist sehr, sehr mystisch und behandelt, wie ich mir vorstellen kann, den Auszug des Volkes Israel aus Ägypten. Die brodelnde Leadgitarre über dem simplen, aber effektiven und verspielt wirkenden Bass / Schlagzeug Fundament raubt Dir nahezu den Verstand. Das Spiel ist sehr locker und entspannt, aber zu jeder Sekunde spannungsgeladen. Die Songs an sich mögen nicht riesig spektakulär wirken, aber in ihrer Tiefe schlummert eine gewaltige Kraft, die Dir die Seele freibläst. "In the heat of the night" schwebt dann wieder doomig drauflos und spinnt den Hörer in einen Cocon aus bösen Träumen ein. Der Refrain ist packend und sehr originell, einprägsam, mystisch. Der Livetrack "Take me home" ist heavy, eher schleppend, also typisch LESTER MADDOX. Man kann die Band mit keiner anderen Kapelle vergleichen. MANILLA ROAD? Höchstens auf schlechtem Koks. Keine Ahnung, es ist so eigensinnig und schön. Ein blechern klappernder Song nur mit E Gitarre und Gesang, eine Art Folkballade, beschließt das wirklich merkwürdige, aber doch todgeile Epic / Obskurmetal Album. Für Fans von abgedrehtestem US Sound a la REALMBUILDER eine absolute Pflichtscheibe.

98 / 100

Memory Driven - Relative obscurity

2009-08-19T02:25:00.000-07:00

(2009, Sweden, I Hate Records, 61.11)
01. Super Nova
02. Nonprofundi
03. Is There Something There?
04. Heavens Vast
05. Moment
06. Ostrakon
07. Surface Oblivion
08. Melt Into
09. Forever Lasting Sadness
10. The 13th Baktun (Closer Pull)
11. The End of Truth

Man denkt sich, es kämen wohl nur noch Knüppelveröffentlichungen oder langweiliger Trällermetal auf den Markt, doch da fällt einem die Debüt CD der Amis MEMORY DRIVEN in die Hände, die gleich einen interessanten, da zumindest in Undergrounddoomkreisen wohlbekannten Namen ins Rennen wirft: Dennis Cornelius.Bei REVELATION hab ich ihn als Sänger erleben dürfen, das war 1995 auf dem WACKEN, noch in der alten Arena mit knapp 3000 Besuchern. Schön war die Zeit. Davor war Dennis bereits u.a. bei den Deathmetallern DOOMSTONE zugange, die mir nur namentlich ein Begriff sind, danach hat er u.a. seine eigene Band OVERSOUL gehabt, einen progressiven Doom in Reinkultur gespielt und die 90er zumindest ganz weit hinten mit guter Musik versorgt (was in den 90ern wirklich nur von Bands aus den letzten Reihen getan wurde). Über den Umweg REVELATION (noch einmal) und PLACE OF SKULLS, sowie DWELL WITHIN landete er nun bei MEMORY DRIVEN. Diese Band, ähnlich wie OVERSOUL und DWELL WITHIN, ist sein Baby, dass er mit ein paar talentierten Freunden ins Leben gerufen hat. Eigentlich ein direkter Nachfolger beider Bands nur unter anderem Namen (siehe SATAN - BLIND FURY - SATAN - PARIAH). Die Musik von DWELL WITHIN kenne ich nun nicht wirklich, aber OVERSOUL und das war eben progressiver Doom. Dort setzt "Relative obscurity" an. Der Titel spricht Bände, er steht für die musikalische Kariere des Dennis Cornelius. Die Musik ist gar nicht so obskur, er hat eine angenehme mittelhohe Stimme, singt sehr gefühlsbetont. Die instrumentalen Parts sind zwar etwas verspielt, aber nie wirklich sperrig. Selbst die schleppenderen Momente haben eine gewisse Grundeingängigkeit zu vermelden. Man muß ja auch als Progband nicht immer wie bescheuert frickeln. Die Progressivität von MEMORY DRIVEN kommt tief aus der Komposition. Gut, nun haben sie auch wieder und wieder zuerst merkwürdig anmutende elektronische Spacepassagen in einigen Songs, die zwar nicht absolut befremdlich wirken, den Hörer dennoch beim ersten Hören verwundern. Mein Freund Christoph meinte etwas von "dronig", nun, das kann ich nicht ganz so stehen lassen. Kosmische Musik mit ein bisserl Melodie, würd ich sagen. Hier spielen die alten deutschen Elektroniker rein, TANGERINE DREAM unter anderem, die unterkühlte Soundlandschaften salonfähig machten. Der Doom hingegen ist bei MEMORY DRIVEN oft sehr majestätisch und pathetisch, kann sich aber auch komplett in sich zurückziehen und wie im bezaubernden "Forever lasting sadness" sanfte Psychedelicparts vor sich treten lassen. Ansonsten ist er kräftig, energiereich in jeder Verfassung. MEMORY DRIVEN sind keine ultimativen Kriecher, die alles zerwalzen müssen. Es ist das Feeling! Progressiv und doomy. Mr. Cornelius spielt hier mit seiner Band abseits jeglichen Kommerzgeistes seine ureigene Vision vom Doom. Kein Gothicgejammere, kein schwammiges Grungen, kein dreckeliger Stonerrock, es ist Doom pur in den schweren Passagen und kosmischer Sound deutscher Prägung bei den elektronischen Elementen, die beide unabhängig voneinander in den Songs vorkommen. Ja, gut, das ist merkwürdig. Doommetal und Elektrospacemusik tauchen nie zur selben Zeit auf. Die synthetischen Einlagen kommen meist am Ende eines Doomepos zum Tragen und dennoch hat man nicht das Gefühl, nur Versatzstücken zu lauschen. Das nenne ich große Kompositionskunst. Wer sich auf progressivere Doomsachen wie eben REVELATION und OVERSOUL einlassen mag, der hat hier die Gelegenheit. Es lohnt sich. Alle anderen kaufen die neue CANDLEMASS oder die neue IRON MAN, die traditionell powermetallisch oder heavyrockig den Doom auf faszinierendste Weise begehen.

95 von 100

Midnight Idöls - Sworn to the night

2009-07-16T01:17:00.000-07:00

(2009, USA, Metal on Metal, 37.08)
01.Sworn To The Night
02.Beyond The Darkness
03.Bloodied And Alone
04.Hatred Is Born
05.Satan's Lullaby
06.Triumph Of The Sinner
07.Curse Of The Crimson Moon
08.Necropolis (City Of The Dead)

Die MIDNIGHT IDÖLS kenn ich von ihrem gutklassigen, aber reichlich rotzrockigen Debüt vor zwei oder drei Jahren, eine feine Band, fürwahr. Die Steigerung zwischen jenem Debüt und der neuen Scheibe geht dann allerdings über mehrere Level. Der Rotzhardrock uramerikanischer Prägung (mit CRÜE, SKID ROW) wurde zurückgefahren, jedoch nicht ganz aufgegeben. Der Gesang ist metallischer und roher geworden, hat ein wenig seine spitzmäusige Frechheit verloren, an Männlichkeit jedoch wesentlich dazugewonnen. Gut so, gut so. Selbst ein traditioneller, erdiger Heavyrawkdonner wie „Hatred is born“ hat eine unheimlich metallische Wucht. Die Gitarren jaulen und fetzen derweil brodelnd heiße Leads und peitschende Soli aus den Boxen. Die IDÖLS sind noch einen guten Schritt weiter in die Vergangenheit geschlichen, zelebrieren flotten NwoBHM Sound mit einer zeitgemässen Frische, wirken dennoch authentisch und reißen unweigerlich mit. Als wäre 1979 gerade mal ein halbes Jahr vorbei, spielen sich die Amis, bei denen ein ehemaliger HOLY TERROR Mann singt, in einen wilden Lustrausch. Die Kompositionen sind urtraditionell, absolut orthodox. Trendige Scheißelemente fliegen raus, aber ebenso tumbes Retrogepose. Diese Kapelle hat eine zeitlose Art, den alten und ewig jungen Heavy Metal auf die Bühne zu bringen. Da sehen einige große Namen ganz alt aus, so alt eben wie sie auch sind. Die „Sworn to the night“ könnte tatsächlich einer jener legendären Klassiker der 80er sein, deren Erwähnung einem Materiekenner das Blut ins Gemächt treiben und sämtliche Körperbehaarung auf Sturm stellen. Diese irrwitzigen Soli, ich muß sie immer wieder erwähnen, die mit einer infernalischen Intensität die Trommelfelle perforieren, sind die Flagge, der wir echten Metalmaniacs folgen müssen, wenn es wieder in die Schlacht um unsere Existenz geht. Wobei diese weniger mit glänzenden Schwertern gefochten wird, sondern mit Eisenketten, die unsere Streetwarriors schwingen, mit Brechstangen, Brandsätzen, Klappmessern und Handfeuerwaffen. Das ist das Streetfeeling dieser Band, die wenig bis gar nichts mit der Epicmetalromantik und dem Sword & Sorcery Kitsch vieler Eskapisten zu tun hat und gerade wegen ihrer Ehrlichkeit, Bodenständigkeit und Echtheit umso sympathischer und heavier wirkt. Die raue Stimme des Meisters ist so unglaublich, als hätte der Mann einen gewaltig dicken Hals und stünde kurz vor einer bestialischen Zorneseruption, die er mit Gesang rauslassen will. Das sollte ihm doch glücken. Der Vogel würd sich gut bei den frühen METAL CHURCH machen. Und die Mucke steigert sich bis zum absoluten Höhepunkt, dem Rauswerfer „Necropolis (City of the dead)“, bei dem das Up Tempo rult, die Gitarren wie ein alter D Zug rattern, die Rhythmen alles niederpeitschen und die Atmosphäre kocht. Der traditionsmetallische Soloteil zum Ende hin gibt dem Stück dann ein wenig Raum zur Entfaltung und dem Hörer Luft zum Atmen, die genialen Doppelleads lassen sein Herz vor Stolz verglühen! Wow, was ein Burner! Eines der US Metalhighlights 2009, keine Spur modern, keine Spur trendy, eine Scheibe mit durchgehend TITT! 90/100

F.K.Ü. - Where moshers dwell

2009-07-15T04:20:00.001-07:00

(2009, Schweden, Metal On Metal Records, 39.57)

1.	Welcome To Your Nightmare	01:23
2.	Where Moshers Dwell	03:14
3.	Twitch Of The Thrash Nerve	03:11
4.	Faster Than The Shark	02:15
5.	The Pit And The Poser	03:29
6.	Dead Coroner	01:48
7.	Almost Metal	00:13
8.	Hate Your Guts (Love Your Brain)	03:44
9.	Bedilia - Back For Cake	03:25
10.	Worms	00:30
11.	Sleepwalker Texas Ranger	01:55
12.	He Knows The Drill	01:10
13.	Six Feet Ünderwear	00:23
14.	Phantom Killer Attack	02:51
15.	Blairsville Blues	01:10
16.	Horror Metal Moshing Machine	03:15
17.	Highway To Horror	06:01

Wo die Mosher wohnen, ja wo? Ha! Was ist denn das hier? Leute von DUSKFALL und DARKANE? Naja, einer. Ich hatte ja schreckliche Vorahnungen, man kennt diese modernen schwedischen Neothrash / Melodicdeath Trendkasper ja, die auf jedem Kommerzfestival die Konsensmetaller mit belanglosen Songgerippen ohne Wiedererkennungswert unterhalten. Ich wollte gar nicht reinhören, da bricht der Speedcoreorkan über mich, den ich mir seit 15 Jahren von einer aktuellen Thrashband wünsche. Diese Kapelle fährt mehrgleisig, baut Elemente vom alten Speedcorecrossover, mittelschnellen, jedoch treibenden Powerthrash und knatternden Speedmetal zusammen, dass es ein herrlich infernalisches Vergnügen ist. Der Sänger könnte ein melodischerer Bruder von EXODUS' Zetro sein, eventuell versucht er auch, den Blitz Ellsworth von 1990 zu erreichen, er schlägt sich jedoch ordentlich und er kann in höchsten Tönen screamen, dass jedem Metalhead sofort die Hose aufgeht. Dem Speedcoreeinschlag verdanken die Schweden ihre sich teilweise im Adrenalinrausch überschlagenden Geschwindigkeitsorkane, dem Speedmetal die packenden, wilden Melodien, die sich garantiert in die Seele des Hörers einbrennen. Eingängig, mitreißend, einfach feurig lebensfroh sind diese Songs. Die urtypischen Thrashriffs fehlen ebensowenig, schrubbende Rhythmusgitarren mit fiesem Ausdruck. Hier klingt alles echt, ungekünstelt, frisch und authentisch. Die Retrothrashwelle geht an den Schweden vorbei, Neothrash ist in ihrer Welt noch nicht erfunden (das dauert wohl noch drei Jahre), dennoch ist die Platte absolut nicht altbacken. Die komplett entfesselte Art, wie F.K.Ü. Ihre Songs rauskloppen, nimmt den Hörer sofort gefangen. Auch hier gilt, wie bei den MIDNIGHT IDÖLS, in ihrem Bereich, dem klassischen Thrashmetal, lassen sie viele Legenden so alt und verbraucht aussehen, wie diese eben auch sind. OVERKILL, SLAYER, ANNIHILATOR, die losen mit ihrem aktuellen richtungslosen Geschrubbe, Geknattere und Gedröhne doch total gegen diese Typen ab, die auch keine Kids mehr sind. Der Basser hat 1990 bei den Technothrashern MIDAS TOUCH gespielt. Gelegentliche Deathgrowls bei den Backings sind auch okay, addieren eine weitere Klangfarbe und klingen ehrlich. Die Mucke ist nicht innovativ, gar nicht innovativ, aber so charismatisch und voller Magie, dass man nicht sitzenbleiben kann, sondern total aufgewühlt durch die gute Stube pesen, poltern und moshen muss. Nun, das ist seit 1999 die dritte Scheibe der Schweden, die Jungs wissen was sie tun und wie sie es tun müssen. Gelegentlich könnten mehr Gitarrensoli in den Stücken losjaulen wie eine Horde tollwütiger Wölfe, das konnten EXODUS immer so genial, ich verweise auf „A lession in violence“, aber das ist kein Streitpunkt. Das würde das wahrlich supergeile Material einfach nochmals endveredeln. Nun, vielleicht das nächster Zeit!

The Hourglass - Resurrection of the horrid dream

2009-07-02T08:33:00.000-07:00

(2007, Syrien, Eigenpressung, 58.10)
01. Resurrection
02. Selective memory
03. Suicidal form
04. The book
05. Distortion of thought
06. Ancient hope Pt. 2 - Kin traitor
07. East of the Mediterranean
08. Divine judgement
09. Alone again
10. The horrid dream
Syrien ist nicht unbedingt als das Mutterland der schweren Beatmusik called Heavy Metal bekannt, umso erstaunlicher ist eine Band wie THE HOURGLASS, die sich sogar der Musik des Klassenfeindes, sprich US amerikanischen Klängen widmen. Der Sound ist schön roh und wohl eher auf das Studio und die Unerfahrenheit der Produzenten zurückzuführen, als als Remineszenz gen 80er Jahre zu verstehen, wobei ich sagen muss, dass der Klang dem Metal der Araber gut zu Gesicht steht. Im Booklet werben sie für Verständnis und Frieden zwischen Völkern und Religionen, musikalisch bauen sie Brücken, zwischen den sich in unterkühlter Feindschaft gegenüberstehenden Staaten und den Metalheads an sich. So, nun aber zur Musik. Irgendwelche modernen Trendanklänge braucht man bei den Wüstensöhnen nicht zu befürchten, der Sänger ist eine klassische Sirene, beinahe dran an dem frühen Tyrant, technisch dessen Standard auf der 83er JAG PANZER EP kultivierend. Die Riffs sind eindringlich, es wird viel mit Melodie gespielt, ohne aber diese aufgesetzt fröhlich oder dumpf verblödet klingen zu lassen, wie beim Happy Schlager Metal vieler aktueller Drachenfürze. Man setzt auf Keyboards, die dem an sich oft epischen Material noch in die Hände arbeiten, die Atmosphäre verdichten, die Theatralik intensivieren, eben den Song an sich aufwerten. Die Gitarre bleibt jedoch das schwermetallische Grundinstrument, auch bei THE HOURGLASS oder gerade bei ihnen. Ich kann als Vergleiche die alten CANDLEMASS und JAG PANZER mit einem Schuss früher HEIR APPARENT und ganz alter DREAM THEATER auf dem Sprung zwischen den Bandnamen herbeiholen und das passt. US Metal mit Melodie und den Verstand aussetzen lassenden Ideen. Nicht innovativ, aber immer wieder liebenswert und sehr charismatisch. THE HOURGLASS sind eine jener Bands, die zu beobachten sich lohnt und die sämtliche Unterstützung aus dem Lager der US Metal Fanatiker verdient hat. Sogar bis an die technische Endphase von DEATH wagen sie sich kurz heran, drehen aber wieder ab gen Powermetal, bevor sie auch nur ansatzweise ins Gekloppe geraten. Dieses Trio aus Syrien mit libanesischem Sänger liebt die Musik, die es spielt, mit voller brodelnder Leidenschaft und das hört man nur zu gut! Top Empfehlung! Gibt es bei www.hellionrecords.de

Ohne Freiheit keine Kunst…

2009-07-02T05:22:00.001-07:00

“Ohne Freiheit keine Kunst…
- Die Kunst lebt nur von den Beschränkungen, die sie sich selbst auferlegt, an den anderen geht sie zugrunde.“ Albert Camus

Der Artikel 19 der Allgemeinen Menschenrechtserklärung sagt aus: „Jeder hat das Recht auf Meinungsfreiheit und freie Meinungsäußerung; dieses Recht schließt die Freiheit ein, Meinungen ungehindert anzuhängen sowie über Medien jeder Art und ohne Rücksicht auf Grenzen Informationen und Gedankengut zu suchen, zu empfangen und zu verbreiten.“

Im Black- und Pagan Metal ist dieses Recht, seiner Meinung „ungehindert anzuhängen“ und diese zu verbreiten, mittlerweile bedroht!

Nicht wenige Bands aus unserer Szene begegnen Problemen, wenn sie ihre Veröffentlichungen verbreiten oder live auftreten wollen. Ihre Veröffentlichungen werden boykottiert oder verboten, und ihre Konzerte werden abgesagt oder angegriffen. Warum? Weil sie von ihrem Recht auf Meinungs- und Kunstfreiheit Gebrauch machen!

Gewisse Personenkreise, insbesondere die sog. “Antifa”, betreiben eine Kampagne gegen unsere Szene. Sie glauben nicht an allgemeingültige Menschenrechte; d.h. sie verneinen, dass jedermann Anspruch auf alle in dieser Menschenrechtserklärung verkündeten Rechte und Freiheiten besitzt, ohne irgendeinen Unterschied, etwa nach Rasse, Hautfarbe, Geschlecht, Sprache, Religion, politischer oder sonstiger Anschauung, nationaler oder sozialer Herkunft, Vermögen, Geburt oder sonstigem Stand. Ganz im Gegenteil, sie wollen jeden unterdrücken und zum Schweigen bringen, der nicht ihre sehr eigene politische Meinung teilt. Zu diesem Zweck greifen sie auf Verleumdung, Einschüchterung und Gewalt zurück. Sie vermeiden die offene und öffentliche Debatte; ganz so als ob sie wüssten, dass ihre Argumente darin nicht bestehen können.

Es ist nicht ungewöhnlich, auch nicht in unserer Szene, dass die Exzesse der „Antifa“ gegenüber „politisch inkorrekten“ Bands entschuldigt werden. Schließlich darf es keine Toleranz für „Faschismus und Rassismus“ im Black Metal geben, korrekt?! Aber diese Rechtfertigung ist einfach nur dumm! Wer besitzt die Deutungshoheit über Begriffe wie „Faschismus“ und „Rassismus“? Schaut man sich nur einmal die Propaganda der „Antifa“ an, dann gilt zum Beispiel auch die demokratisch gewählte Regierung von Deutschland auf die eine oder andere Weise als „faschistisch“ oder „rassistisch“. Du bist vielleicht der Meinung, dass diese Kampagne gegen unsere Szene Dich gar nichts angeht, weil Du selbst ebenso „linke“ Ansichten vertrittst? Denk noch einmal nach! Jeder, der nicht in das fundamentalistische Weltbild der „Antifa“ passt, gerät doch früher oder später in ihr Fadenkreuz. Heute verfolgen sie noch eine Minderheit! Aber morgen wollen sie die Mehrheit terrorisieren!

Vielleicht bist Du einfach zu feige, um Dich gegen die "Antifa" auszusprechen, weil Du nicht als „Nazi“ diffamiert werden willst. Du würdest lieber das allgemeingültige Recht auf Meinungsfreiheit aufgeben, anstatt dieses Grundrecht für jedermann, unabhängig von seiner/ihrer Gesinnung, zu verteidigen?! Wenn das der Fall sein sollte, dann wird doch Deine eigene Meinungsfreiheit als nächstes abgeschafft! Voltaire hat einmal gesagt: „Ich mag verdammen, was du sagst, aber ich werde mein Leben dafür einsetzen, dass du es sagen darfst.“ Diese Haltung ist heutzutage vergessen, speziell in unserer Szene, oder etwa nicht?

Wir befürworten oder verurteilen keine politische Meinung! Als Musikzeitschrift sind wir in erster Linie der Musik verpflichtet. Aber wir glauben an die Meinungs-und an die Kunstfreiheit! Ausschließlich die Bands können bestimmen, wie sie sich präsentieren und verwirklichen wollen. Darüber hinaus können es nur die Fans sein, welche darüber entscheiden, ob sie diese Selbstdarstellung gut oder schlecht finden. Niemand ist befugt, den Bands vorzuschreiben, was sie tun oder lassen dürfen, oder den Fans vorzuschreiben, was sie hören oder nicht hören dürfen!

Wir rufen Dich dazu auf, gegen die andauernde, destruktive Kampagne der „Antifa“ klar Stellung zu beziehen! Diese Leute gehören gar nicht zu unserer Szene, und sie dürfen unsere Szene nicht als Arena für ihre politischen Auseinandersetzungen mißbrauchen! Verteidige die Meinungsfreiheit gegen jeden, der sie abschaffen will – oder es wird am Ende gar keine Freiheit, für niemanden, mehr geben.

Quelle: heiden-infos@mailueberfall.de

Angriff auf Paganmetalband KRODA

2009-06-26T06:47:00.001-07:00

Diese Bekanntmachung erreichte mich heute von "heiden-infos@mailueberfall.de"
25.06.2009Angriff der "Antifa" auf KRODA!Gestern nacht wurde die ukrainische Pagan Metal-Band KRODA während ihres Konzertes in Warschau angegriffen.Die Angreifer, welche aus dem linksextremistischen Milieu der sog. "Antifa" stammen, nutzten eine Spielpause zwischen zwei Bands, als viele Besucher den Saal verlassen hatten, um das Auto, mit dem KRODA angereist waren, zu beschädigen, um die Instrumente zu zerstören, und um Bandmitglieder zu verletzen.Mindestens ein Mitglied von KRODA hat sich die Hand gebrochen.Die Band befindet sich wieder auf der Heimreise. Die Konzerte in Deutschland und in Österreich, geplant für den 26.06. und den 27.06., mussten abgesagt werden. Allerdings wird es für das Konzert in Deutschland (welches trotz zwischenzeitlicher Absage doch wie ursprünglich geplant stattfinden sollte) einen gleichwertigen Ersatz für KRODA geben, wie der Veranstalter mitgeteilt hat.Wir wünschen den verletzten Mitgliedern von KRODA eine rasche Genesung! Den Angriff der linksradikalen Gewaltverbrecher verurteilen wir auf das Schärfste! So sieht also ihre Auseinandersetzung mit Andersdenkenden aus?! Da man über keinerlei Argumente, die in einer ehrlichen Debatte bestehen könnten, verfügt, greift man auf einen feigen Angriff aus dem Hinterhalt zurück, um eine Band an ihrem Auftritt zu hindern. Durch solche Aktionen demaskieren sich die Angreifer selbst, denn es geht ihnen offenkundig nicht um die "Verteidigung" demokratischer Werte und Prinzipien. Es geht einzig und allein um die Bekämpfung und Unterdrückung von Andersdenkenden!Wo bleibt nun die vielbeschworene Solidarität der Metal-Szene mit KRODA? Werden wir es erleben, dass dieser Angriff von ausnahmslos allen Metallern verurteilt wird? Oder wird sich unsere Vermutung bestätigen, dass es vielmehr klammheimliche Freude oder offenen Beifall für diesen Angriff auch aus der Metal-Szene geben wird? Weil es ja eine dieser Bands getroffen hat, die - so äußerte bspw. Rüdiger Mühlmann vom Rock Hard vor nicht allzu langer Zeit - ruhig mit "vertrimmten Naziärschen" und "blauen Augen" nach Hause geschickt werden sollen.Wer so denkt, der ist entweder selbst ein Sympathisant des Linksextremismus oder er ist geradezu kriminell naiv. Wenn die Linksradikalen nicht die Ablehnung der gesamten Metal-Szene zu spüren bekommen, dann werden sie ihre fanatische Mission gegen alle und jeden in der Metal-Szene, die nicht in ihr Weltbild passen, ungehindert fortsetzen. Heute galt der Angriff noch KRODA, aber morgen schon...? Dieser Angriff ist gegen ausnahmslos alle Metal-Fans gerichtet - darüber sollte gar kein Zweifel bestehen! Und wir alle sind gefordert, uns entschlossen gegen den Gesinnungsterror der sog. "Antifa" zur Wehr zu setzen!
Ich gehöre nun absolut nicht zu den Sympathisanten der Nazimetalszene, weiß Krishna nicht, aber ich kann durchaus zwischen politisch wertfrei völkisch orientiertem Pagan und Folkmetal und dreckiger Nazipropaganda in Musikform unterscheiden. KRODA habe ich persönlich vor einigen Jahren für den Hellion Records Versand klargemacht und die Band eines genauen Checks unterzogen und für okay befunden. Das Verhalten der ANTIFA, der sogenannten, ist in keinster Weise zu tolerieren. Wie schon im Falle der Angriffe auf harmlose Industrialfreaks und Gothics, die bei einem WGT in Leipzig vor einigen Jahren aufgrund des Tragens von Uniformen (keine Naziuniformen übrigens) zur Zielscheibe der Linksfaschisten (man kann es nicht anders sagen) geworden sind, hat sich die ANTIFA erneut als das genaue Gegenteil der Aussage ihres Namens erwiesen. Hier wird ein extremst engstirniges Weltbild vertreten, welches gegen wie auch immer anders gerichtete Denkweisen nurmehr das Mittel der puren Gewalt kennt. Ich bin nicht nur empört, sondern rufe jeden denkenden Musikliebhaber, Metalfan und freien Geist auf, sich von dieser Organisation zu distanzieren, zumindest solange bis sie die gewaltbereiten, faschistoiden Randgruppen innerhalb ihrer Ränge unter Kontrolle hat.

Hier noch eine direkte Stellungnahme der Band
Stellungnahme von KRODA zum Angriff der "Antifa": Hexenjagd und Heilige Inquisition?!

Wie sicherlich schon jeder weiss, wurde in Warschau, zu Beginn einer Mini-Tour durch Europa, die Band KRODA von Gewalttätern angegriffen.

Wir haben gerade unsere Kleidung gewechselt um uns bühnenfertig zu machen, und entnahmen aus einem Kleinbus, der in der Strasse in Nähe des Veranstaltungsortes parkte, unsere Instrumente, als auf einmal ein Flaschenhagel auf uns niederging. In dem Moment setzten die Angreifer auch Pfefferspray ein und versuchten, uns mit Teleskopschlagstöcken zu verletzen. Sie trugen schwarz-rote Masken und schrien „AFA!“ (Anti-Fascist Action / Antifaschistische Aktion – A.d.Ü.), deshalb war es nicht schwer herauszufinden, zu welcher Subkultur diese Angreifer gehören.

Vor diesem Ereignis waren wir nicht sonderlich an dieser Bewegung interessiert; aber nachdem uns dieser Angriff widerfahren ist, haben wir uns ausführlicher mit ihren Netzseiten beschäftigt. Dort haben wir feststellen müssen, dass unsere Band als „NSBM“ definiert ist. Es ist sicherlich angebracht, eine kurze musikhistorische Abhandlung anzuführen – nicht für die „Antifa“, aber für die Hörer von Pagan Metal, und von Metal-Musik im allgemeinen.

Es scheint so zu sein, als würde die “Antifa” gar nicht wissen was NSBM sein soll, wenn sie dieses Stereotyp auf unsere Band anwenden. NSBM sind Bands wie DER STÜRMER oder THOR’S HAMMER, zum Beispiel – Gruppen, bei denen die Themen politische und soziale Aspekte beinhalten, sich mit der Ästhetik des Dritten Reiches befassen, usw. Aber KRODA (sogar rein stilistisch) ist Pagan Metal. Im Unterschied zum NSBM gibt es im Pagan Metal (der Name sagt es bereits!) keine politische Komponente. Die Lyrik des Pagan Metal beschäftigt sich mit Altertum, Traditionen, Ahnenkult, und dergleichen mehr. Wer lesen kann, der muss sich doch einfach nur unsere Texte auf unserer Netzseite anschauen! Wir möchten noch einmal betonen, dass unsere Band außerhalb eines modernen Politikverständnisses steht!

In letzter Zeit wird die Metal-Szene durch linksradikale Punks mit ihrem armseligen, pervertierten Verständnis von Metal, und dessen Ästhetik, unterwandert. Ihr Wissen um die Fakten und Konzepte der Metal-Genres ist begrenzt, aber trotz ihrer Profanität versuchen diese Leute (praktisch Außenseiter in der Metal-Subkultur!) ihre Bedingungen gegenüber Metal-Bands ultimativ durchzusetzen. Bands werden selektiert (entsprechend linksradikaler Vorstellungen) und in „politisch korrekte“ und „politisch inkorrekte“ aufgeteilt. Wenn eine Band von dieser konzeptionell/politisch/musikalisch inkompetenter, selbsternannter „Szenepolizei“ als „inkorrekt“ eingestuft wird, dann wird sie physischen und psychischen Angriffen durch die „Antifa“ ausgesetzt. Üblicherweise hören diese „Antifa“-Leute noch nicht einmal Metal, aber sie wollen bestimmen was für Musik wir zu spielen haben, was wir singen müssen, zu welchen Konzerten wir gehen können und welche Konzerte wir zu meiden haben. Sie befehlen den Fanzines, Vertrieben und Plattenfirmen, wer boykottiert werden muss und wer beworben werden soll. Sie wissen überhaupt nichts über das Konzept unserer Kreativität; aber ihre kranken Ideen treiben sie an, unsere Konzerte zu verhindern, die Fans des Pagan Metal wahllos anzugreifen; sie verschwören sich, um Musiker auf jede erdenkliche Weise zu schädigen. Sie wollen uns Probleme bereiten, indem sie unsere Sachen, unser Auto, unsere Instrumente beschädigen und unsere Clubs und deren Einrichtung in Mitleidenschaft ziehen. Sie benehmen sich wie gewaltbereite Randalierer, während ihre offizielle Propaganda immer von „Gewaltlosigkeit“ spricht. Sie setzen sich angeblich für „Gleichheit“ ein, aber in Wahrheit gibt es auch für sie immer noch welche, die gleicher sind als andere. Ständig wollen sie sich um den Erhalt fremder Kulturen kümmern, während sie im selben Moment die Zerstörung unserer eigenen, europäischen Kultur befürworten. Diese Leute leiden an Realitätsverlust! Sie sind einfach nur faule Spinner mit zuviel Freizeit, die überall ihre Feindbilder aufstellen wollen und denen jede Runeninschrift auf einer CD oder auf einem T-Shirt gleich verdächtig vorkommt. Sie wollen uns ihre dreisten Bedingungen diktieren und uns dazu zwingen, ihren idiotischen Forderungen nachzukommen. Offenbar verstehen sie nur die Anwendung von brutaler Gewalt! Wenn die Fans, Bands, Veranstalter des Pagan Metal diese linksradikalen Randalierer und Störenfriede weiterhin tolerieren, dann werden diese ihre Aktionen bis hin zum Terrorismus steigern!

Jeder der in vorauseilenden Gehorsam die Konzerte von Bands absagt; jeder der auch nur einen Gedanken an die Forderungen dieser roten Hooligans verschwendet; jeder der sich diesem Regime, welches die Außenseiter in unserer gesamten Pagan Metal-Szene errichten wollen, unterwirft – ihr alle unterstützt, egal ob nun passiv oder aktiv, die weitere Eskalation des Gesinnungsterrors der „Antifa“ bei der Unterdrückung unserer eigenen Interessen!

Heutzutage wollen uns irgendwelche schäbigen Punks vorschreiben; welche Musik wir zu hören haben; welche Konzerte wir besuchen dürfen; welche Kleidung wir „tragen dürfen“ und welche „unerwünscht“ ist; mit welchen Bands wir uns abgeben dürfen und welche wir meiden sollen – und schon morgen wollen sie uns vorschreiben was wir essen dürfen; welche Bücher wir zu lesen haben; was wir zu denken haben; was wir zu sagen haben; mit wem wir eine Liebesbeziehung führen dürfen; wo wir leben und wieviel Geld wir verdienen dürfen. Wir sind die einzigen die sich das Recht zurückholen können, selber darüber zu entscheiden, welche Musik wir hören und auf welche Konzerte wir gehen wollen!

Wenn Du an Dich selbst glaubst und nur Deinem Herzen folgen willst, dann ist es jetzt an der Zeit “Stop!” zu den „Antifa“-Randalen im Pagan Metal zu sagen!
Es ist jetzt an der Zeit, dass wir uns selbst organisieren und auf jede Provokation gebührend reagieren. Macht es zu einer Tradition und Regel unter Freunden, dass man gemeinsam und nüchtern zu Konzerten geht. Schaut euch das Publikum genau an! Wenn ihr Sympathisanten und Spitzel der „Antifa“ erkennt, schmeisst sie raus! Wenn irgendein Dummkopf euch das Konzert verleiden will, schmeisst ihn raus! Wenn diese Leute nicht unsere Rechte, unsere Lieblingsbands, und unseren Artglauben respektieren – dann sind sie an den Konsequenzen, die sich für sie ergeben, doch selbst schuld! Wir werden ihre Einmischung in unsere Angelegenheiten nicht länger hinnehmen! Wenn ihr auf der Strasse unterwegs seid, dann müsst ihr immer jene Selbstverteidigungsmittel, die nach den Gesetzen eures Landes erlaubt sind, bei euch tragen. Wenn euch jemand angreift, dann habt ihr das Recht zur Gegenwehr! Wenn die „Antifa“-Banden mehrfach auf starken Widerstand aus der Pagan Metal-Szene getroffen sind, dann werden sie ihre Interventionen in unsere Szene sicherlich überdenken. Sollen sie doch lieber Schwulenparaden und Rastafari-Märsche beschützen! Wenn diese Schwachköpfe wirklich denken das wissenschaftliche Begriffe wie „Arier“ und „Rasse“ automatisch mit „Faschismus“ zusammenhängen, und tradtionelle, europäische Symbole wie die Runen und die Swastika vom „Nazismus“ abstammen, dann braucht mit ihnen über die Themengebiete des Black- und Pagan Metal ohnehin nicht diskutiert werden!

Zusammenfassend wollen wir nochmals unseren Aufruf an alle Hörer, Musiker, Label, Fanzines, die mit Black- und Pagan Metal in Verbindung stehen, erneuern: Beantwortet jeden Boykott unserer Musik und unserer Bands, durch die “Antifa”, mit einem Gegenboykott! Lasst nicht zu, dass man euch manipuliert! Lasst nicht zu, dass man die Pagan Metal-Subkultur zerstört, so wie man auch die traditionelle, europäische Kultur zerstören will! Wehrt euch mit psychologischen und behördlichen Maßnahmen, und ebenso durch physische Aktion. Die Banden der linksradikalen Gewalttäter müssen als Kriminelle erkannt und dementsprechend behandelt werden – so, wie sie es mit euch zu tun pflegen! Schuldige sind zur Rechenschaft zu ziehen!

Ruhm und Ehre unseren Göttern!

(Original: kroda.com.ua)
Ich denke, dem ist nichts hinzuzufügen!

Jackal - IV

2009-06-13T01:51:00.000-07:00

(2009, Dänemark, Pure Steel Records, 41.46)
01. Reinforcement
02. In to the core
03. Innocence
04. Angels
05. Disciple of the Night
06. No lifeguard on duty
07. When the heart is strong
08. Endgame
09. No one
10. Hunter
JACKAL galten als dänische Antwort auf IRON MAIDEN zu Beginn der 90er und waren drauf und dran, in Japan echt fett durchzustarten. Die ersten drei Alben kenn ich nun leider gar nicht, ist damals im Deathmetalrausch und Doomwahn an mir vorbeigegangen. Wie so viele Bands halt, kann man nichts ändern. Nun schickt mir das Pure Steel Records Label eine brandneue JACKAL ins Haus, das vierte Album, quasi eine absolute Eigenproduktion von JACKAL Sänger Brian Rich mit Hilfe des Aufnahmetechnikers Carsten Falkenlind.
Keine richtige Band dabei? Auf den Metal Archives munkelte man, der Brian Rich, der hätte doch...nun, was hat er? Zusammen mit Carsten Falkenlind (mit Herrn Falkenhorst, dem alten Froschn verwandt?) hat er zehn seiner aktuellen Kompositionen in einem Kopenhagener Studio eingedonnert und das mit merklich Spaß bei der Sache. Brian Rich ist dabei im Booklet der einzig mit Bild vertretene Musiker. Mit seiner Kurzhaarfrisur sieht er meinem früheren RITUAL STEEL Gitarristen Dirk sehr ähnlich, ha. Und seine Kompositionen hätten so auch von Dirk stammen können.
Ja, da wären wir nun bei den Songs an sich. Ganz klassischer Heavy Metal mit melodischem Einschlag, allerdings ohne großartige Keyboardbegleitung wird geboten. Ich will Brian Rich und seine Band weder mit IRON MAIDEN, BRUCE DICKINSON Solo, noch mit den PRETTY MAIDS vergleichen, aber irgendwo zwischen diesen drei Eckpfeilern solider Heavy Metal Kost bewegt er sich. Man kann noch die Solowerke von RIPPER OWENS und BLAZE BAILEY dazuaddieren.
Solide komponiert mit Melodien verfeinert, die einem recht vertraut vorkommen mögen, sich aber so nach und nach doch in den Sinnen des Hörers festfressen. Ein kompositorischer Alleingang des Protagonisten. Man hört dies sehr gut am relativ konstanten Songwritingstil heraus. Große Überraschungen, Weltwundermelodien, spektakuläre Passagen, all das fehlt dem Album. Dieser Fakt macht "IV" nicht unbedingt zu einer schwachen Scheibe, vergleicht man sie mit eben jenen Soloeskapaden von Herrn Bailey oder Herrn Owens.
Dann hat aber genau dieser Stoff wieder ungeahnte Hymnenqualitäten und eine majestätische Nummer wie "No one" ist echt ein Reisser und bleibt als erstes fest im Ohr hängen. Halb balladesk, ansonsten getragen mit schneidenden Gitarrenmelodien und einem charismatisch gefühlvollen Gesang. Und so schälen sich nach und nach kleine Minihits aus dem Songmaterial der Scheibe heraus. Auch wenn stilistisch keine Grenzen gesprengt, keine Barrieren überwunden und keine Innovationen platziert werden, JACKAL ist ein frisches Projekt.
Spielerisch sitze jede Note an ihrem Platz, es wird technisch versiert soliert, wobei die Leadgitarre tragender Bestandteil des Songs an sich und nicht nur Zierde ist. Der Gesang ist mittelhoch, angeraut, bissig, hat Charme und Charakter. Der Klang ist relativ sauber, wobei ich nicht davon sprechen würde, dass die Scheibe überproduziert worden wäre. Sie klingt sauber und lebendig zur selben Zeit.
Melodicmetalfans und alte Heavy Metal Recken sollten gleichsam ihren Spaß hiermit haben. Der Schlagermetalfraktion wird sie nicht gefallen, weil Brian Rich sich eben nicht aufgesetzt fröhlichen Melodien hingibt, sondern seine Harmoniebögen stimmungsvoll inszeniert. Die Scheibe hat, wie ich sagen möchte, ein kommerzielles Potential, einen Hardrockeinschlag, der in besseren Zeiten für sehr gute Absatzzahlen bishin zur goldenen Schallplatte hätte sorgen können. Heute ist es mit dieser Musik eben so wie mit aller wirklich guten Musik, eher dem Underground näher als dem Mainstream. Aber gut, dass wir drüber gesprochen haben.
JACKAL können mit dieser CD eine breitere Fanschicht erreichen, was nicht negativ gemeint sein soll, denn ein Song wie "Angels" ist ein Kracher, ähnlich wie "No one" halb balladesk ruhig, dann aber mit großer Wucht und emotionaler Exaltiertheit dargeboten. Wie ich schon sagte, die Hits kommen mit der Zeit, mit den Hördurchgängen. Ich habe meinen unvoreingenommenen Spaß an diesem Album und finde, dass es sich bestens dazu eignet, das Cruisen über die Landstrasse mit voll aufgerissener Anlage und einer Molle Pils in der Hand zu untermalen. Bodenständig, ehrlich, sympathisch, das sind die Hauptattribute dieser Mucke. 82/100

Helvetets Port - Exodus to Hell

2009-06-12T02:16:00.001-07:00

(2009, Schweden, Puresteel Records, 41.44)
01. The Shogun
02. Killers In The Sand
03. Dying Victim Of The City
04. Helvetets Port
05. Diamond Claw
06. Fly By Night
07. Killed By A Reaper
08. Huvudlös Gestalt
09. Djävulens Triangel
10. Exodus To Hell
11. Swing The Studded Mace
12. Heavy Metal Night
13. Hårdrockens Förkämpe
Von all den neuen Schwedenbands, die innerhalb der letzten vierundzwanzig Monate dem alten Heavy Metal mit einem aktuellen Album frisches Blut in Form frischer Songs zugeführt haben, sind HELVETETS PORT wohl wahrlich die schrägste und obskurste, damit auch untergrundigste Kapelle. Dagegen nehmen sich selbst IN SOLITUDE mit ihrem kaum 20 jährigen Strassenkind als Sänger wie geleckte Casting Stars aus, zumindest musikalisch. Recht so, recht so, das ist genau der Heavy Metal, der mir am Herzen liegt, auch wenn die CD nicht wirklich spektakulär erscheint, wenn man sie das erste Mal in den Player wirft. Aber was ihnen an effekthascherigem Peitschengeknalle fehlt, das machen die Kompositionen in der Tiefe an Substanz und Magie wieder wett. Doppelt und dreifach sogar. Textlich setzt man sich mit Mythen, Fantasy und eben jenem lyrischen Eskapismus auseinander, der so urtypisch für den alten Heavy Metal ist. Wobei ich betonen möchte, dass es nicht einfach nur dahingeschluderte "Drachen und Elfen" Texte mit ritterlicher Prinzessinnenvernaschung als Sahnehäubchen sind, sondern eine gewisse Erzählkunst diesen Schweden zu eigen ist. Einige Songs werden dann gleich in der Heimatsprache vorgetragen, was zunächst für Uneingeweihte und Nichterleuchtete etwas sperrig klingen mag, aber absolut reizvoll ist. Es ist zwar nicht wirklich neu, aber unheimlich emotional. Dahingehend ist "Djävulens Triangel" ein Highlight. Mit entrückten Gesangseinlagen zusätzlich zum rauen, erdigen Heavy Metal Rock Stil des Fronters, mystisch eindringlichen Gitarrenläufen, wechselhaften Strukturen, die ein episches Feeling aufwerfen, wird dieser Song an ganzen Heerscharen von Heavy Metal Fans vorbeimarschieren, weil er einfach freaky und eigenwillig ist. Wer aber seine Seele weit geöffnet hat und bereit zum Empfangen, den fesselt diese dunkle, spirituell anregende Melodik sofort. Die spitzen Screams überall erinnern mich an die Backings bei URIAH HEEPs frühen Alben und das ist bereits kultverdächtig. Die verdrehten Riffs sind 80er, NWoBHM Style zumeist. Sie werden geschmackvoll zusammengefügt, so dass ein jeder Song nach einer Aufwärmphase die Sinne des Hörers aufs intensivste kitzelt und sich tief in den Geist hineinbohrt. Neben den zehn Albumtracks gibt es drei Boni, die von der vorausgegangenen Single stammen und den Stil der vollen Scheibe vorwegnehmen, ohne großartig primitiver zu klingen. Allein der Sound ist etwas dumpfer. HELVETETS PORT sind mehr als nur eine Band, die straighte Heavy Metal Hymnen schmiedet, sie schreiben recht bildhafte Songs, die ich mal als heroisches Ohrenkino bezeichnen möchte. Die Jungs beherrschen ihre Instrumente übrigens verdammt gut, treten jedoch nie aus dem Dienst des Songs an sich aus, sondern wissen genau, dass sie selbst nie größer als das jeweilige Stück sind. Soli sind erlaubt, als wichtiger Bestandteil eines Stückes, mit welchem die Komposition emotional aufgewertet, noch durchdringender gemacht wird. Von den Einflüssen her wildern sie tief in der Vergangenheit, logisch tun sie das, denn die Jungspunde, die man auf jedem KEEP IT TRUE rumlaufen sieht, sind eben härteste Fans, die ihre Plattensammlungen nicht einfach anhören, sondern stets das Abspielen einer ihrer Lieblings LPs zu einer Zeremonie werden lassen. Ich höre typisch britische Riffs und Harmonien, neben den urschwedisch klingenden Läufen. 70er Hardrock der straighteren Art, NWoBHM diverser Kaliber, auch traditionelle Musik aus dem angelsächsischen und skandinavischen Raum in gesunden Dosen, alles wird hier zu einem schlagkräftigen Metalsound verschmolzen, der zumeist brodelt und die Atmosphäre in Deinem privaten Reich aufheizt. Ich bin hin und weg, wie sie diese Wechsel von flotten Headbangerparts zu stampfenden, leicht verdrehten Hymnenpassagen hinbekommen, ohne große Brückenteile einzubauen. Das ist das lockere, unwiderstehliche Feeling dieser Band. Ein gewisser Grad an Schnodderigkeit ist der Musik auch nicht abzusprechen, noch ein Punkt, der tiefe Sympathien im geneigten Fan weniger konventioneller Heavy Metal Sounds weckt. Wären BROCAS HELM entspannter, würden sie wohl solche Songs schreiben, statt sich wie mystische IRON MAIDEN auf 45 Umdrehungen nach 20 Tassen Kaffee und zwei Packungen Amphetaminen zu gebärden. Die britischen Kauzmetaller DEEP SWITCH fielen mir als grobe Orientierungshilfe ein. Puuh, wie man es auch dreht und wendet, haben sie Dich erst einmal gepackt, dann kommst Du da nicht wieder raus. HELVETETS PORT sind eine so eigenständige Band, dass einem die Galle überläuft, denkt man an die eigentliche kommerziell orientierte Heavy Metal Szene mit ihren dumpfdrögen, oberflächlichen Pussybands. Egal, kann eben nicht jeder so catweazligen Heavysound fahren. Freuen wir uns auf die baldige Veröffentlichung der CD Version bei Pure Steel Records. 97/100